Roteiros de quadrinhos

I encontro amapaense de histórias em quadrinhos

2012-01-25T05:43:00.000-08:00

Scan: a inspeção

2011-11-30T06:25:00.001-08:00

A história A inspeção, escrita por mim e desenhada por Bené Nascimento (Joe Bennett) e Pedro Vale foi publicada originalmente na revista Calafrio 47. Essa história surgiu da minha vontade de adaptar uma história de Nicolai Gógol para os quadrinhos. Eu e o Bené já havíamos adaptado a história O nariz na história Phobos, publicada na revista A hora do crepúsculo e dessa vez escolhemos a peça O inspetor Geral. Como seria publicada numa revista de terror, adaptamos a trama sobre um inspetor falso para um manicômio no século 19. Essa história, assim como boa parte das HQs feitas pela dupla Gian-Bené, nunca foi republicada e corria o risco de se perder. Assim, resolvi disponibilizar como scan. Para baixar, clique aqui.

Procura-se

2011-11-25T18:40:00.000-08:00

Gincana Mundo Monstro: O Livro Perdido

2011-11-25T09:30:00.001-08:00

Um mundo fantástico, povoado pelas mais incríveis e diferentes criaturas sobrenaturais, foi registrado em umlivro secreto. E nossos planos eram disponibilizar esses registros para a humanidade. Porém, seja por piada do destino ou forças malignas, o livro desapareceu.

Dada a gravidade da situação, convocamos você, humano, para se juntar a Érico, o aprendiz de detetive, nessa busca pelo livro perdido. Pegue sua lupa, vista um bom casaco, e mãos à obra! E lembre-se: Érico irá recompensar com prêmios aqueles que o ajudarem.

Mas cuidado! Também existem aqueles que não terão piedade de um simples humano…

Para participar, o primeiro passo é seguir no Twitter os perfis @ed_infinitum e @giandanton e curtir as páginashttp://www.facebook.com/infinitumlibris e http://www.facebook.com/pages/Gian-Danton/210520048984627. Depois, é só aguardar a primeira pista, que será dada no Twitter, dia 26/11, às 14h.

Os cinco primeiros detetives que descobrirem a respostas ganharão como prêmio uma cópia do e-book Mundo Monstro, de Gian Danton, e uma edição da revista Quadrinize, além de marcadores de páginas exclusivos.

Material promocional do Mundo Monstro

2011-11-24T18:06:00.000-08:00

A campanha de lançamento do e-book Mundo Monstro já começou no facebook com o volante abaixo. Gostaram?

Entrevista com Anita Costa Prado

2011-10-16T06:15:00.000-07:00

Anita Costa Prado é uma roteirista brasileira premiada. Ficou famosa no meio com uma personagem lésbica chamada Katita. Num mundo dominado por homens e heróis anabolizados trocando sopapos, ela mostra que as histórias em quadrinhos podem ser poéticos e que não há limites para os assuntos tratados na nona arte. Conheça, na entrevista abaixo, um pouco dessa talentosa roteirista.

1 - Como você começou a ler quadrinhos? O que você lia?
Comecei a ler quadrinhos na infância. Lia gibis do Tio Patinhas, Chico Bento, Professor Pardal, o adorável Zé Carioca, etc. Na adolescência passei a ler também tiras de jornais.

2 - Quais são os roteiristas que te influenciaram?
Não foram exatamente influências mas admirava vários roteiristas e desenhistas como Eugênio Colonnese e roteiristas de histórias infantis. O roteiro que mais me impactou foi de Art Spielgeman (MAUS), por ser real, aliado a grande idéia de desenhar os personagens como animais, de acordo com os grupos étnicos.

Sempre me encantei pelos roteiros curtíssimos das tiras de Jim Davis e o Gato Garfield, além das ótimas tiras nacionais.

3 - Como surgiu a Katita? Qual era a sua intenção com a criação da personagem?
Por gostar de tiras e conhecer os personagens que saiam regularmente nos jornais, senti que uma personagem lésbica seria interessante, pela inexistência de tal enfoque. A intenção era mostrar o cotidiano de uma jovem lésbica, com bom humor e ironia, como forma de suavizar a abordagem de um tema polêmico e repleto de conceitos equivocados.

4 - Você já foi premiada duas vezes com o Angelo Agostini. Isso mostra que o seu trabalho está chamando atenção do meio. Isso demonstra também um maior respeito com relação à temática gay? Na verdade foram três premiações. Em 2006, como roteirista e melhor lançamento (Tiras Sem Preconceito), vinculados a Katita. No ano seguinte, recebi o terceiro prêmio, como melhor roteirista mas além dos roteiros da Katita, havia feito também roteiros poéticos em quadrinhos. Maior respeito talvez não seja o termo mas maior visibilidade; ainda há um longo caminho para o respeito as individualidades sexuais.

5 - Existem outros personagens gays, inclusive super-heróis. O que você acha deles?
Personagens gays criativos preenchem uma lacuna e mostram as variantes sexuais pois o mundo não se resume a heteros. Tenho um pé atrás com super-heróis, sejam gays ou não. Gosto de personagens próximos da realidade.

Heróis com super-poderes parecem refletir o quanto nos sentimos inferiores por sermos simplesmente humanos.

6 - Como é o seu processo de criação? Você escreve ou rafeia as histórias? Você muda o texto depois de desenhado? Pede para fazer mudanças no desenho? Faço quadros descrevendo detalhes do ambiente, diálogos e posição dos personagens. Posso recorrer a colagens de imagens para dar uma idéia do que quero ou desenho um esboço básico, quase primário. Felizmente o Ronaldo Mendes, meu desenhista mais assíduo, entende o que quero transmitir. Ele desenha a lápis e me passa via computador. Observo se está tudo ok, solicito alteração (caso necessário) e só então, ele finaliza.Em outras ocasiões fiz roteiros escritos, tipo argumento, propiciando maior liberdade para o desenhista exercer a criatividade e montar o visual, de acordo com sua vontade. Não gosto de mudar o texto depois da arte finalizada; só em situações extremas, como corrigir uma falha ortográfica no balão, por exemplo.

7 - Eu sempre digo que um bom roteirista deve ler e ler muito. Por isso, eu peço para os meus entrevistados indicarem livros interessantes para os leitores do blog, muitos dos quais serão futuros roteiristas.
Ler é essencial para desenvolver a mente, se familiarizar com as palavras, textos, pontuação, etc. Creio que o bom roteirista deve ser eclético em suas leituras; ao ler publicações sobre roteiros de quadrinhos, vai ter muita informação útil e específica. Indico MAUS, citado anteriormente e seu livro (O Roteiro nas Histórias em Quadrinhos), além de publicações que tiveram alguma premiação ou indicação importante. Serve como avaliação. Ler a literatura tradicional também é interessante, como também livros que deram origens a filmes.

8 - Qual dica você daria para quem está começando agora como roteirista de quadrinho?
Primeiro que preste atenção ao texto e diálogo produzido. Recebo material com tantos erros ortográficos nos diálogos que prejudicam a imagem, mesmo que seja boa e comprometem os desenhos. O roteirista trabalha com a idéia e com a palavra; tem que ter preparo básico. Estudo e leitura são primordiais. Outra questão importante é o roteirista ter em mente que seu trabalho deve oferecer algo aos leitores e despertar interesse. Se o roteirista é também o desenhista, tem a vantagem de poder fazer tudo sozinho mas é bom ter uma opinião qualificada no decorrer do trabalho. Várias dicas externas são valiosas.

9 - Você usa uma mídia, os quadrinhos, que é vítima de muito preconceito, para falar dos gays, que também são muito discriminados. Qual preconceito é maior? Quadrinhos com essa temática ajudam a diminuir o preconceito e, por outro lado, mostram que quadrinhos podem falar de qualquer coisa?

A homossexualidade, sem dúvida, recebe maior carga de preconceito. Quadrinhos nem sempre são levados a sério e muitos encaram hq com arte menor, por desconhecimento. Recebi manifestações de pessoas que leram as publicações da Katita e constataram que quadrinhos podem ser veículo para questões adultas, profundas e também uma forma de expressão artística.

10 - A personagem Katita já foi censurada alguma vez?
Isso tem sido uma constante desde a criação (1995). Censura, exclusão, veto, solicitação de alterações na tira, comportamento da personagem e substituição de palavras nos balões. Sinceramente isso não me afeta, é um dos combustíveis para continuar. Tenho uma crítica pessoal em relação a personagem e algumas idéias são deixadas de lado por minha vontade já que não quero usar nada apelativo. Não preciso de censura externa, geralmente baseada em puritanismo tolo.Agora, se alguma observação é coerente, levo em consideração.

O livro Katita - tiras sem preconceito pode ser comprado no site da editora Marca de Fantasia.

Deus ex machina

2011-10-13T09:07:00.001-07:00

Na Grécia antiga havia um recurso usado pelos maus roteiristas: quando não conseguiam resolver algo na trama, ou explicar o que estava acontecendo, um ator vestido de deus era baixado por um mecanismo e resolvia a situação. Por exemplo: os personagens estão numa situação em que não há saída possível, o deus desce e os salva. Ou: há um furo monstruoso na trama, o deus descia e tentava explicar.
Isso era chamado de Deus ex machina e é uma falha grave de roteiro.
Um exemplo clássico disso aconteceu em uma das edições da revista Calafrio. Havia um roteiro padrão na Calafrio, segundo o qual alguém muito mal era punido no final. Geralmente eram os mortos que voltavam do túmulo para se vingar. Mas nessa história, o vilão foi morto por um raio que atingiu seu carro. Só que, percebendo o furo, o roteirista colocou uma caveirinha no final, explicando: "Sim, eu sei que os pneus do carro criam um isolamento, protegendo as pessoas de raios, mas lembre-se: no mundo do terror, tudo é possível... hahahhahahahah".
Uma forma mais comum de deus ex machina é tirar a salvação dos heróis da manga. Tipo: eles estão sendo perseguidos e vão ser mortos pelos vilões. De repente aparece a polícia, do nada, e os salva.
Para evitar o deus ex machina, tudo na trama tem que ser amarrado. Em algum ponto lá atrás, alguém deveria ter chamado a polícia, mas, com o desenvolvimento da trama, o expectador esqueceu disso e só lembra na hora que vê a polícia chegando.
No filme Sinais, por exemplo, tínhamos uma menina com uma mania estranha: ela bebia água e deixava o resto em copos espalhados pela casa. No final, quando o ET invade a casa, há água por toda a casa, o que permite ao tio da menina usar isso para derrotá-lo (a água é como ácido para eles). Ou seja: o roteirista pensou nesse final e providenciou uma explicação. Se os copos de água aparecessem do nada, o expectador iria dizer: ah, isso é mentira, e o pacto de verossimilhança seria destruído junto com os copos de água.

O pacto de verossimilhança pressupõe uma troca com o expectador: você acredita na minha história, em troca eu sou honesto com você. Vou, por exemplo, avisá-lo de quem é o assassino numa história policial (claro que essa pista é jogada no meio de outros fatos, e a tendência é esquecer, mas, quando vê o final, o expectador pensa: ah, mas era óbvio, como eu não percebi isso antes?).
O filme Sexto sentido é um exemplo disso: no final, quando descobrimos o que realmente aconteceu com o psicólogo, pensamos: caramba, era óbvio, porque não pensei nisso?
O filme Testemunha de acusação brinca com essa situação: de repente aparece uma mulher, do nada, com provas que inocentam o acusado. Parece um deus ex machina, usado apenas para livrar a cara do personagem. Mas depois isso se revela parte de uma trama maior, que já estava sendo exposta ao expectador.

Curso on-line de mangá

2011-08-20T12:38:00.005-07:00

As inscrições para o Curso Mangá On-line da UNIFOR-Universidade de Fortaleza vão até 31 de agosto. O Conteúdo mediado pelo cartunista JJ Marreiro abordará desenho, arte-final, narrativa e história do mangá, intercalando momentos teóricos e práticos por meio de diversos recursos das tecnologias digitais. O aluno pode fazer o curso sem sair de casa (em qualquer lugar do país) e acompanhar as aulas nos horários que escolher.

A implementação do curso à cargo do Núcleo de Educação a Distância da Unifor, envolveu uma equipe de cerca de 30 profissionais entre pedagogos, designers, ilustradores e programadores.
O quadrinho japonês situa-se hoje no contexto da velocidade da informação do mundo moderno influenciando moda, comportamento, design e comunicação. Ao trazer aspectos da cultura japonesa para o ocidente, o estudo do Mangá propõe ampliar a compreensão sobre a arte sequencial em diversos aspectos e possibilidades.

INFORMAÇÕES:
(085) 3477-3479
e-mail: nead@unifor.br
www.unifor.br/nead
link direto: http://migre.me/5wrnU
Matrículas até 31 de agosto
Duração do curso 2 meses.

Análise da história Castelos de areia

2011-08-05T11:25:00.000-07:00

A revista Kripta foi uma das melhores já lançadas no Brasil. Lançada pela RGE na década de 1970, ela reformulou a forma como se via o terror e fantasia até então. Antes dela, a principal referência eram as ótimas, mas já defasadas, histórias da EC Comics. Embora a revista origina (Eerie)l tenha surgido nos EUA imitando as histórias da EC, logo ela encontraria o seu próprio caminho ao publicar trabalhos mais autorais. O auge foi quando entraram os artistas espanhois e filipinos. As histórias inclusive se tornaram mais filosóficas e texto e desenho alcançaram um nível poucas vezes igualado nos quadrinhos.
Exemplo disso é a história Castelos de Areia, de Gerry Boubreau e José Ortiz (publicada na Kripta especial 1), que analiso abaixo.
Em tempo: essas histórias estão sendo relançadas em álbuns pela editora Mithos.

Castelos de areia é uma típica narrativa paralela. Nessa primeira página acompanhamos o primeiro nível dessa narrativa. Uma mulher foge para dentro de uma caverna. O texto está em terceira pessoa e tem como objetivo criar a sensação de terror, medo, angústia. Reparem nas metáforas: O túnel é frio como o útero de uma mãe morta, as paredes são enrugadas como as de um velho índio. A referência a ratos e vermes tem o mesmo objetivo. Trata-se aqui de um texto de ambientação, cuja função é colocar o leitor dentro da história, situá-lo tanto geográficamente quanto em nível de percepção que se espera dele. Nessa mesma página conhecemos um pouco mais sobre a personagem que corre e suas motivações: Ela é uma crente e está indo para o lugar onde se escondem os últimos crentes.

Nessa segunda página chegamos ao segundo nível da narrativa, agora num mundo que aparentemente é espiritual. Uma figura que logo descobriremos ser Deus constroi castelos de areia na praia enquanto a narrativa conta um pouco de sua história. É também uma narrativa de ambientação, que avisa o leitor que o cenário mudou. Estamos agora nos domínios da fábula ou da metáfora. Como a própria narrativa é metafórica (percebemos que Deus tem vários rostos e que morre a cada vez que morre um crente), o texto evita as metáforas, sendo mais objetivo.

Essa terceira página, intitulada "Lição rápida de história antiga" tem exatamente esse objetivo: situar historicamente o leitor, explicando como e porque começou a perseguição aos crentes. O leitor poderia ter começado por aí, já que esse é o ponto cronologicamente mais antigo, mas optou por um flash back para tornar a história menos linear. Uma estratégia interessante foi colocar o singular no meio do universal: no meio da narrativa mais geral, é contada a história da jornalista que acusa o guarda de segurança. Essa é uma tática muito usada por Alan Moore, em Monstro do Pântano por exemplo, e ajuda o leitor a entender melhor os fatos mostrados. Apenas com esse quadro sabemos que o nível de paranoia chegou a tal ponto que qualquer acusação poderia levar uma pessoa à morte. Aliás, um curioso paralelo com a inquisição espanhola.

Voltamos para a narrativa da caverna da crente Marti. Destaque agora para o aprofundamento de relações entre Marti e Loz. O desenho ajuda muito nesse sentido. Quando o texto fala dos sentimentos de Marti, ela está em primeiro plano e Loz em segundo. Quando descobrimos os sentimentos de Loz, ele está em primeiro plano e Marti em segundo plano. Detalhes como o fato de Loz gostar de fazer amor ao ar livre dão mais verossimilhança à trama e são um ponto a mais para que o leitor acredite na história.

Chegamos a mais um nível de narrativa (até agora já são 4 narrativas paralelas). Agora acompanhamos os policiais que irão exterminar os crentes. O texto fala sobre os personagens traidores diferenciando-os em termos de personalidade. Bosco trai os crentes por dinheiro, Reutman por ambições políticas. Interessante a metáfora no último quadrinho: as pegadas de Reutman são como pústulas na neve virgem. Como os quadrinhos são a arte da síntese, a boa escolha de palavras, de forte impacto, é de importância fundamental.

Voltamos para o nível de narrativa do planeta de deus, chamado na história de Janus Kah. Interessante que o texto procura explorar o lado humano de Deus. Na mesma página, temos a quinta narrativa, sobre o presidente e a ironia aí é que o Presidente é mostrado como menos humano do que Deus. Mais uma ironia: a morte do último teísta pode ser o fim do Presidente.

No primeiro quadro o texto repete duas vezes a palavra "leite": "A polícia se espalhou como leite derramado e Reutman parecia leite...". Não sei se foi erro de tradução, já que o roteirista até então havia sido bastante cuidadoso com o uso de palavras. Usar leite duas vezes como metáfora parece ser o ponto mais fraco da história. Em compensação, no quarto quadrinho, um texto bastante criativo: "Mais tarde, Marti estava rezando e Reutman atirou a faca. A prece e a lâmina ficaram em sua garganta". No final, a narrativa volta para o Presidente, agora apreensivo e torcendo para que pelo menos dois crentes escapem.

Última página da história. Com a morte da última crente, morre a última face de Deus. Interessante que a posição de Marti é parecida com a de Janus Kah para deixar bem clara essa relação. No último quadro, mais uma metáfora interessante: "Tudo que resta da passagem de Deus é a marca de sua mão. Terminados os castelos, o mar olha para ela, sofregamente". Castelos de areia é uma metáfora conhecida de sonhos (Fulano vive fazendo castelos de areia) e essa relação fica bem clara nesse último quadro. No trecho "O mar olha para ela..." temos a personificação, uma figura de estilo em que coisas ganham sentimentos ou características humanas e mostra o domínio que o roteirista tem da uso da linguagem.
Domínio da linguagem e domínio da narrativa: Gerry Boubreau transformou uma história simples sobre uma perseguição em uma trama interessante, complexa, pela alternância de pontos de vista e narrativas. E fez isso sem prejudicar a compreensão da história.

Banquete literário

2011-05-26T13:00:00.000-07:00

O SESC Amapá realiza no dia 17 de junho o 4° Banquete Literário no SESC Centro, às 20h. O evento contará com o lançamento do livro – O roteiro nas histórias em quadrinhos – do professor Ivan Carlo Andrade de Oliveira.

O Banquete Literário acontece desde 2010 com o objetivo de divulgar os escritores e a cultura literária amapaense. O livro - O roteiro nas histórias em quadrinhos – aborda a criação de personagens, ambientação e as técnicas que fazem com que leitor embarque na história. Também traz capítulos sobre adaptação e elaboração de histórias em quadrinhos com texto e desenhos mais elaborados voltados para um público adulto, as chamadas Graphic Novel.

Na oportunidade, o autor também estará autografando o livro – Spectra - uma antologia de contos sobre fantasmas, lançado recentemente pela editora Literata.

Lançamento do livro O roteiro nas histórias em quadrinhos

2011-05-16T14:45:00.001-07:00

Dia 17 de junho o SESC Centro será palco do lançamento do meu livro O roteiro nas histórias em quadrinhos (editora Marca de Fantasia). Na ocasião, estarei autografando também a coletânea Spectra, com contos sobre fantasmas, a coletânea Alter Ego, com histórias de heróis com poderes, e o livro Introdução à metodologia científica.

Entrevista com Marcos Franco

2011-03-16T18:36:00.000-07:00

Marcos Franco é um dos grandes roteiristas da nova geração. Apesar de estar pouco tempo na estrada, ele foi o ganhador do Ângelo Agostini deste ano como melhor roteirista. Conheça um pouco mais desse grande talento bahiano.

Como você começou a ler quadrinhos?

Comecei a ler quadrinhos aos 6 ou 7 anos. Tive uma criação bastante rígida, por vezes até violenta, meus pais não me deixavam sair muito de casa, na maior parte do tempo eu vivia recluso em um quarto e os quadrinhos eram a minha única companhia. Os gibis eram o meu mundo particular, meu universo de fantasias que ajudavam a transpor as paredes daquela “prisão”. Lembro que uma das poucas pessoas com quem meus pais me deixavam sair era a minha avó. Eu era o único neto homem e ela fazia todas as minhas vontades, uma delas era comprar quadrinhos, praticamente toda semana nós íamos às bancas e sebos do centro comercial da minha cidade. Pois é, a “válvula de escape” para um drama pessoal vivido na infância acabou por se tornar a minha maior paixão.

Os quadrinhos foram para você uma espécie de terapia? Pode dizer que os quadrinhos o salvaram? Tive a mesma impressão ao ver o documentário sobre o Crumb. Vendo a família dele, percebemos que ele não enlouqueceu por causa dos quadrinhos.

Digamos que sim. Bom... Comigo não chegou a ser tão barra pesada, mas confesso que ainda tenho certos bloqueios por conta dessa criação. Meus pais eram dogmáticos, tinham uma disciplina dura e inflexível, não era permitido discordar de sua autoridade ou questioná-la. Meu pai, homem rude e simples do campo, não tinha muito trato na educação dos filhos, para ele a violência era sempre a melhor pedagogia. Já a minha mãe era aquele tipo superprotetora,ela entendia o significado da palavra proteção de uma forma um tanto exagerada. Ficava de plantão o tempo todo, não me deixava sair, controlava minhas amizades e tudo que por ventura podesse me corromper ou causar mal (era o que ela pensava). Sei que eles faziam isso com a melhor das intenções, no entanto acho que isso me prejudicou mais mais do que ajudou.

Quais eram os gibis que a sua avó comprava para você?

Minha avó e também os meus pais (às vezes) compravam coleções e títulos avulsos de diversas editoras e gêneros. Eu tinha uma coleção bastante razoável (hoje ela é bem maior) e a molecada do bairro costumava ir sempre lá em casa só para trocar gibis. Eles costumavam me comprar títulos variados do terror nacional (a muito contra gosto), muita coisa Marvel/DC das editoras EBAL, Bloch, RGE e Abril e bastante quadrinho infantil. Lembro-me com saudosismo de revistas como Os Trapalhões, Riquinho, Bolinha e Luluzinha, Bolota, Recruta Zero, Mortadelo e Salaminho, Os Tutti Frutti, Cacá, Pantera Cor de Rosa e Popeye. Ainda guardo com carinho algumas delas.

Quais foram os autores que te influenciaram?

Têm vários. A maioria das influências em roteiro é mesmo nacional. Vale citar os principais: Júlio Emílio Braz, Ataíde Braz, Elmano Silva, Ota, Rubens Francisco Lucchetti, Luís Meri, E. C. Nikel, Carlos Patati e um certo Gian Danton. Durante as décadas de 70 e 80 eu acompanhei praticamente tudo o que essas lendas vivas do quadrinho nacional produziram para editoras como Grafiphar, Vecchi, ICEA, Press Editorial, D-Arte e Bloch. Ah! Bons tempos aqueles...

Como você começou a escrever quadrinhos?

No ano de 1991 aconteceu um seminário sobre quadrinhos na Universidade Estadual de Feira de Santana organizado pelo pessoal da saudosa revista em quadrinhos baiana “Pau de Sêbo”. Quando soube não contei dois tempos, chamei um colega que também curtia quadrinhos e me mandei escondido para o evento. Aquele foi um acontecimento mágico e inesquecível para mim, na oportunidade tive o prazer de conhecer nomes como Paulo Setúbal, Lage, Caó Cruz e o mestre Antonio Cedraz (grande ídolo e amigo). Inspirado por essa turma e motivado pelo sucesso do IQI (hoje QI) do Professor Edgard Guimarães, em 1995 publiquei o meu primeiro fanzine. Foi através dessa publicação que dei o pontapé inicial como roteirista de quadrinhos.

Como foi ganhar o Ângelo Agostini? Você já esperava?

Eu fiquei um tanto surpreso e contente pela premiação. Foi realmente muito gratificante ser homenageado por uma das mais tradicionais premiações do quadradinho nacional e ter o trabalho reconhecido após quinze anos de produção independente. Eu sempre sonhei com uma premiação desse tipo. Imaginei diversas vezes momentos como esse, durante esse período em que produzo quadrinhos. Essa premiação é sem sobra de dúvida um grande marco e um importante divisor de águas na minha trajetória como roteirista. Daqui pra frente o meu trabalho será mais respeitado e com certeza muito mais cobrado.Disso eu não tenho dúvida.

O trabalho que provavelmente deve ter lhe garantido o prêmio foi Lucas da Feira. Fale um pouco sobre esse trabalho.

Verdade. A idéia da criação do álbum surgiu há alguns anos, muito embora desde a infância possuísse grande fascínio pela figura do lendário escravo Lucas da Feira. Na verdade eu sempre tive uma relação bastante próxima à cultura popular da minha região e as coisas ligadas ao campo. Costumava ouvir dos mais velhos “causos” e histórias sobre todos esses mitos do sertão, sobretudo a seu respeito. Foram essas lembranças que me levaram a pesquisar e transportar ao universo dos quadrinhos sua polemica história. Comecei a parte de pesquisa no finalzinho da década de noventa, na oportunidade entrevistei o pesquisador Joaquim Gouveia Gama e li o romance biográfico “Lucas, o Demônio Negro”, de Sabino de Campos. Já na segunda etapa, toda ela realizada em parceria com Marcelo Lima (grande amigo e também parceiro na idealização do roteiro do álbum) teve inicio em 2008 e durou pouco mais de um ano. Durante esse período, consultamos cordéis, a dissertação de mestrado da professora Zélia de Jesus Lima e realizamos uma nova série de entrevistas com pesquisadores, historiadores e anciões da zona rural de Feira de Santana. Após a conclusão da parte de pesquisa e execução do roteiro escrevemos (Marcelo e eu) o projeto no edital Microprojetos Mais Cultura doSemiárido, que viabilizou a publicação obra.

Uma outra obra sua bastante conhecida é a Penitência. Como foi a gênese dessa personagem?

A idéia da criação da personagem surgiu em meados da década de 90. Ela fez sua estréia a exatos quinze anos, na edição primeira do fanzine New Heros. Na época eu já havia criado vários outros personagens, mas nenhum deles havia emplacado da forma prevista, obviamente pelo fato de serem apenas meras cópias dos enlatados Norte-Americanos. Foi aí que tive a sacada de abordar o gênero Comic de uma forma diferente. Notei que os personagens misteriosos, sombrios e com poderes sobrenaturais despertavam certo fascínio no leitor, então decidi criar uma personagem que seguisse essas vertentes. A Penitência também surgiu como um reflexo da minha postura filosófica de vida. Sou adepto do deísmo, uma filosofia que admite a existência de um Deus criador, mas questiona as denominações religiosas e as chamadas revelações divinas.

Cite 10 quadrinhos que um roteirista deve ler.

Certa feita um mestre do quadrinho nacional fez a seguinte declaração: “Um bom roteirista tem que ler de tudo, não pode se prender a uma única influência.” Eu concordo com ele em gênero número e grau. Um bom roteirista tem que beber em várias fontes e assimilar o melhor de cada uma delas. Seguindo essa linha de pensamento o meu “top 10” de leitura obrigatória fica da seguinte forma: No Coração da Tempestade, de Will Eisner; Asterix,de Goscinny; Watchmen e O Monstro do Pântano, de Alan Moore; Sandman, de Neil Gaiman; Companheiros do Crepúsculo, de François Bourgeon; Batmam - O Cavaleiro das Trevas, de Frank Miller e Klaus Janson; Maus - A História de um Sobrevivente, de Art Spiegelman; O Trio Diabólico e O Homem do Patuá, Elmano Silva (Mano) e por fim, Mortadelo e Salaminho do espanhol Francisco Ibáñez.

Que livros você indicaria para um roteirista iniciante?

Independente de gênero ou temática a literatura é bastante importante para um roteirista iniciante, pois ela enriquece a sua compreensão do mundo e ajuda na criação de roteiros mais embasados e profundos. Sugiro que não se apegarem apenas a leitura de HQs, porque em certos momentos ficaram limitados. Minha dica de livros servirá em especifico ao quesito “técnica”. Eu indico “Roteiro – Os Fundamento do Roteirismo”, de Syd Field, “Quadrinhos e Arte Seqüencial” do Will Eisner, “Desvendando os Quadrinhos”, de Scott McCloud e o seu “O roteiro nas Histórias em Quadrinhos “, publicado pela editora Marca da Fantasia.

Quais características um bom roteirista deve cultivar?

As caracteristicas basicas de um bom roteirista são a compulsão pela perfeição, visão crítica, percepção estética e uma grande paixão pelo que faz. Um bom roteirista também deve ter uma boa dose de originalidade, poder de persuasão, raciocínio lógico, amplo repertório literário e bastante autocrítica. Para que se possa aprender e crescer em qualquer profissão é preciso ter capacidade de fazer autocrítica, debater e principalmente ter a humildade de tirar dúvidas quando necessário.

Como é o seu processo de criação? Como você estrutura o roteiro? Como é a sua relação com o desenhista?

Não tem muito mistério. Eu normalmente elaboro o roteiro a partir do argumento, transformando esta idéia em um texto estruturado com diálogos e cenas. Começo com a mentalização do enredo e depois passo as idéias para o papel (digo, PC) na forma de uma sinopse onde narro em ordem cronológica todo o enredo da HQ. Em seguida, faço a decupagem e desfragmento o texto definindo a quantidade de páginas e quadros por página. Por fim, realizo uma pesquisa sobre os temas abordados no roteiro e elaboro as legendas e diálogos. Já a minha relação com o desenhista é bastante é tranquila e sem neuras, costumo dar liberdade para “ele” interagir com o roteiro, alterar planos, enquadramentos e até mesmo cenas por completo.

Capa do livro Spectra

2011-03-12T02:49:00.000-08:00

A editora Literata já divulgou a capa da antologia Spectra, com histórias sobre fantasmas. Eu participo com o conto Lembranças de sangue. A edição deve sair em abril

Entrevista com Wilde Portella

2011-03-06T18:09:00.000-08:00

Wilde Portella é um verdadeiro mestre num gênero de roteiro pouco praticado pelos brasileiros: o faroeste. O gibi do Chet, criado em parceria com o irmão Watson Portella foi um grande sucesso no final da década de 1970 e início dos anos 1980, pela editora Vecchi. E o personagem está de volta para conhecer o Blog do Chet, clique aqui).
Wilde aceitou responder algumas perguntas sobre sua experiência como roteirista.

Como você começou a se interessar por quadrinhos? O que lia quando era criança?

Comecei a me interessar por histórias em quadrinhos justamente quando criança e lia as revistas do Pato Donald, O Guri, O Pequeno Xerife e Texas Kid (O Tex Willer), e muito depois Zorro, Jerônimo, O Herói do Sertão, etc.

Quais foram os roteiristas que o influenciaram?

Acredito eu nenhum roteirista me influenciou. Porém, a partir do momento em que comprei o número um de Epopéia Tri, tive uma visão diferente das histórias em quadrinhos que abordam o tema do faroeste. Depois passei a ler Tex e acredito que tive alguma influência com a fórmula do G.L. Bonelli escrever seus roteiros. Os italianos sempre foram melhores em lidar com o Velho Oeste seja no cinema ou nos quadrinhos.

Como você começou a escrever quadrinhos? Qual foi o seu primeiro trabalho profissional?

Meu primeiro trabalho profissional foi uma revista que tinha o título de O Águia, escrita por mim e desenhada por Watson Portella. Foi feita para uma editora lá de Alagoas, em Arapiraca. Foi um fracasso total, pois foi feito BA base do velho clichê que a nova geração nem conhece, e fotolito para fotografar as páginas. Nem eu nem meu irmão ficamos com uma revista para mostrar para a posteridade. A personagem era um herói mascarado e com capa que lutava contra os nazistas. Quer dizer, um tema batido e já abordado por diversas vezes nas revistas Capitão América e Os Falcões. Assim escrevi meu primeiro roteiro. Mas quando criança, com 11 e 12 anos eu e Watson já produzíamos nossas “revistas” (desenhos e histórias) em velhos cadernos escolares ou em material que nosso pai trazia da Prefeitura onde era Auditor.

O personagem pelo qual você é mais lembrado é o cowboy Chet, talvez o único faroeste nacional que fez grande sucesso. como foi o processo de criação desse personagem?

Caramba! Já respondi essa pergunta umas quinhentas vezes. Chet foi feito por encomenda do Lotário Vecchi na época em que o Otacílio D’Assunção Barros era editor da Vecchi. Então houve todo aquele processo. Começamos com seis capítulos como complemento da revista Ken Parker. Como a aceitação foi boa logo ganhou revista própria e chegou a ser a segunda HQ mais vendida da editora. Só perdendo, claro, para o Tex do Bonelli.

Além de Chet, que outros trabalhos você destacaria?

Destacaria diversos trabalhos que fiz para o jornal Diario de Pernambuco, Grafipar, Portugal e EBAL. Mas o material que sinto mais orgulho é O Caçador de Esmeraldas que fizemos para a Editora Brasil América. Nós mudamos a fórmula de fazer álbuns paradidáticos. Usamos uma linguagem cinematográfica e funcionou.

Como é a sua relação com o desenhista? Como você escreve o roteiro? Faz full script, marvel way ou rafeia?

Seguinte: Eu escrevo um roteiro meio cinematográfico, com legendas e balões e indicando como fica a cena. Então o desenhista acompanha esse meu raciocínio e atualmente faço questão de ver como ficou a página no lápis. Se ficou bom,ok, caso contrário oriento o desenhista que também pode ficar à vontade para colocar uma cena melhor que a sugerida por mim.

Já teve problemas com desenhistas?

Não, nunca tive problemas com desenhistas. Na época da Vecchi quem cuidava dos desenhistas era o OTA. Eu só mandava a história com 100 páginas e ele se virava. Para que o projeto desse certo chegamos a preparar três revistas com antecedência. E atualmente trabalho com amigos e jovens desenhistas que, por incrível que pareça são fãs do Chet.

Que conselhos você dá a um roteirista iniciante?

Conselho nenhum. A arte de escrever um roteiro tem que estar dentro da pessoa. O que poderia dizer é que sempre caprichem nas histórias. Uma boa história faz com que o desenho ganhe vida. Não adianta um ótimo desenho com uma história ruim. E se o roteirista souber rafear, melhor ainda. Eu sei, mas prefiro escrever.

Eu sempre digo que um dos defeitos do pessoal que quer ser roteiristas é ler só quadrinhos, Que livros você indicaria como leitura obrigatória para um roteirista?

Há livros que podem ajudar o roteirista sim, como por exemplo, numa história longa é necessário ter tramas paralelos. Numa história curta o foco principal pode ser as personagens centrais. O roteirista não deve se guiar apenas em histórias em quadrinhos. Um livro que acho interessante são aqueles que utilizam uma linguagem coloquial o que acontece geralmente num bom romance. Já uma novela escrita para livro não ajuda muito. Os livros Cem Anos de Solidão (Gabriel Garcia Marques), Isabel de Minha Alma (Isabel Allende) e segue por aí. O candidato a roteirista deve le, no entanto, o autor que ele achar melhor. Quando a mim, leio de tudo, biografias, ensaios, romances, vovelas e contos.

Roteiro Baghavad

2011-01-21T06:18:00.000-08:00

Baghavad

Roteiro de Gian Danton

Página 1

Q1 - Os quatro narradores sentados à mesa. O narrador desta história será o único que até o momento não teve história. Vamos chamá-lo de Roger.

Roger: Eu também tenho uma história. Vocês sabem que já trabalhei para a Companhia no setor de mineração. Não, eu não era um mineiro. Nós éramos encarregados da limpeza dos países que estava sendo explorados.

Q2 – Close em Roger.

Roger: Essa limpeza muitas vezes significa a extinção de espécies indesejadas. Os Zhorts eram um exemplo disso.

Q3 – Um grupo de homens equipados com uma espécie de bomba de veneno e um esguicho de desinfetante, jogando o desinfetante sobre uma espécie de monstro parecido com uma bactéria ou uma ameba.

Texto: Eram seres monstruosos que habitavam um planeta sem nome catalogado apenas como Y-17.

Q4 – Variação da cena anterior.

Texto: Alguns ativistas chegaram a fazer protestos contra a desinfecção dos monstros. Mas para a opinião pública, eles eram apenas pragas. Eram como vírus, que deviam ser desinfetados.

Página 2

Q1 – Close de Roger.

Roger: Uma medida sanitária. Era o que eu achava. Ate aquele dia.

Página 2

Q2 – Um grupo de exterminadores persegue dois ou três monstros.

Texto: Havíamos encontrado um pequeno grupo de zhorts e os seguimos até o grupo maior.

Q3 – Quadro grande, de impacto. Os soldados chegam a uma espécie de clareira. Há vários monstros em volta de um garoto vestido como mendigo. O garoto está sobre uma espécie de pedra, sentado em posição de Buda. Os monstros se inclinam respeitosamente na direção dele.

Texto: O que encontramos foi algo extraordinário.

Eles estavam em círculo, ao redor de um garoto humano.

Q4 – quadro de flash back. O garoto da cena anterior pedindo esmola numa cidade improvisada.

Texto: Eu conhecia aquele pivete.

Era uma das muitas crianças que vagavam pelas ruas do acampamento, pedindo comida ou dinheiro.

Q5 – close de Roger. Ele parece assustado, olhando para o garoto. Se não der para mostrar o garoto, mostre apenas a reação dele.

Texto: Era o mesmo garoto, mas havia algo de muito, muito estranho com ele.

Para ler essa HQ completa, já desenhada, clique aqui.

Como aprendi a escrever quadrinhos com Roberto Carlos

2011-01-04T04:07:00.000-08:00

Um verdadeiro roteirista de quadrinhos deve estar atento a tudo, pois nunca sabe de onde pode vir uma boa ideia, uma informação importante ou uma técnica interessante. Alan Moore, por exemplo, diz que aprendeu algumas das técnicas narrativas mais interessantes lendo Gabriel Garcia Marques.

Na verdade, podemos aprender algo até ouvindo uma música do Roberto Carlos. A música conta a história de um homem que vai para o trabalho, mas, apaixonado, não consegue deixar de pensar na mulher, de modo que conta os segundos para o reencontro.

O interessante é que a música uma estrutura chamada de narrativa paralela, em que acompanhamos dois personagens e suas ações ao mesmo tempo. É uma técnica usada, por exemplo, por Frank Miller, em Batam Ano 1 em que acompanhamos, em paralelo, Bruce Wayne e o Comissário Gordon e suas respectivas chegadas em Gothan City.

Essa mesma técnica é usada por Stephen King no livro A incendiária: enquanto a menina e seu pai foge, acompanhamos, quase simultaneamente, os seus perseguidores.

Reparem como a narrativa começa com o homem acordando, indo para o trabalho, e pula para o cotidiano da mulher, que acorda, busca por ele na cama e depois vai tomar banho. A letra continua acompanhando o casal durante o dia, até o reencontro, no final. Mais uma lição: as narrativas paralelas devem se encontrar em algum ponto da trama, normalmente no final.

Vale lembrar também que o texto nos quadrinhos tem características semelhantes à letra de uma música narrativa baseada na concição e objetividade. As elipses, características dos quadrinhos, aparecem também na música de Roberto Carlos. Observem, por exemplo, a sequência inicial: o relógio desperta e na sequência seguinte o homem já está pronto para sair. Na cena seguinte, ele já está no ônibus. Lembra, e muito, a cena de A queda de Matt Murdock em que O Demolidor está na pensão e pensa em sair para se vingar do Rei.
Coloco abaixo a letra da música, com a indicação das narrativas.

Narrativa 1

E o relógio há pouco despertou
Da porta do quarto ainda na penumbra
Eu olho outra vez
Seu corpo adormecido e mal coberto
Quase não me deixa ir
Fecho os olhos, viro as costas
Num esforço eu tenho que sair
A mesma condução, a mesma hora
Os mesmos pensamentos chegam
Meu corpo está comigo mas meu pensamento
Ainda está com ela

Narrativa 2

Agora eu imagino suas mãos
Buscando em vão minha presença
Em nossa cama
Eu gostaria de saber o que ela pensa

Narrativa 1

Estou chegando para mais um dia
De trabalho que começa

Narrativa 2

Enquanto lá em casa ela desperta
Pra rotina do seu dia
Eu quase posso ver a água morna
A deslizar no corpo dela
Em gotas coloridas pela luz
Que vem do vidro da janela

Colocando seu perfume preferido
Diante do espelho aquilo tudo
Ela esconde num vestido
Depois de um café, o olhar distante
Ela se perde pensativa
Acende um cigarro
E olhando a fumaça pára e pensa em mim

Narrativa 1

O dia vai passando, a tarde vem
E pela noite eu espero
Vou contando as horas que me separam
De tudo aquilo que mais quero
Meu rosto se ilumina num sorriso
No momento de ir embora
Não posso controlar minha vontade
De sair correndo agora

O trânsito me faz perder a calma
E o pensamento continua

Narrativa 2

Pensando em minha volta muitas vezes
Ela vem olhar a rua

Encontro das narrativas

A porta se abre e de repente eu
Me envolvo inteiro nos seus braços
E o nosso amor começa
E só termina quando nasce mais um dia
Um dia de rotina, um dia de rotina

O sol ainda não chegou
Num dia de rotina
O nosso amor começa e termina
Quando nasce mais um dia
Um dia de rotina

O sol ainda não chegou

Baghavad

2010-12-29T07:03:00.000-08:00

Gostaria de apresentar a vocês uma de minhas mais novas produções, a HQ Baghavad, com arte do espetacular Nemo. Coloco aqui apenas uma página, mas você pode conferir o restante da história clicando aqui. Essa história faz parte de uma sequência de quatro HQs sobre o tema humanidade. Além disso, todas têm como título uma obra de literatura, nesse caso, um dos livros mais importantes do hinduismo. A primeira HQ da série foi uma adaptação do livro Coração das Trevas, de Joseph Conrad (que deu origem ao filme Apocalipse Now). Você pode ler Coração das Trevas (com arte de Jean Okada) clicando aqui.

Pesquisar é preciso

2010-12-29T04:55:00.000-08:00

De vez em quando aparece por aí um gênio dos quadrinhos. É o cara que escreveu a história perfeita, e que tem a fórmula para salvar o quadrinho nacional. Conheci muitos desses. Geralmente são uns idiotas muito divertidos, e muito diferentes entre si. Mas a maioria tem uma característica em comum: a total ausência de pesquisa.
Estudiosos do processo de criação dizem que o surgimento de uma nova ideia passa por um processo que começa com uma longa pesquisa sobre o assunto. Essa fase é geralmente chamada de preparação. É uma fase de trabalho duro, em que se procura ler e pesquisar tudo que existe sobre aquela situação. Se, por exemplo, vou escrever uma HQ policial, essa fase engloba a leitura de livros sobre investigação criminal, sobre psicologia, perícia, etc. Também inclui o contato com quadrinhos, livros e filmes sobre o assunto. Com quanto mais material você tem contato, maior a chance de produzir algo criativo. Também é maior a chance de descobrir como o gênero funciona, quais são as suas regras, um conhecimento relevante até mesmo se você quiser quebrar essas regras.
A fase seguinte é a incubação e iluminação. Depois de pensar e pesquisar muito sobre o assunto, a ideia surge, geralmente num momento de descontração. É que toda nova ideia surge do incosciente, que trabalha justamente nesses momentos em que não se está pensando no problema. Mas, da mesma forma que o iconsciente pode lhe dar uma ideia sensacional e original, ela pode lhe dar um plágio ou uma ideia jerico. Para evitar isso, é necessário o último passo: a crítica.
A pesquisa é importantíssima em todas as fases. Sem ter material para trabalhar, o incosciente não cria nada. E, depois, na fase da crítica, se a pessoa não pesquisou bem, pode deixar passar um plágio involuntário, uma pegadinha do inconsciente, que puxou da memória algo que você não se lembra que viu.
Uma vez me apareceu um desses gênios dizendo que queria escrever um romance policial. Aconselhei-o a ler os clássicos do gênero: Conan Doyle, Dashiell Hamett, Raymond Chandler, etc. Ele me respondeu que não iria ler nada disso, pois não queria ser influenciado. Pretendia escrever algo totalmente original.
- Tudo bem, vá em frente! - eu disse.
Meses depois, ele me trouxe o roteiro, um calhamaço de quase 100 páginas. Era a história de um detetive particular pobretão que começava a investigar um caso quando uma mulher linda aparecia em seu escritório. Lá pelas tantas, alguém batiaem sua porta, e, quando ele abria, a pessoa caia em seus braços, esfaqueada.

Ou seja: o roteiro era o chavão dos chavões. Quase um plágio de algumas histórias noir, como as de Raymond Chandler e Dashiel Hammett. O garoto tinha assistido tantas imitações das histórias noir clássicas que seu incosciente se impregnou delas e, como não tinha bagagem cultural para tanto, não conseguiu identificar o plágio involuntário. Para ele, a história era perfeitamente original.

Bonnie e Clyde

2010-12-02T04:08:00.000-08:00

Bonnie e Clyde, filme de 1967, produzido e idealizado por Warren Beatty e dirigido por Arthur Penn, abriu caminho para a Nova Hollywood, a geração de cineastas que revolucionou o cinema norte-americano com obras como Sem Destino e O poderoso Chefão. O tema básico dessa geração já estava lá: o conflito de gerações, que aparece com maior destaque no final. Para quem não sabe, os dois eram assaltantes de bancos que ficaram famosos na década de 1930. Nessa época de depressão, muitas pessoas estavam perdendo suas propriedades para os bancos (fato muito bem mostrado no filme Vinha da Ira) e a população logo se identificou com a dupla, muitas vezes protegendo-os. Para a geração do final dos anos 60, a identificação foi imediata: eles eram como o casal, em busca de aventura e novidades, e a polícia representava a geração anterior, conservadora.
Dizem que Warren Beatty se jogou aos pés do presidente da Warner (que já estava praticamente falindo na época) para fazer esse filme. Ao invés de receber um cachê normal de astro, ficou com 40% da bilheteria, o que o tornou milionário quando o filme (indo contra todas as expectativas do estúdio) se tornou um sucesso de bilheteria.
Um dos aspectos curiosos do filme foram as adaptações feitas no roteiro. Na história original, Clyde era bissexual, e só conseguia se excitar com a presença do terceiro membro da gangue, C.W. Moss. Os executivos proibiram essa parte do roteiro e a solução foi sugerir que o personagem tinha problemas de ereção, o que, de certa forma aumentou a tensão entre o casal, deu um ar de humanidade ao personagem e colocou a relação entre Bonnie e Clyde num patamar mais complexo, já que ficamos o tempo todo os nos perguntando o que os mantém juntos (talvez o gosto pela aventura).
Uma figura central no sucesso do filme foi o roteirista Robert Towne. Towne era extremamente inseguro quando estava escrevendo um roteiro próprio, mas era o melhor para consertar roteiros de outros. Uma das maiores contribuições dele foi atencipar uma cena que acontecia após a visita de Bonnie à mãe. A gangue rouba um carro e, no final, acaba dando carona aos donos do carro. O grupo está se divertindo quando Clyde pergunta ao homem qual a sua profissão. Agente funerário, diz ele. Bonnie ordena: "Tirem esse cara daqui". A cena, antecipada, marca o final do segundo ato e o início do terceiro ato. Dali em diante sabemos que o fim do casal está próximo e que eles serão mortos.
Uma curiosidade sobre o filme é que o seu sucesso entre a nova geração foi tão grande que a boina usada por Bonnie se tornou moda entre as garotas do final dos anos 60.

E-book sobre O Gabinete do Dr. Caligari

2010-11-27T12:14:00.001-08:00

Clique aqui para baixar o livro virtual Caligari: do cinema aos quadrinhos. O e-book analisa o filme expressionista O Gabinete do Dr. Caligari e o processo de adaptação para os quadrinhos.

Novo livro sobre roteiro de histórias em quadrinhos

2010-11-22T17:49:00.000-08:00

Para comprar, clique aqui.

Curso de jornalismo da UNIFAP terá disciplina História em quadrinhos

2010-11-22T03:23:00.001-08:00

O curso de jornalismo da Universidade Federal do Amapá – Unifap – terá uma disciplina pouco comum nos cursos de graduação: história em quadrinhos. A disciplina é optativa e será oferecida a partir do quinto semestre.
Entre outros assuntos, serão discutidos a linguagem das HQs, o mercado de quadrinhos e a relação com o jornalismo em obras como Maus, de Art Spielgman e Palestina, de Joe Sacco.
O coordenador do curso, Aldenor Benjamim lembra outro aspecto importante a ser discutido, a questão ideológica: “Os quadrinhos dentro do processo de comunicação de massa têm-se articulado como um serviço de divulgação da ideologia para manter o status quo da indústria cultural e dos bens simbólicos, sobretudo. Extrapolando sua função primeira e sendo aplicado nos campos políticos, propaganda comercial, na comunicação popular revela-se, todavia, rico na sua relação com os seus interlocutores”.
A ideia da inclusão da disciplina surgiu do professor Ivan Carlo, conhecido nos meios quadrinísticos como Gian Danton. “Há muito tempo os quadrinhos já estão nos cursos de comunicação, principalmente através de trabalhos de conclusão de curso que relacionam essa linguagem com o jornalismo, mas são poucas as instituições que colocam esse assunto na matriz. A inclusão da disciplina História em quadrinhos permite ampliar inclusive a discussão sobre o campo da comunicação”, diz.

A verossimilhança e a caracterização visual

2010-10-29T05:06:00.000-07:00

Eu já expliquei aqui que história em quadrinhos de ficção não é documentário. Ou seja: uma HQ não precisa ser realista, ela apenas precisa convencer o leitor de sua realidade. Isso passa muito pela caracterização visual dos personagens. Por exemplo, os cientistas não costumam ser carecas, os malvados não costumam ser feios. Mas um bom desenhista recorre a essa generalização para que o leitor identifique, logo de cara, a função ou a personalidade dos personagens.

Basta olhar para Ming e Flash Gordon e perceber quem é o vilão e quem é o herói.

Marcos Rey, um dos grandes roteiristas brasileiros de cinema e TV lembra a figura de Sherlock Holmes, cuja caracterização, com cachimbo, lente de aumento e sobretudo xadrez, o identifica imediatamente.

Claro que hoje as HQs hoje não trabalham tanto com clichês, mas mesmo assim, desenhistas e roteiristas utilizam objetos, roupas e até expressões ou gestos para caracterizar os personagens, já que os quadrinhos são uma mídia visual.
Nos primeiros capítulos da webcomics Exploradores do Desconhecido tínhamos um personagem que aparecia em poucos quadrinhos. Ele era um político avesso à tecnologia, que é contrário à Operação Salto Quântico e que acaba sendo convencido pelo Capitão a apoiar o projeto. No meu roteiro, coloquei que ele era alguém antiquado, temeroso de avanços tecnológicos. Na hora de ilustrar a sequência, o desenhsita Jean Okada decidiu colocá-lo de óculos. Toda a caracterização psicológica do personagem ficou explícita sem que precisassemos usar uma palavra. Bastava bater o olho e o leitor percebia que aquele político era contrário às inovações (até porque seu óculos era do tipo antigo).

Quando divulgava a série no Orkut, ainda no ano de 2008, encontrei um suposto crítico de quadrinhos que implicou com o político de óculos e com o fato dos Exploradores não usarem toquinha. De fato, nas missões na NASA os astronautas usam uma toquinha e, por conta disso, esse suposto crítico achava que também os Exploradores deveriam usar toquinha.

- Mas em Jornada nas Estrelas eles não usam toquinha. - argumentei.
- Jornada nas estrelas é uma m*... ! - respondeu ele. Em história de ficção científica, todo mundo tem que usar toquinha!
- Mas em Guerra nas Estrelas eles não usam toquinha. - retruquei.
- Jornada nas estrelas é uma m*... ! - respondeu ele. Em história de ficção científica, todo mundo tem que usar toquinha!
- Mas no filme Contato, baseado na obra do cientista Carl Sagan, eles não usam toquinha. - expliquei.
- Contato é uma m*... ! - respondeu ele. Em história de ficção científica, todo mundo tem que usar toquinha!
- Mas em Esquadrão Atari eles não usam toquinha. - lembrei.
- Esquadrão Atari é uma m*... ! - respondeu ele. Em história de ficção científica, todo mundo tem que usar toquinha!

Como o palavrão é o argumento dos que estão errados, ele saiu batendo o pezinho e prometendo que ia mostrar como se fazia:
- Vou escrever um livro em que os astronautas usam touquinha e que os políticos não usam óculos. Vai ser um sucesso porque todo mundo quer ler histórias com astronautas de toquinha!

Pois é... dizem até que ele escreveu tal livro com o astronauta de toquinha... quanto ao sucesso...
A grande lição é: história em quadrinho não é documentário. Embora os astronautas da NASA usem toquinhas durante as missões, a maioria das pessoas pensa neles sem a tal toquinha pela simples razão de que, normalmente, quando aparecem em público, estão sem toquinha.
Assim, para o leitor normal, um astronauta de toquinha é menos verossímil que um astronauta sem toquinha. E nos quadrinhos a verossilhança é mais importante do que o realismo.

Caligari: do cinema aos quadrinhos

2010-10-08T20:25:00.000-07:00

Caligari: do cinema aos quadrinhosGian Danton
Série Veredas, 19
João Pessoa: Marca de Fantasia, 2010. 44p. Ebook em pdf.
978-85-7999-016-8
Arquivo grátis (solicite cópia ao editor).

Em 1920, na Alemanha, um filme alcançou o prestígio de ser um dos mais importantes da história mundial e, sem dúvida, o mais influente do cinema alemão. Trata-se de O Gabinete do Dr. Caligari , dirigido por Robert Wiene e escrito por Hans Janowitz e Carl Mayer. Sua influência foi tão grande que cunhou-se o neologismo caligarismopara se referir ao cinema expressionista alemão.

Alguns dos méritos desse filme foram a utilização de cenários pintados representando um clima sufocante de um estranho ambiente urbano e a história repleta de flash backs , com final surpreendente. Estes elementos inovadores para a época mostraram que o cinema poderia ir muito além de uma simples diversão popular, abrindo caminho para sua ascensão à sétima arte.

Em Caligari: do cinema aos quadrinhos , o roteirista Gian Danton (Ivan Carlo Andrade de Oliveira) analisa o filme desde a elaboração do roteiro à sua influência para o cinema mundial e em especial para o cinema alemão. Aborda também questões polêmicas, como a moldura introduzida no roteiro por Fritz Lang, e os cenários pintados com a técnica expressionista, que permitiu à película mostrar uma realidade mental, absolutamente revolucionária para a época.

Em complemento ao estudo, Gian Danton apresenta a adaptação do filme para os quadrinhos, trabalho realizado em parceria com o desenhista curitibano José Aguiar. O processo criativo da adaptação também é analisado, o que transforma o livro numa peça didática, mas com a leveza de quem é um reconhecido e premiado roteirista de quadrinhos.

Caligari, do cinema os quadrinhos , é uma obra essencial tanto para os fãs de cinema quanto os de quadrinhos.

Para pedir uma cópia, escreva para: editora@marcadefantasia.com

Death Ship

2010-10-07T06:02:00.000-07:00

Abaixo um dos melhores episódios de Além da Imaginação que já assisti. Escrito por Richard Matheson (de Eu sou a lenda), a história alterna entre a ficção científica e a fantasia com um resultado perturbador. É impressionante como, usando apenas os diálogos, o roteirista consegue criar um estado de tensão permanente. Uma aula de roteiro.

Making of do Astronauta

2010-09-23T05:26:00.001-07:00

Há algum tempo o amigo JJ Marreiro me mandou algumas imagens para que usasse em uma postagem sobre os bastidores da criação de nossa história do Astronauta para o álbum MSP+50. Na correria da Bienal, acabei não fazendo o post, mas corrijo esse lapso agora.
Ao começarmos a discutir nossa história, concluimos que o ideal seria algo que remetesse aos clássicos da FC, tanto nos quadrinhos quanto na literatura pop, quanto nos seriados. Assim, nosso Astronauta deveria ser uma mistura de Perry Rhodan, Jornada nas Estrelas e Flash Gordon. Abaixo, alguns dos estudos do JJ para o visual da hístória:

O JJ começou pelas armas. Embora o visual estivesse legal, eu pedi que ele não usasse uma arma, pois ela não se encaixaria no personagem criado pelo Maurício.

O visual da nave passou por várias versões, mas acabou sendo definido como uma homenagem às naves da série alemã Perry Rhodan, do qual sou fã.

Foram feitas três versões do roteiro (chamadas de tratamento). Numa das primeiras versões, o herói chegava a um planeta que mostrava uma versão alienígena dos principais personagens da Turma da Mônica. As tiras abaixo são dessa primeira versão.

Pós-graduação em quadrinhos, cinema e publicidade irá usar e-book sobre roteiro

2010-09-20T06:02:00.000-07:00

O Centro Educacional Opet, de Curitiba, está oferecendo um curso de pós-graduação Lato Sensu em Quadrinhos, illustração, cinema e publicidade. Um dos módulos, ministrado pelo mestre Lielson Zeni, será sobre roteiro e será usado como bibliografia básica, meu e-book Como escrever uma história em quadrinhos, disponibilizado no site da Virtual Books. Para saber mais informações sobre essa pós, clique aqui.

Editora amazônica procura autores para coletâneas

2010-09-18T13:05:00.001-07:00

A editora Pop Verde está procurando autores para coletâneas cooperadas Terra da Magia (fantasia) e Visões do Futuro (ficção-científica). Ambas as antologias recebem trabalhos até 20 de dezembro e devem ser lançadas em fevereiro de 2011.

A editora surgiu com o objetivo de valorizar a cultura das regiões norte-nordeste numa perspectiva pop e, ao mesmo tempo, revelar novos talentos dessas regiões. A Pop Verde pretende misturar o velho com o novo, curupiras com ficção científica.

Terra da Magia será organizada pelo roteirista de quadrinhos e escritor Gian Danton. Gian Danton já ganhou diversos prêmios, entre eles o Ângelo Agostini de 2000 pela graphic novel Manticore. Recentemente ganhou em primeiro lugar o concurso de contos e crônicas da editora Geração. A capa da edição é de JJ Marreiro e Fernando Lima.

O texto de divulgação da coletânea diz: “Existe um mundo além de nossas percepções, Povoado por elfos, Sacis, bruxas, curupiras, mistérios... um mundo que pode estar em outra dimensão ou em um lugar afastado da terra, ou até mesmo ali, dentro daquele armário”. Esse livro pretende reunir textos ficcionais na linha de Senhor dos Anéis, Crônicas de Narnia e Harry Potter, mas com um toque regional.

Visões do Futuro será organizada por Jefferson Nunes, roteirista da revista Quadrinorte e colaborador de varias publicações da editora Escala. A capa será de Joe Bennett, desenhista da Liga da Justiça, e de Vinicius Silva e Siva, premiado estudante de design. O objetivo dessa coletânea é reunir contos de ficção científica, preferencialmente que se passem na Amazônia ou usem a sua mitologia.

Para maiores informações, é só acessar o blog da editora http://popverde.blogspot.com/ ou enviar as dúvidas para o e-mail popverde@gmail.com.

A divulgação científica nos quadrinhos

2010-08-28T11:59:00.000-07:00

Clique aqui para ler o texto A divulgação científica nos quadrinhos.

Os vingadores de 1952

2010-08-12T03:52:00.001-07:00

Roteiro Crepúsculo

2010-08-07T10:00:00.000-07:00

Neste post, além de colocar mais um exemplo de roteiro, gostaria de falar como um desenhista criativo pode valorizar um roteiro. Exemplo disso é o trabalho do Emanuel Thomaz na história que estou escrevendo para o personagem Crepúsculo, criado pelo amigo Alan Yango. A página que apresento aqui faz parte da segunda história da série e mostra o primeiro flash back do herói. Percebam que eu peço que o desenhist use algum reccurso gráfico para demonstrar que se trata de um flash back. O Emanuel, além de usar um traço em aguada, transformou os quadros em peças de quebra-cabeça, numa metáfora do processo de recordação (as lembranças seriam as peças do quebra-cabeça). O resultado valoriza muito a narrativa e não é apenas um enfeite. Para quem ficou curioso e quiser ler o restante da história, basta acessar o blog do Yango.

Página 4 - esta é uma página de flash back, portanto, eu sugiro que use algum recurso para demonstrar isso. Talvez um traço mais limpo, ou uma aguada.

Q1 – Um casal na cama. São Sandra e Augusto. Ela o beija. É um quarto simples, com livros espalhados pelo chão e CDs do Legião Urbana, banda de que Sandra gosta.

Texto: Sândalo. A pele de Sandra cheirava a sândalo. Era tão suave e inebriante quanto o som de sua voz. Eu poderia passar a noite tocando-a.

Sandra: Vamos, preguiçoso. Levante!

Q2 – Sandra está se levantando da cama e ficando em pé, enquanto Augusto começa levanta apenas o tronco, sentando na cama.

Augusto: Gostaria de poder dormir até mais tarde.

Sandra: É, mas tem um monte de pautas para fazer... e ainda tem aquela história das crianças que estão desaparecendo...

Q3 – Sandra começa a vestir a roupa, enquanto Augusto começa a se levantar.

Augusto: Nem me fale. Isso é coisa grossa. Parece magia negra. E tem gente grande envolvida.

Sandra: De tarde eu te ajudo nessa pauta, agora de manhã, preciso fazer umas fotos publicitárias...

Q4 – Os dois estão se arrumando, vestindo suas roupas.

Augusto: Foto publicitária?

Sandra: Sou freela, meu bem. Tenho que ganhar a vida. Não se vive só de ideais.

Q5 – Sandra terminou de se vestir e se despede do namorado com um beijo.

Sandra: Preciso ir. Estou atrasada. Como alguma coisa no caminho. Te cuida.

Desenhistas?

2010-07-30T06:24:00.001-07:00

Estava olhando em meus arquivos e achei vários roteiros ainda não desenhados. Alguns forma pedidos por desenhistas, que depois desistiram do projeto, outros por editoras que logo depois fecharam suas portas. Em todo caso, são quase 500 páginas de roteiros pequenos, médios e longos, nos mais variados gêneros, do humor ao terror. Agora resolvi disponibilizar esses roteiros para outros desenhistas. Quem estiver interessado, é só deixar um comentário.

Sobre o final de Lost

2010-07-21T07:03:00.000-07:00

Anteção: o texto abaixo contém Spoillers sobre a série Lost. Se você não assistiu à última temporada e não gosta de saber o que vai acontecer no seriado, não leia esse texto.

Finalmente assisti a última temporada de Lost. Há toda uma discussão a respeito do final trazer uma explicação religiosa e não científica que acho irrelevante. Ficção não é realidade, basta a verossimilhança. Então, tanto explicações religiosas quanto míticas são válidas.
Do ponto de vista das explicações míticas, há uma abordagem possível, que não foi explorada pela série: a de que tudo que aconteceu era um jogo entre dois irmãos. Há um precedente interessante: na mitologia hindu, a realidade muitas vezes é vista como um espetáculo para divertir Krishna.
O meu final de Lost seria exatamente assim: tudo é um jogo entre duas forças que usam os humanos como peças de um tabuleiro, algo como a história de Jó. Infelizmente essa premissa foi abandonada na última temporada na medida em que a trama se desenvolveu no sentido da busca de um substituto para Jacob.

O final que de fato foi ao ar peca por deixar inúmeras pontas soltas. Vejam bem, não é necessário explicar tudo. Muitas vezes um final em aberto pode ser ótimo. O final do livro Cemitério, de Stephen King, é aberto e é muito bom. Mas não se pode encerrar uma trama sem resolver possíveis incoerências.
Por exemplo, no final da quinta temporada, os sobreviventes tentam mudar o passado explodindo uma bomba nuclear. A personagem Juliet deixa uma mensagem mediúnica dizendo que "Funcionou", o que nos leva a crer que a realidade alternativa que vemos na história foi criada pela explosão da bomba. Depois descobrimos que aquilo não é uma realidade alternativa, mas um mundo espiritual. Esse aspecto não é esclarecido e fica apenas como uma pista falsa, um recurso narrativo para enganar o expectador, e apenas isso.
Outro problema: quando Desmond começa a despertar os outros, a esposa de Wildmore insiste para que ele pare com isso. Se o local onde eles estão é uma espécie de passo intermediário antes de chegar à luz, porque esse pedido. A mulher seria um representante do mal? Na verdade, ela é apenas uma figura narrativa a serviço do alongamento da história.

Aliás, há muitas figuras com função puramente narrativa. Wildmore é um exemplo. No final, ele parece apenas um boneco do destino e morre de forma patética. Se fosse adotada a proposta narrativa de uma realidade-jogo, isso faria sentido. Ele seria apenas um peão nas mãos de forças muito poderosas. Como se deu o final, ele é apenas um peão na mão das poderosas forças dos roteiristas.
Por exigência do roteiro e de suas reviravoltas, outros personagens agem como peões, mudando de lado, de personalidade e até de motivação. Sayid é o melhor exemplo. Na última temporada ele abandona o temperamento passional que sempre teve e se torna simplesmente um zumbi. Depois torna-se quase um mocinho. Benjamim Linus igualmente muda muito, embora no caso dele se mantenha a motivação de salvar a ilha e ser dono dela.
No final, o ponto mais fraco da última temporada é a realidade paralela, que não se sustenta, já que não funciona como purgatório, como muitos têm especulado. Segundo a religião católica, o purgatório é um local onde as pessoas pagam por seus pecados antes de ir para o céu. No seriado, para alguns ela é um local de felicidade, para outros um local para cometer novos crimes, para outros um local para se redimir.
A realidade alternativa é, assim, apenas um artifício narrativo que permitiu aos roteiristas unir todos os personagens num final emotivo. É apenas uma muleta narrativa.

Ciência e quadrinhos na IV Semana Universitária da UEAP

2010-05-26T04:44:00.000-07:00

Hoje, às 10 horas, estarei no CAFÉ COM CIÊNCIAS, evento da IV Semana Universitária da UEAP, falando sobre ciência e quadrinhos. O local será o hall de entrada do Campus I.

Escrevendo sátiras para a MAD

2010-05-07T04:59:00.000-07:00

Quando fui convidado pelo Raphael Fernandes para a escrever uma sátira do BBB 9, o que seria minha estreia na MAD, confesso que tremi na base. A MAD tem um tipo muito característíco de humor. Anarquico, claro, mas que também obedece algumas regrinhas simples, que ajudam a cosia a ficar mais engraçada. Na época, fui para minha coleção e reli dezenas de sátiras tentando compreender o estilo. De lá para cá, já escrevi vários textos para a publicação. Não posso dizer que já sou um roteirista especialista em MAD, mas acho que posso compartilhar algumas das coisas que aprendi escrevendo e, principalmente lendo a MAD:

1) Geralmente as sátiras iniciam com um painel grande, de apresentação. Pode ser apenas um quadro grande, uma página inteira, ou uma página dupla, como foi a minha sátira do BBB. A função dessa página é mostrar quem são os personagens e contar rapidamente a história que está sendo satirizada, o que abre caminho para que mesmo quem não conheça a obra original possa dar algumas gargalhadas. Nesse painel é muito aconselhado fazer piadas visuais de fundo, como os BBBs dentro de uma bolha com uma placa: não dê comida aos animais.

2) Cada quadro deve conter uma piada. Como geralmente as sátiras ocupam poucas páginas, a maioria dos roteiristas não desperdiça quadro: todos precisam ter algo engraçado.

3) Diálogo bate-volta. Uma técnica muito usada pelos roteiristas é colocar um diálogo em três ou quatro momentos. Normalmente há uma piada no meio, mas o mais engraçado fica para o final. Eu usei esse recurso na minha sátira do filme Crepúsculo (que foi renomeada Prepúcio):

Q2 – Mella está apresentando Fedward ao seu pai. Chále Swando está com um rifle nas mãos, granadas pelo corpo. Em suma, ele está preparado para ir à guerra.

Mella: Pai, vou sair hoje com Fédward.

Chále: Ótimo. Mas afaste-se dele quando eu começar a atirar...

Mella: Pai, o senhor disse que ia ser simpático!

Chále: E estou sendo... uso o rifle ou a bazuca?

4) Duplo sentido. Esses diálogos bate-volta geralmente brincam muito com o duplo sentido. O verdadeiro sentido a primeira fala do personagem só é revelada na tréplica dele. Mais uma vez, uma sequência da sátira do Crepúsculo:

Fédward e Mella estão na cena do quarto, do quase sexo. Penso que ele está se aproximando dela e ela está lá, esperando um beijo. Ele usa uma camisa com os dizeres EU RESISTO e ela com a camisa EU DESISTO.

Fédward: Tenho muita vontade de fazer uma coisa com você... mas preciso resistir!

Mella: Você está pensando em... sexo?

Fédward: Quem falou em sexo? Eu estava pensando em fazer compras no shoping!

5) Non-sense. A graça do diálogo muitas vezes está em não fazer sentido, como na sátira de O Iluminado, escrita por Larry Siegel e desenhada por Angelo Torres (publicado no Brasil na MAD especial 3, Panini). Jeca Porrance está dirigindo na direção ao hotel quando o filho começa a falar com o dedo:

Jeca: Doenty, tô um pouco preocupado com esse garoto! Ele sempre teve essas conversas idiotas com o dedo indicador?
Doenty: Nem sempre! Só desde ontem, quando ele brigou com o mindinho!
Jeca: Ufa! Jà tava ficando preocupado!

Força tarefa e a estrutura Rashomon

2010-05-07T04:25:00.000-07:00

O episódio de ontem (Jogo de roleta) do seriado policial Força Tarefa usou uma curiosa estrutura de roteiro, pouco vista na televisão brasileira. Inaugurada pelo filme Rashomon, de Akira Kurossawa, essa estrutura narrativa consiste em mostrar a mesma história de diversos pontos de vista. Essa estrutura já foi usada, por exemplo, em uma revista do Monstro do Pântano escrita pelo Alan Moore.
Em Jogo de roleta, os agentes da Corregedoria vão investigar uma suposta morte de um policial ocorrida em um jogo de roleta russa. Conforme os depoimentos são dados, a história da roleta cai por terra e os outros policiais passam a ser os suspeitos. Tentar descobrir quem é o assassino no meio da complicada rede de mentiras torna-se um desafio interessante.

Roteiro de Alice (publicado na MAD 25)

2010-04-22T07:18:00.001-07:00

Texto de abertura: Se você achava que Tim Burton tinha esculhambado com Alice no país das Maravilhas é porque ainda não viu o nosso...

ALICE NO PAÍS DAS ARMADILHAS

Roteiro de Gian Danton

Arte de Roger Cruz

Página 1

Atenção: Essa história é no estilo do Príncipe Valente, ou das histórias infantis clássicas, com desenhos em cima e texto embaixo. Minha sugestão é fazer no estilo antigo dos desenhos de Alice, mas com os personagens modernizados de acordo com a versão Tim Burton.

Q1 – Alice sendo tragada por um bueiro, no meio de uma enxurrada.

Alice: O prefeito disse que nunca mais ia ter enchente!

Texto: Alice era uma menina com muita imaginação. Um dia ela foi tragada por um bueiro e foi para outro mundo.
Q2 – Vemos um coelho pasando com Alice. O coelho tem a cara do Arruda e leva na cesta panetones.
Texto: Quando deu por si, estava em um local muito diferente de tudo que Alice conhecia. Ela viu um coelho muito estranho a correr.
Q3 – Alice conversando com o coelho.
- Espere, senhor coelho! Por que está distribuindo panetones? Não deveriam ser ovos de páscoa? – perguntou Alice.
- Não são panetones, são só uma desculpa para o dinheiro das propinas! Quer comer um?
Q4 – Alice come um panetone enquanto o coelho-arruda faz sinal de que quer dinheiro.
Alice comeu o panetone, mas nada aconteceu.
- Pensei que fosse crescer. – disse Alice.
- A minha conta bancária cresceu. – respondeu o Coelho. Agora passe para cá 500 reais.
Q5 – Alice está pegando o dinheiro da carteira.
Alice: Nossa, é um panetone muito caro. – argumentou Alice.
Coelho: Se você comer outro, sua poupança diminui.
Q6 – O coelho pegou a carteira e está fugindo, com Alice atrás dele.
Antes que Alice pudesse pagar, o coelho saiu correndo.
- Volte aqui, esse é o meu dinheiro. – gritou Alice, mas parece que o coelho não ouvia muito bem, pois continuou correndo.
- Não posso ficar, a polícia federal está vindo aí!

Suspensão de descrença

2010-03-02T18:15:00.000-08:00

Em uma história em quadrinhos, tudo é possível. Tudo mesmo. O Super-homem pode voar, ter visão de raio-x, o Hulk pode sacudir o asfalto, como se fosse um tapete, o Homem-aranha pode escalar paredes... isso para ficarmos apenas nas histórias de super-heróis. Se formos ampliar para gêneros como a ficção-científica, teremos viagens espaciais em poucos segundos, alienígenas que falam inglês... os exemplos são muitos.
A verdade é que o leitor pode acreditar em qualquer coisa que o roteirista escrever, mas para isso é necessário criar um pacto de verossimilhança, é necessário convencê-lo a acreditar e a entrar com sócio dessa história que contamos e que se passa todinha dentro da mente dele.

Há muitas maneiras de estabelecer esse pacto e convencer o leitor sobre a verossimilhança da história, por mais impossível que ela possa parecer.

Os criadores do Super-homem adotaram uma visão rasa da ciência ao argumentar que, se uma formiga podia carregar várias vezes o seu peso, uma pessoa também poderia fazê-lo se viesse de outro planeta. A primeira página, da primeira história do personagem fala justamente disso. Os leitores engoliram a pílula e acreditaram que, sim, aquele homem com cuecas sobre as calças e usando uma capa vermelha podia ter super-força e dar saltos enormes. Daí para acreditarem que ele voava foi um passo. Daí para acreditarem que ele tinha visão de raio-x foi fácil. Depois que o leitor engole a pílula, ele entra na história e aceita todas as regras ditadas pelo roteirista, desde que este não seja incompetente a ponto de entrar em contradição. Se, de uma hora para outra, o Super-homem se tornasse incapaz de voar sem nenhuma explicação plausível, o encanto se quebraria e o leitor deixaria de acreditar.

Existem outras formas de criar esse pacto de verossimilhança.
Uma delas é colocar na trama um personagem que não acredita na parte fantástica da história. Mas é um personagem louco, sem noção ou simplesmente chato. Ao antipatizar com ele ou ver que ele tem uma visão equivocada da realidade, o leitor, por tabela, acredita em tudo aquilo que ele está dizendo que é impossível.

Em um episódio do seriado Além da Imaginação chamado O Marciano, policiais entram em uma lanchonete de beira de estrada procurando o ocupante de uma nave extraterrestre que desceu nas redondezas. Há ganchos que ajudam o receptor a acreditar que o fantástico é real, como o fato de todas as pessoas na lanchonete serem de um ônibus, e, segundo a contagem do motorista há uma pessoa a mais. Mas o que faz realmente as pessoas acreditarem é um chato meio maluco que o tempo todo ridiculariza a busca dos policiais. Ele é tão irritante que não há como não discordar dele. Portanto, logo acreditamos que uma das pessoas ali é, de fato, um marciano. A propósito, que assistir ao episódio (disponível em: http://www.youtube.com/watch?v=b3Bk_HuMOEM) perceberá os vários ganchos que serão amarrados no final da história. Apesar de surpreendente, o final é perfeitamente perceptível para quem prestar atenção a detalhes como olhares dos personagens, etc.

Uma outra forma de criar essa ilusão de realidade é colocar um protagonista com o qual a pessoa se identifique e é que é descrente, mas que vai acreditando aos poucos. Como o leitor tende a se identificar com o protagonista, se ele começar a acreditar, o leitor também acreditará.

No filme 1408, de Mikael Hafström, baseado em um conto de Stephen King, um escritor vive de visitar locais assombrados e escrever sobre suas experiências. Ele nunca viu um local realmente assombrado, assim ele não acredita quando o gerente do hotel lhe diz que coisas realmente terríveis acontecem no quarto 1408. Assim como ele, nós também não acreditamos. Mas quando pequenas coisas inexplicáveis começam a acontecer, o ceticismo dele passa a ser abalado. Quando ele entra em desespero, ao perceber que está de fato em um quarto assombrado, nós entramos em desespero com ele. Afinal, nesse ponto nós já compramos a história e acreditaremos em tudo que vemos.
Eu usei um recurso desse tipo na graphic Manticore. O detetive, protagonista da primeira parte, é um homem que diz não acreditar em papai Noel ou coelhinhos da páscoa. Portanto, ele não acredita que uma criatura extraterrestre está andando solta por aí. Com o tempo, ele começa a ter provas em contrário e passa realmente a acreditar. E o leitor junto com ele.

O roteiro de Avatar

2010-02-18T14:07:00.000-08:00

O blog Roteiro de Cinema News publicou o link para o roteiro do filme Avatar. Para ler, clique aqui.

Aula de roteiro

2010-02-13T03:20:00.000-08:00

Clique aqui para ler uma ótima análise do roteiro da Liga da Justiça do Grant Morrison, por Emílio Baracal.

2010-02-12T15:59:00.000-08:00

Segundo o site Tweeps Info eu sou a segunda principal referência quando o assunto é roteiro para audio-visual no Twitter. A primeira referência é o Fernando Marés, do site Roteiro de Cinema. Para seguir o Fernando, clique aqui. Para me seguir, clique aqui.

DC Comics pretende publicar novas HQs de Watchmen

2010-02-05T13:31:00.000-08:00

Por Sérgio Codespoti

Segundo Rich Johnston, do site Bleeding Cool, a DC Comics pretende publicar algumas novas aventuras de Watchmen, o clássico de Alan Moore e Dave Gibbons.
A ideia de lançar uma continuação de Watchmen não é nova.

Entre 1986 e 1987, época em que a revista foi publicada, o próprio Alan Moore sugeriu a possibilidade de uma série de 12 partes escrita por ele e ilustrada por Gibbons, sobre os Minutemen (o grupo de heróis da década de 1940 que é visto em Watchmen).

A DC sugeriu outras possibilidades, como O Diário de Rorschach, uma revista com a parceria entre Rorschach e o Coruja, ou até uma série com o Comediante na Guerra do Vietnã (ideia inspirada, na época, pelo sucesso da revista The 'Nam, da Marvel).

Mas nada disso foi pra frente, e Moore sempre refutou veementemente a possibilidade de algum outro artista ou escritor trabalhar com os personagens. Aliás, todas as tentativas de se publicar uma sequência de Watchmen ou algum outro tipo de série derivada (as chamadas prequels ou spin-offs) sempre foram barradas por Paul Levitz, o presidente da DC Comics.

Levitz, apesar das divergências - algumas delas graves - com Alan Moore, sempre entendeu que Watchmen é um trabalho autoral do roteirista britânico e de Gibbons, e defendeu essa postura até deixar o cargo de presidente da editora.
Segundo Levitz, uma sequência de Watchmen iria contra os desejos de Moore e Gibbons e causaria um grande mal-estar entre artistas, escritores e os fãs. No entanto, esta não é a visão de Dan Didio.
O grande motor por trás disso é o filme Watchmen, que ajudou a gerar uma venda enorme dos encadernados da minissérie, que se tornou a campeã da editora neste nicho.
Leia mais no Univeso HQ.

Dúvida: qual vai ser o roteirista que vai aceitar essa tarefa inglória e correr o risco de se indispor com os fãs da série?

Oficina gratuita de roteiro com Gian Danton, em Macapá

2010-01-30T11:40:00.000-08:00

O Projeto Teia Cultural abre, a partir de hoje (26.01), inscrições para três cursos ligados a área do audiovisual: Roteiro, Direção e Iluminação. Todos os cursos terão carga horária de 80h/a comprovadas com a emissão de certificados pela Secretaria de Estado de Cultura aos alunos que atingirem a carga horária mínima exigida pela coordenação pedagógica dos cursos.

O curso de roteiro será ministrado por Gian Danton, roteirista da MAD, da graphic novel Manticore, da HQ Família Titã, entre outros trabalhos. As aulas começam dia 8 de fevereiro e vão até final de abril, no horário de 9 às 12 horas.
Os interessados podem se inscrever gratuitamente na recepção do Teatro das Bacabeiras de 8 às 12 e de 14 às 18 horas no período de 26 de janeiro a 5 de fevereiro.

O verdadeiro final da Caverna do Dragão

2010-01-30T04:52:00.000-08:00

Todo mundo já ouviu falar do final da Caverna do Dragão segundo o qual os protagonistas morreram e estão no inferno. Ela foi criada por um fã e se tornou tão famosa que o verdadeiro roteirista resolveu disponibilzar o roteiro real, que pode ser lido no blog Roteiro de Cinema News, do Fernando Marés. Para ler, clique aqui.

Cavaleiro das trevas 2 : A obra prima que (quase) ninguém quis entender.

2010-01-23T11:02:00.000-08:00

Jefferson Nunes

E um fato comprovado: A grande maioria dos fãs de quadrinhos são fundamentalistas.
A afirmação acima pode parecer chocante mas reflete a realidade. Quando um dos maiores iconoclastas dos quadrinhos Frank Miller decidiu tirar sarro da industria que o fez famoso e rico ,os fanboys (apelido dado aos fãs radicais de quadrinhos) não gostaram nem um pouco e não quiseram entender todo o sarcasmo contido nas paginas de Cavaleiro das Trevas 2.
Durante 15 anos, desde o lançamento de o cavaleiro das trevas, que a DC Comics e os milhões de fãs imploravam para que Miller fizesse uma continuação de sua obra prima. Finalmente em 2001 ele resolveu lançar a tão aguardada parte dois do Cavaleiro.
A estória se passa Três anos depois da morte aparente do Batman, em Cavaleiro das Trevas, os Estados Unidos são governados pelo presidente Rickard, que não passa de um fantoche digital do vilão Lex Luthor. E a America, antes a terra da liberdade, agora é um estado fascista.
Os antigos super-heróis estão fora da ativa e acompanham o desenrolar dos fatos de forma distante. Mas... até quando? A trupe liderada pela Catgirl e os batboys resgatam dos seus diferentes cativeiros duas lendas do passado: Átomo e Flash.
Esse ressurgimento de aventureiros mascarados desperta velhas rixas, obrigando o Super-Homem a se reunir com seus companheiros, Capitão Marvel e Mulher-Maravilha, o que resultará numa intervenção direta nos planos do único responsável possível: Batman.
O Super-Homem está sendo chantageado por Lex Luthor e Brainiac, que mantêm a cidade engarrafada de Kandor (o último resquício de Krypton) sob seu domínio, obrigando o maior herói de todos os tempos a obedecer às suas ordens.
Mas para chegar ao Homem-Morcego, o enfurecido Homem de Aço terá que passar antes por velhos aliados a Liga da Justiça: Flash, Átomo e Arqueiro Verde.

Miller aproveitou sua estória para atacar de forma direta a indústria das HQs brincando com todos os clichês possíveis dos comics americanos , diferente do clima pesado do original vemos super heróis coloridos pulando de um lado para o outro numa clara afronta ao estilo sombrio de comics que o mesmo Miller ajudou a criar. A influencia dos mangás, que sempre permeou sua obra, fica totalmente explicito no designer dos personagens, antecipando a invasão dos quadrinhos japoneses que chegaria ao ocidente nos próximos anos.
Miller exagera todos os maneirismos de heróis e vilões de forma proposital para mostrar quão ridícula tinha se tornado a industria de quadrinhos de super heróis. O que a maioria dos fãs não quis entender é que Frank Miller criou a estória para ser lida como se fosse uma versão da revista Mad , com seu nonsense frenético, dos ícones da DC comics e o cavaleiro das trevas 2 entrou pro seleto time de obras primas que só serão realmente entendidas com o passar dos anos e tem sua importância reavaliada por uma geração futura.
A maioria dos fanboys simplesmente não quis entender pois para eles quadrinhos não são uma forma de entretenimento mas uma religião e como toda boa religião tem seus Dogmas intocáveis.
Azar deles.

Entrevista com Júlio Emílio Braz

2010-01-20T13:14:00.000-08:00

Júlio Emílio Braz é um dos mais famosos roteiristas de quadrinhos de Brasil. Também é autor de livros juvenis de grande sucesso, tendo ganhado inclusive o prêmio Jabuti. Ele cedeu um espaço em sua agenda para falar um pouco sobre sua experiência como roteirista.

1) Como começou a se interessar por quadrinhos?

Praticamente desde que eu aprendi a ler, pois os quadrinhos foram a minha cartilha. Eu aprendi a ler lendo quadrinhos.

2) Quais eram os autores de quadrinhos que você mais gostava?

Inicialmente, Goscinny e posteriormente, os roteiristas da revista Kripta. Atualmente, eu aprecio os roteiros de Otomo e os de Berardi e Milazzo.

3) Como começou a trabalhar com quadrinhos?

Eu fiquei desempregado e um amigo me indicou à Editora Vecchi que estava procurando roteiristas para suas revistas de quadrinhos de terrror. Lá, o editor Ota Barros me deu a minha primeira oportunidade.

4) Passou por quais editoras?

Vecchi, Grafipar, D'Arte, Riográfica, entre outras.

5) Como era a relação com os desenhistas?

No início, eu nem os conhecia pessoalmente. Somente quando comecei a trabalhar para as editoras paulistas é que tive um contato maior e pessoal com alguns deles. No entanto, muitos até hoje eu não os conheço como Zenival Ferraz.

6) Como era a relação com os editores?

Tranquila, apesar de alguns não terem o salutar hábito de pagar com regularidade.Mas, muitos eram pessoas excelentes, tais como: Rodolfo Zalla, Franco de Rosa e Ota Barros.

7) Na sua opinião, os roteiristas eram valorizados?
Sempre foram, até por que eram poucos.

8) Qual o seu melhor trabalho em quadrinhos? Por quê?

A série Tambatajá, feita em parceria com Mozart Couto e publicada na Bélgica. A razão principal era que os textos exigiam um roteiro mais elaborado e bem pesquisado.

9) Continua lendo quadrinhos? Pode citar obras e autores que ainda curte?
Com certeza, principalmente os trabalhos de Neil Gaiman.

10) Existe um discurso de que o Brasil não tem bons roteiristas. Você provou o contrário, indo para a literatura infantil e se tornando um sucesso de público e de crítica. Por que parece que o Brasil não tem bons roteiristas?
Porque no Brasil infelizmente existe ainda uma crença de que uma boa história é feita basicamente de um bom desenho. Portanto, muitos desenhistas acreditam que conseguem ilustrar e escrever bons roteiros. Alguns até conseguem, mas a maioria não. Outro ponto é que o roteirista é remunerado de maneira bem inferior ao que recebe o desenhista, o que afugenta aqueles que poderiam se interessar em fazer roteiros de quadrinhos. Com toda sinceridade, hoje eu ganho muito mais como autor infanto-juvenil do que ganhava como roteirista.

11) Quais são as qualidades necessárias para um bom roteirista?
Um bom roteirista tem que ser um grande leitor e não necessariamente só de quadrinhos, tem que sempre que possível, dialogar com o desenhista e acima de tudo saber o que pode e o que não pode exigir deste ou daquele desenhista com o seu roteiro. Exemplo: alguns desenhistas não gostam de roteiros que demandem grande pesquisa iconográfica ou histórica.

Conheça o site do Júlio Emílio Braz.

Gerry Conway

2010-01-16T06:58:00.000-08:00

Gerry Conway, nascido em 1952, começou a escrever quadrinhos ainda na juventude com histórias para revistas de histórias curtas da DC Comics, como a House of Secrets, mas seu grande sonho era trabalhar com um título de super-heróis. Graças a um amigo, ele conheceu Roy Thomas, editor da Marvel, lhe entregou um argumento e pediu que ele desenvolvesse. Roy gostou do resultado e, com 19 anos, Conway foi efetivado no cargo de roteirista oficial do Homem-aranha.

Apesar de inseguro no início (as primeiras histórias eram co-escritas com o desenhista do título, John Romita Senior), Conway logo se destacou e acabou escrevendo algumas das mais importantes histórias do aracnídeo na década de 1970, entre elas a controversa morte de Gwen Stacy. Conway foi também, junto com o desenhista Ross Andru, responsável pela criação do Justiceiro, que surgiria como personagem secundário na série do Aranha, mas se tornaria um dos mais populares heróis da Marvel na década de 1980.

Em meados da década de 1970, ele foi contratado pela DC, onde faria o primeiro crossover entre as duas maiores editoras do mercado norte-americano: o encontro de Superman e homem-aranha.

Entre os seus trabalhos mais cultuados pelos fãs está o Esquadrão Atari, publicado em meados da década de 1980, com desenhos de José Luis Garcia Lopes. A dupla voltou a se reunir na minissérie Cinder e Ash, com grande sucesso.

A volta da Creepy

2010-01-11T03:14:00.000-08:00

A editora Devir vai relançar o material produzido para a revista Creepy, da editora Warren, que, nas décadas de 1960 e 1970, revolucionou o terror com ótimos roteiros e alguns dos melhores desenhistas da época. No Brasil, essas histórias foram publicadas na revista Kripta (ed. RGE) e deliciaram toda uma geração, inclusive eu. Leia mais sobre o assunto aqui.

GARDNER FOX – O Homem de Prata

2009-12-24T03:38:00.000-08:00

Injustamente esquecido nas listas de “melhores roteiristas de Hqs de todos os tempos”, Gardner Fox criou universos, terras paralelas, heróis impossíveis e influenciou gente como Stan Lee, Alan Moore e Neil Gaiman. Ccom vocês o rei da era de prata.

Por Jefferson Nunes

Gardner Francis Gordon nasceu em 20 de maio de 1911, no Brooklin Ny. Passou sua infância mergulhado nos pulps, formou-se em direito pela Universidade de St. John e exerceu o cargo de advogado por dois anos. Mas sua paixão pelos pulps falaria mais alto....
Nos anos 30, começou a escrever para os pulps que povoavam sua infância. Um de seus primeiros trabalhos era uma espécie de pulp quadrinhizado chamado de Crom, o Bárbaro, com a estória Deus Aranha de Akka. Nessa época , Fox assinava com o nome de Joe Giunta e era fã dos pulps escritos por Robert E. Howard , criador do bárbaro Conan . Os dois dividiam histórias na revista pulp Weird Tales na qual, em 1934, Gardner Fox também publicou o conto The Weirds of The Woodcarver .
Seu primeiro contato com o mundo dos quadrinhos aconteceu em 1935, quando conheceu Vincent Sullivan, então editor-chefe da National Periodicals, onde dois anos depois escreveria estórias do personagem Steve Malone.
Em 1939, Gardner Fox chegou a ajudar Bob Kane , o criador do Batman, a escrever algumas histórias do herói, dividindo o roteiro com Bill Finger (reza a lenda que muitos dos roteiros creditados a Finger eram, na verdade, escritos de Fox). Foram suas, por exemplos, as criações do famoso bat-rangue e do batplano.
Mas em 1940 Fox passou de mero coadjuvante para a categoria dos grandes dos quadrinhos quando criou o primeiro Flash (conhecido no Brasil como Joel Ciclone ), para a revista Flash Comics. Nesse mesmo titulo, lançou outras criações suas, como o primeiro Gavião Negro (Hawkman ), com o desenhista Dennis Nevill, e o piloto Cliff Cornwall juntamente com o desenhista Sheldon Moldoff.
Para a revista More Fun Comics, número 55, criou o personagem místico Senhor Destino (Doctor Fate ) inspirado nos contos sombrios de H. P. Lovecraft, um tipo de super herói que seria imitado à exaustão nos próximos anos.
Para o número 16 da revista All American Comics , criou o primeiro Lanterna Verde , sob a identidade secreta de Alan Scott, dando continuidade as suas influencias Lovecraftianas. E, juntamente com Craig Flessel, criou o primeiro super herói a ser chamado de Sandman, baseando-se em um antigo personagem de pulp chamado Gray Seal .
Um dia o editor Sheldon Mayer teve a idéia de reunir oito personagens da National em uma única revista e pela primeira vez atuariam juntos em uma única estória. Quatro desses personagens eram de Fox ( Flash , Gavião Negro , Senhor Destino e o primeiro Sandman ), assim ninguém mais qualificado que ele para escrever tal estoria. Surgiu então a Sociedade da Justiça da América , o primeiro super grupo da história dos quadrinhos, lançado no terceiro número da revista All Star Comics.
Durante sua carreira, Fox dividiu seu tempo entre suas HQs e seus estimados pulps. Nos quadrinhos, criou muitas histórias com o Gavião Negro , Sandman , Espectro , Senhor Destino e muitos outros personagens da National. Mas um fator seria primordial para que Fox se tornasse uma referencia: A Segunda Guerra Mundial.
Com a convocação de vários quadrinhistas para a lutar na guerra, Fox teve de assumir a escrita de vários títulos de varias editoras diferentes pois foi impedido de ser convocado por apresentar problemas de saúde.
Para a editora Columbia criou os personagens Skyman e The Face. Trabalhou também em diversos títulos da EC Comics e na Magazine Enterprises, na qual roterizou histórias que contavam com a arte de uma futura lenda dos quadrinhos: Frank Frazetta .
Mesmo com o fim da guerra Fox continuou a acumular essa imensa quantidade de trabalho, escrevendo títulos como Strange Adventures, Tales of the Unexpected e Mystery in Space .
No final dos anos 50 os super heróis começaram a ser esquecidos. Com o final da guerra ninguém precisava mais de heróis uniformizados foi ai Gardner Fox, juntamente com Julius Schwartz , então editor da National (que viria a se tornar a editora DC Comics ), começaram a dar origem à chamada a Era de Prata dos quadrinhos.
Surgiram então novas versões de personagens, como o Flash , que agora era o policial Barry Allen (e não Jay Garrick como anteriormente), o novo Lanterna Verde ( Hal Jordan ) um patrulheiro cósmico a serviço dos guardiões do universo, entre outros personagens. Uma solução curiosa foi empregada para explicar o repentino sumiço dos ícones do passado : Os heróis da Era de Ouro tornaram- se meros personagens de histórias em quadrinhos... que eram lidas pelos personagens da Era de Prata.
No começo dos anos 60, criou para a revista Mystery in Space aquele que era o seu personagem preferido (talvez por se parecer tanto com os pulps de ficção científica e aventura): Adam Strange , um arqueologista que era teleportado para um planeta distante e ajudava em missões como impedir invasões alienígenas.
Em fevereiro de 1960, no número 28 da revista The Brave and The Bold reuniu o principais personagens da DC em uma única história e, assim, nasceu a Liga da Justiça da América . A equipe era formada por três personagens reformulados (o novo Lanterna Verde , o novo Flash e Ajax ) além de quatro personagens clássicos (mesmo que da chamada Terra 1 ou Ativa: Mulher Maravilha , Aquaman , Superman e Batman ).
Em setembro de 1961, na número 123 da revista Flash, mais especificamente na história Flash de Dois Mundos , como o próprio título diz, os dois personagens se encontram, criando-se o conceito de uma Terra Paralela , uma dimensão onde existem versões dos personagens de cada mundo, bem como rumos diferentes que a história tomou.
No mês seguinte, no número 34 da revista Showcase , surge Ray Palmer o novo Atom (conhecido no Brasil como Elektron ), o diminuto herói que ingressaria na Liga da Justiça no ano seguinte. O personagem teria uma parceria com outro personagem reformulado na mesma época: Katar Hol , o novo Gavião Negro. Todos esse conceitos são utilizados a exaustão ate hoje tanto pela DC (vide suas intermináveis crises) quanto pela Marvel e seus inúmeros super grupos.
Mesmo produzindo tantos clássicos, sua antiga paixão, os pulps, não fora deixada de lado. Em 1964 publicou a série Llard com a saga Warriors of Llarn, que foi parcialmente quadrinizada por Roy Thomas no futuro, e com Thief of Llarn (de 1966). E o mais incrível é que, apesar de ser um conceituado nome da indústria, era humilde o bastante para publicar tais histórias em um fanzine: o Star-Studded Comics. Aliás, a amizade com Roy Thomas (um dos principais escritores da Marvel Comics no futuro, destacando-se seus roteiros para as aventuras do bárbaro Conan) surgiu justamente da amizade entre o escritor e os fanzines da época. É que Thomas, juntamente com Jerry Bails , editava o zine Alter Ego , que recebia colaborações valorosas (vale citar que esse fanzine, ao contrário do que se imagina, trazia uma qualidade gráfica acima de muitas revistas ditas profissionais).
Em 1968 a carreira de Fox entrou em declinio. Uma mudança de acionistas na Dc comics fez com que Gardner fosse despedido, pois os novos acionistas achavam que ele poderia usar de sua posição de um dos fundadores do univeros DC para atrapalhar a nova administração.
Seus últimos trabalhos para a editora foram o Cavaleiro Atômico e o Lanterna Verde Guy Gardner (entre outros de menor expressão).
Desde então, Gardner Fox não conseguiu mais ter sucesso . Chegou a publicar na Marvel. Suas estorias apareceram em revistas de terror e ficção (sua verdadeira paixao) como Tomb of Dracula , Chamber of Chills , Vampire Tales , Creatures on The Loose , Dracula Lives! e Doc Savage .
Escreveu para a revista do Doutor Estranho e na revista Marvel Premiere criou um super herói indígena com ares de personagem místico, Lobo Vermelho (Red Wolf), sua única chance de se emplacar uma revista de linha, mas isso não aconteceu.
Só não se aposentou por definitivo devido ao mundo dos pulps e dos fanzines. Em 1969 publicou pulps com um personagem claramente inspirado em Conan , chamado Kothar , nas histórias Magic Sword e Kothar and the Demon Queen. Em 1970, escreveu Kothar and the Conjuror's Curse (que foi adaptada para os quadrinhos de Conan , publicados pela Marvel ) e Kothar and the Wizard Slayer . Em 1975 publica Warlock Warrior e Kyrick Fights The Demon World ( Kyrick era uma espécie de Kothar - ou Conan - mais obscuro). Em 1976, continuando com os pulps, publica Kyrick and the Wizard's Sword e Kyrick and the Lost Queen.
Gardner Fox faleceu em 24 de dezembro de 1986. Sua história e incrível não só por sua valiosa contribuição aos grandes mitos criados no mundo dos quadrinhos. É nótavel também por sua energia em produzir, mesmo diante de tão infeliz final. Nunca se deixou abater e honrou aquilo que sempre gostou de fazer. Tinha como lema: um comic por semana, quatro ou cinco livros por ano. E até ultrapassava essa louvável marca. Mesmo tendo seu nome estampado em tantas obras, ainda é possível ver outros nomes que assinou, tamanho era o volume de histórias que escreveu. Jefferson Cooper , Bart Sommers, Paul Dean , Ray Garner , Lynette Cooper ... todos eram, na verdade, Gardner Fox . Pseudônimos de um escritor que produziu o suficiente para ocupar milhares de terras paralelas.

Archie Goodwin

2009-12-02T04:41:00.000-08:00

Archie Goodwin é um daqueles mestres dos quadrinhos que aos poucos vem sendo esquecido. Apesar do seu excelente trabalho como editor e escritor, sua produção mais famosa se concentrou entre a década de 60 e 70 e, infelizmente, não é tão lembrada quando a de outros quadrinhistas.
Archie Goodwin nasceu em 8 de setembro de 1937 na cidade do Kansas, Missouri. Contudo sua família se mudava muito, então passou sua infância em várias cidades. Quando ele chegou ao segundo grau, finalmente sua família tinha se estabilizado em Tulsa, Oklahoma, onde pôde freqüentar o Will Rogers High School. Lá ele ficaria amigo de Paul Davis e Russell Myers, com quem, anos mais tarde, criaria a tira de humor Broom-Hilda. Leia mais

Tributo a Cláudio Seto

2009-11-10T04:04:00.000-08:00

Acontece, nos dias 13, 14 e 15 de Novembro de 2009, na Praça do Japão de Curitiba, o Tributo a Claudio Seto.
O Tributo é um evento que reunirá numa grande confraternização: amigos, fãs e admiradores do trabalho de Claudio Seto, além de apreciadores da cultura e das artes em geral, homenageando e celebrando a memória deste multi-artista, no mês em que se completa um ano de sua falecimento. Clique no convite para ver mais detalhes

Stan Lee é o melhor da era de prata

2009-11-03T03:03:00.000-08:00

Fechou a enquete sobre o melhor roteirista da era de prata. Stan Lee ganhou de lavada, com 83% dos votos. Robert Kanigher (Sg. Rock) e Jerry Siegel (Super-homem) só tiveram um voto cada. Era de se esperar, já que dos três, Stan Lee é de longe o mais famoso. Também é, sem dúvida, o roteirista que teve maior impacto sobre a indústria dos comics.

Um ponto que tem levado a muitos debates é se Stan Lee realmente pode ser considerado autor das histórias que assina. Jack Kirby dizia que era o verdadeiro autor.

Essa polêmica é provocada pelo método de trabalho de Lee: ele passava ao desenhista uma pequena sinopse da história, este a desenvolvia no desenho e entregava a Stan Lee para que colocasse o texto e os diálogos. Esse método é chamado de Marvel Way. Sobre o assunto, reproduzo aqui uma parte de um texto que escrevi na época em que fazia a especialização em artes visuais no SENAC. Surgiu uma discussão sobre se o roteirista poderia ser considerado autor e respondi assim:

"Nos quadrinhos, um roteirista, embora não saiba desenhar e, portanto, não seja capaz de produzir a obra no seu sentido estrito, artesanal, exerce a função do diretor no cinema. É ele que manipula os significados dos desenhos que serão produzidos pelo desenhista. Alan Moore, considerado o maior gênio dos comics, tem controle total sobre sua obra. Seus roteiros, extremamente detalhados, chegam a gastar mais de uma página para descrever um único quadro. Mesmo Stan Lee, cujos roteiros eram mínimos, muitas vezes um único parágrafo, manipulava o significado dos desenhos ao colocar neles textos e diálogos. Quando trabalhava com Jack Kirby, por exemplo, ele deslocava os conflitos cósmicos e as sagas grandiosas para o interior dos personagens. Asssim, o Surfista Prateado deixava de ser um ser apenas um extraterrestre poderoso para se tornar um angustiado messias das estrelas, disposto a sacrificar até mesmo sua liberdade em prol de uma humanidade que o rejeita".

Ou seja: Stan Lee é, no mínimo, co-autor das histórias que fez em parceria com os grandes desenhistas da Marvel. Na minha opinião, o principal autor.

Para onde mandar trabalhos

2009-10-28T06:06:00.000-07:00

O Joe de Lima fez, em seu blog, uma relação de editoras para as quais um roteirista pode mandar trabalhos. Para ler, clique aqui.

Registro de roteiros

2009-10-28T05:48:00.000-07:00

Toda semana alguém entra em contato perguntando como registrar roteiro de quadrinhos. Cansado de responder individualmente, resolvi fazer um post sobre o assunto.
O registro é feito na Biblioteca Nacional. Clique aqui para uma página da Biblioteca com perguntas e respostas sobre esse processo de registro.
O registro não assegura direito sobre a ideia, mas apenas a forma. Ou seja: o registro não garante que alguém não vá escrever algo semelhante, mas assegura contra plágios descarados, aquele indivíduo que pega seu texto e publica como sendo dele. O registro não é garantia contra textos requentados ou modificados.
O registro é pago e os originais devem ser enviados pelo correio, embora seja possível baixar a ficha de inscrição no site da Biblioteca Nacional.
O valor normal do registro é R$ 20,00. Mais o Sedex, deve ficar tudo numa média de 50 reais.
Aí também é preciso ponderar se vale a pena registrar. Tem gente que me procura perguntando como registrar um roteiro de duas páginas. Ora, as editoras que pagam melhor, pagam 15 reais a página de roteiro. Nesse caso, você vai gastar mais para registrar do que irá possivelmente receber pela obra. Isso se receber, claro. Eu já levei calotes Homéricos - uma editora portuguesa me encomedou cinco histórias de 12 páginas. No final, não pubicou nem pagou nada e ainda fizeram a proposta indecorosa de me ceder a horrível logo criada pelo artista deles para a minha personagem como forma de pagamento.
Também é importante lembrar que a maioria das editoras prefere não pagar os roteiristas, mas pegar projetos prontos e pagar direitos autorais após as vendas. Se vender bem, você pode ganhar alguma grana. Um amigo meu que publicou um álbum por uma editora grande só recebeu alguns exemplares como pagamento. A mesma coisa aconteceu com o meu álbum War, histórias de guerra. O pagamento foram alguns exemplares.

Além da imaginação

2009-10-18T05:56:00.000-07:00

Um seriado que todo roteirista deveria assistir é o Além da Imaginação. Criada pelo roteirista Rod Serling (o mesmo do primeiro filme do Planeta dos Macacos), a série se destacou muito mais pelas boas histórias do que pelos efeitos especiais. Com poucos recursos para efeitos ou locações, o roteirista caprichava nos ótimos diálogos e nas tramas envolventes. Uma verdadeira escolha sobre como escrever uma história curta.
Um ótimo exemplo disso é o episódio O Marciano. Nele, dois policiais vão investigar um suposto disco-voador e descobrem que algo caiu no lago e foi na direção de uma lanchonete de beira de estrada. Lá, descobrem que os únicos clientes são os passageiros de um ônibus. Mas o motorista só lembra de ter levado seis pessoas e existem sete. Um deles, portanto, é o marciano. A história toda tem praticamente uma única locação (a lanchonete) e pouquíssimos efeitos especiais, alguns até meio bobos, como luzes que acendem e apagam. Mas o estado de tensão criado pelo roteirista aumenta a cada momento.
Veja aqui o episódio, dividido em quatro partes.

Palestra com roteiristas da Turma da Mônica Jovem

2009-10-15T17:37:00.000-07:00

A revista Mundo dos Super-heróis vai realizar várias atividades durante o Fest Comix. Uma delas é uma palestra com os roteristas Marcelo Cassaro e Petra Leão, da Turma da Mônica Jovem, que acontecerá na sexta-feira, 16/10 às 18 horas. A Fest Comix acontece no Centro de Eventos São Luís, Rua Luís Coelho, 323 (próximo ao metrô Consolação)São Paulo, SP. Informações: (11) 3088-9116 Site: www.comix.com.br/blog . Entrada: R$ 10 (estudante paga meia )

Quadrinistas contratados para o Casseta & Planeta

2009-10-14T13:38:00.001-07:00

Considerada pela imprensa como uma “tentativa de injetar novas ideias ao programa”¹, a entrada dos Roteiristas Allan Sieber e Arnaldo Branco no Casseta & Planeta Urgente, da Rede Globo, foi anunciada pelos membros do programa como "contratações de peso para seu time".

ALLAN SIEBER é gaúcho, cartunista, roteirista e desenhista das tiras 'Bifa-Land' publicada no Estadão, 'Vida de Estagiário' e 'Preto no Branco' publicadas na Folha de S. Paulo. Também escreveu e dirigiu os premiados curtas de animação 'Deus é Pai' e 'Onde Andará Petrucio Felker?'.ARNALDO BRANCO é carioca, roteirista, cartunista e jornalista. Criador de personagens como 'Capitão Presença' e 'Joe Pimp', publicados pela revista Tarja Preta, produz tirinhas do 'Mundinho Animal' no site G1, e escreve as crônicas 'Histórias (Inventadas) da Televisão', na revista Monet. Também adaptou o clássico rodriguiano 'Beijo no Asfalto' para os quadrinhos. Leia mais

O melhor roteirista europeu

2009-10-11T06:35:00.000-07:00

Terminou a enquete sobre o melhor roteirista europeu. Coloquei só três, os mais conhecidos do público brasileiro: Goscinny (Asterix), Charlier (Blueberry) e Berardi (Ken Parker - Júlia). Surpreendetemente, foi uma lavada: Giancarlo Berardi levou com 92% dos votos. Na verdade, Charlier só teve um voto e Goscinny nenhum. Uma injustiça. Todos os três roteiristas são muito bons. Com seu Asterix, Goscinny revolucionou o quadrinho infantil europeu elevando o nível de inteligência dessa mídia. Charlier criou o único cowboy que pode rivalizar com Ken Parker em termos de costrução de personagem e pesquisa histórica.

Como Berardi tem sido publicado mensalmente no Brasil e como Ken Parker ainda tem uma legião de fãs, essa deve ser a razão da vitória fácil.

A próxima enquete será sobre os roteristas da era de prata.

O roteirista profissional: televisão e cinema

2009-10-07T04:49:00.000-07:00

Recentemente comprei o livro O roteirista profissional: televisão de cinema, de Marcos Rey. Não é segredo que Marcos Rey é um dos meus escritores prediletos e, depois de ler Esta noite ou nunca, no qual ele romanceia sua experiência como escritor de pornochanchadas, fiquei curioso para ler também esse livro.

Antes de mais nada, é bom avisar que não se trata exatamente de um manual. O autor até dá algumas dicas de como formatar o roteiro, mas não vai muito além da cabeça CENA 1 - LOCAL - EXTERIOR/INTERIOR - DIA/NOITE.

Na verdade, a obra é mais um relato de experiência com o qual podem aprender muito so que forem inteligentes e atentos. Escrito de forma coloquial, a impressão que temos é de estar conversando com um veterano e aprendendo de forma não muito sistemática.

Personagens

Uma das dicas é que Marcos Rey fazia uma espécie de questionário com qual "conversava com os personagens". Perguntas como: "Onde você nasceu? Qual a sua profissão? Gosta dela? Tem alguma religião? Já viveu algum grande amor? Tem algum ideal político? Gosta de repetir alguma palavra?" ajudam a compor o personagem. Todo mundo se lembra, por exemplo, do Coronel da novela Renascer que sempre dizia: "Certo, muito certo, certíssimo!".

No caso dos heróis, é bom dar-lhe um defeito, para torná-lo mais humano: Sherlock Holmes era um dependente de drogas, Poirot um vaidoso, Columbo um relaxado, só para ficar nos detetives.

Também é bom dar marcar fisicamente o personagem. Sherlock Holmes é conhecido pela roupa xadrez, pelo boné e pelo cachimbo. Kojak é careca e fuma uma piteira.

Se a dica é boa para seriados de TV, é melhor ainda para os quadrinhos, uma mídia que depende muito do visual.

RÚBRICAS

São marcações nas falas dos personagens para ajudar o diretor (ou o desenhista) a entender o tom da fala. Por exemplo:

JANDIRA (categórica): Neste hotel não vejo, não escuto, não falo!

PASCOAL (de boca cheia): É bom fazer coisa nova. a freguesia tá mudando!

DIÁLOGOS

Marcos Rey dá uma lição básica, mas importantíssima:

É preferível uma ação muda do que complementada por diálogos inúteis. Imagens também falam.

Nunca coloque em palavras o que a imagem já está tornando explícito.

Nesse sentido, ele critica os primeiros roteiristas de telenovelas, que, vindos do rádio, tinham o vício de fazer os personagens falarem o que estavam fazendo:

JANDIRA: Agora estou abrindo a porta. O que é isso? está tudo escuro? Ligaram uma luz! O quê? Fecharam a porta! Estou presa!

É, tem roteirista de quadrinhos que ainda faz esse tipo de coisa. Aliás, Marcos Rey devia estar pensando nos primeiros comics quando escreveu: "certos autores usam o diálogo como simples muletas de ação. Parece que escrevem histórias em quadrinhos".

NOVELAS

Marcos Rey conta que a maioria dos diretores mexia muito nos seus roteiros a ponto de muitas vezes ele não reconhecer seus textos na tela. De fato, normalmente diretores têm mais poder que os roteiristas e muitas vezes se dão o direito de mexer no texto. Isso só não acontece no caso das novelas. Os roteiristas são as grande estrelas e têm poder absoluto sobre suas novelas. Os diretores não costumam mudar quase nada. E a razão é simples: a produção de telenovelas é tão estafante e apressada que o diretor só tem tempo de filmar e editar. Curioso, não? É justamente o fato das novelas serem uma produção industrial que faz com que elas possam ser obras pessoais a ponto de conseguirmos distinguir o estilo do roteirista. Uma novela de Benedito Rui Barbosa, por exemplo, é completamente diferente de uma do Manoel Carlos.

ADAPTAÇÕES

Talvez o capítulo mais interessante seja sobre adaptações. Uma dica de Marcos Rey: adaptações ao pé da letra, fidelíssimas, são péssimas. De fato, esse talvez tenha sido o maior problema do filem Watchmen. Aliás, passado o vislumbre de ver nas telas uma transposição quase literal dos quadrinhos, o que ficou foram duas criações do diretor: a cena de abertura, com a música do Bob Dylan, perfeita, e o final, cientificamente muito mais correta do que a da história em quadrinhos.

Marcos Rey foi um dos roteiristas da excelente série do Sítio do Pica-pau amarelo da década de 1970. Hoje, 10 em cada 10 críticos diz que aquela adaptação da obra de Monteiro Lobato foi um marco, que encantou toda uma geração, mas na época a maioria dos itelectuais simplesmente odiou. E aí vai outra grande lição: nem sempre quem critica uma adaptação conhece a obra original.

Três exemplos:

1 Os críticos acharam uma heresia colocar uma televisão na sala da Dona Benta, mas não se tocaram que o Lobato já tinha colocado um rádio lá em plena década de 1920, quando esse aparelho era novidade absoluta.

2 Um episódio, Narizinho atômica foi muito criticado por estar deturpando a obra de Lobato. E era adaptação fiel de uma história menos conhecida de Lobato no qual ele falava do perigo das bombas atômicas.

3 A jornalista Cléo foi vista como absurda criação dos roteiristas, mas foi criada por Lobato, um visionário, que já imagina o dia em que as mulheres exerceriam o jornalismo.

O melhor roteirista da era de bronze

2009-09-30T13:33:00.000-07:00

Parece que o legado de X-men ainda continua forte, tanto que deu a Chris Claremont o primeiro lugar entre os roteiristas da Era de Bronze dos comics, com sete votos. Em segundo lugar, ficou Roy Thomas, o homem que praticamente definiu a Marvel na década de 1970, com seis votos. Gerry Conway, Len Wein e Dough Moench empataram em terceiro, com três votos cada.

Não foi uma lavada, como a de Alan Moore sobre os outros roteiristas britânicos, mas mesmo assim mostra a importância desse roteirista.

Pessoalmente, não concordei muito, mas não interferi. Acho que Claremont teve um momento inspirado quando se juntou a John Byrne em X-men. A fase dos dois nesse gibi é uma das melhores coisas que já foram feitas com super-heróis em todos os tempos. A série tinha ação e profundidade psicológica na medida certa.

Mas o Claremont é um roteirista de muitos altos e baixos, mais baixos que altos. Outros da lista tiveram carreiras mais regulares, como é o caso de Doug Moench, que foi muito competente em toda a sua longa fase no Mestre do Kung Fu. Gerry Conway esteve com tudo na década de 1970, escrevendo algumas das melhores HQs do Homem-aranha, mesmo sob a responsabilidade de substituir Stan Lee. Além disso, ele fez duas obras-primas: Cinder e Ash e Esquadrão Atari, ambas com o magnífico Garcia Lopez.

Len Wein não fica atrás. Basta lembrar que foi ele que criou o Monstro do Pântano...

Conclusão: a Era de Bronze teve grandes roteiristas e não é fácil encontrar um só expoente.

Claro, como sempre faltaram nomes: Denni O´Neal, Steve Englehart, Bill Mantlo... Ficam para outra enquete.

A próxima enquete será sobre os roteiristas europeus.

Como escrever diálogos

2009-09-29T04:40:00.001-07:00

Acredito que uma das coisas mais difíceis para o autor iniciante é escrever bons diálogos.Na verdade, confesso que recentemente li alguns autores já reconhecidos que tem problemas com isso. Portanto, esqueçamos o "iniciante" na frase anterior.Há diversos "crimes" que podem ser cometidos contra um bom diálogo. Assim, de cabeça, vou tentar lembrar de alguns que realmente me incomodam quando estou lendo um livro. Leia mais no blog do Alexandre Lobão.

Jornada nas estrelas - dívida de honra

2009-09-28T04:46:00.000-07:00

Dizem que uma vez um jornalista brasileiro entrevistou Grant Morrison e perguntou-lhe qual sua opinião sobre o fato de que, no Brasil, os textos de Chris Claremont nos X-men serem cortados. Morrison teria respondido: "Sério? Deve melhorar muito!".

A anedota, verdadeira ou não, mostra bem os problemas do álbum Jornada nas estrelas - dívida de honra, de Chris Claremont e Adan Hugges (ed. Brainstore).

Há texto demais. E pior, texto inútil. Em uma das sequências, McCoy faz um monólogo analisando o Cap. Kirk. Trecho: "A perda de uma nave é por si um peso enorme para qualquer capitão, mas Kirk precisou destruí-la. Após roubá-la. O peso emocional, admitindo ele ou não, tem que ser muito maior".

Ou seja: a história fica estagnada para que um personagem possa analisar o outro. Aliás, esse texto parece muito com a sinopse dos personagens que a maioria dos roteiristas costuma fazer antes de começar a escrever a história. Isso deve aparecer na história nas atitudes do personagem. Colocar um outro personagem para analisá-lo parece uma trapaça, ou medo do roteirista de não ser compreendido. Além disso, o uso repetitivo desse truque transforma a HQ em uma novela, tirando todo o foco da ação.

Não é necessário sacrificar a ação para inserir profundidade psicológica na trama. O Esquadrão Atari (de Gerry Conway e Garcia Lopez) é um bom exemplo disso. A ação praticamente não para, mas os personagens são muito bem caracterizados e suas motivações são muito claras.

Lendo histórias como essa, eu começo a acreditar em algo que desconfiava há tempos: nos X-men o noveleiro Claremont foi salvo pelo John Byrne, que evitou seus excessos e introduziu mais ação na trama. Aliás, Byrne faz até algumas HQs legais, como Gerações, mas com foco exclusivamente na ação. Quando o homem de ação Byrne se juntou ao noveleiro Claremont tivemos uma das melhores HQs de todos os tempos. Separados, os dois não funcionam tão bem. Mas Claremont é o que mais perde.

As motivações dos personagens

2009-09-25T06:22:00.000-07:00

Todo personagem tem uma motivação, algo que o leva em frente e o faz enfrentar os desafios oferecidos pelo conflito.
Muitas vezes essa motivação pode ser representada por um ou mais objetos. Na primeira saga de Sandman, a motivação do personagem era recuperar os objetos de poder que lhe haviam sido roubados: a algibeira de areia, o elmo e o rubi.
Normalmente, os objetos materiais são apenas representações de motivações psicológicas, tanto que Sadman, após conseguir os objetos de volta, entra em depressão, pois a busca dos objetos era o que lhe dava forças para enfrentar racionalmente o fato de ter ficado tantos anos preso.
Em A Piada Mortal, a motivação do Coringa é provar que todos podem ficar loucos se tiverem um dia ruim. A motivação do Batman é exatamente o oposto. Claro que, nesse roteiro muito bem construído, as respostas não são tão simples e, no final, parece que nenhum dos dois consegue alcançar totalmente a sua motivação.
Durante boa parte da fase de Alan Moore no Monstro do Pântano, a motivação do personagem é saber mais sobre si mesmo, conhecer-se, o que leva o personagem a seguir John Constantine.
No livro Homens do Amanhã, Gerard Jones faz uma interessante análise das motivações do Capitão América, relacionando-as com as motivações de seus criadores: "Ele é o garoto subnutrido do gueto que adquire uma força desmedida ao agarrar as oportunidades americanas". Sua luta contra o nazismo é também a luta de seus criadores em busca de confiança em um mundo que perseguia os judeus. Assim, quando o Capitão América soca Hitler em uma das primeiras histórias, jogando-o no lixo, ele representa as motivações de todas as pessoas que se sentem oprimidas e gostariam de serem capazes de dar a volta por cima, vingando-se de seus opressores.
No filme UP, a motivação do velhinho ao voar com sua casa é voltar aos tempos de infância. A motivação do escoteiro, que quer ganhar mais um distintivo é, na verdade, conseguir a atenção do pai. O distintivo é apenas o objeto que representa a motivação do personagem.
Batman, o cavaleiro das Trevas, apresentou uma motivação global para o personagem ao mostrá-lo como alguém que luta contra seus próprios medos, tanto que adota a imagem dos morcegos que tanto lhe causaram pavor na infância. Essa motivação aparece, inclusive, na Piada Mortal.
Há histórias, criadas por roteiristas iniciantes, em que os personagens parecem não ter motivação. São só bonecos de palha, joguetes, que passam pela história, lutam, mas não se sabe porque estão fazendo isso. A falta de motivação os faz ocos por dentro.

Entrevista com o roteirista André Diniz, autor da história em quadrinhos 7 vidas

2009-09-21T18:03:00.000-07:00

Pedro Brandt
Publicação: 13/09/2009 07:00 Atualização: 12/09/2009 10:21
Imagino que a respostas seja “sim” mas, você realmente fez terapia de vidas passadas? O que você achou do processo — quero dizer, além do que está na HQ? Acredita que se fizesse a terapia outra vez, suas vidas anteriores seriam as mesmas? Recomenda esse tipo de terapia para outras pessoas?
Claro! Quem dera eu ter criatividade pra inventar tudo aquilo... Foi uma experiência fantástica e riquíssima e recomendo a qualquer um, mesmo quem não acredita em vidas passadas. Pois mesmo que tudo seja fruto do inconsciente, em nada muda essa jornada de autoconhecimento que são as sessões de regressão. Acredito que, caso eu retome a regressão um dia, serei conduzido a vidas mais antigas, que era o caminho que as últimas sessões estavam tomando. Mas eram “lembranças” distantes demais, e como senti que as sete vidas já vistas que relato no livro se completavam muito bem, não creio que eu retome as regressões.

Você tentou manter a HQ o mais biográfica possível? O quanto isso pode limitar sua liberdade de criação?
Faz parte do jogo de um escritor ou roteirista romancear e florear um pouco — ou muito — a realidade para que um fato real gere um livro ou um filme interessantes. No caso da história desse livro, porém, posso te assegurar que tudo o que conto foi 99% assim, e não haveria problema algum em romancear mais. Só que tudo foi tão interessante exatamente da forma que aconteceu que o livro só perderia se eu mudasse alguma coisa. Mesmo cenas que vi e que não diziam nada, fiz questão de narrar. Também o que se passou na minha vida pessoal naquele momento, a perda de uma gravidez e uma nova gravidez surgindo nas mesmíssimas circunstâncias que a primeira, formaram uma linda analogia ao tema do livro, que são as vidas que vêm e que vão, e que voltam. As únicas adaptações que fiz foi mostrar cada vida sendo vista em uma única sessão, enquanto eu as via, na verdade, ao longo de duas ou três sessões diferentes; e também tive que criar diálogos onde haviam lembranças de cenas e de fatos, mas não exatamente de falas. Mas foi só isso, não mudei sequer a ordem em que tudo aconteceu. Leia mais

Os melhores roteiristas britânicos

2009-09-20T05:38:00.000-07:00

Já tenho o resultado da primeira enquete deste blog. Perguntei quem era o melhor roteirista britânico. Foi uma vitória fácil. Alan Moore ganhou com 16 votos. Em segundo lugar ficou Neil Gaiman, com 4 votos. Em terceiro, Grant Morrison, com 3. Em quarto, Mark Millar, com 1 voto. James Robinson não recebeu nenhum voto. Assim, o resultado ficou, na ordem:

1 - Alan Moore

2 - Neil Gaiman

3 - Grant Morrison

4 - Mark Millar

5 - James Robinson

O resultado me parece justo. Se me perguntassem, eu colocaria os roteiristas britânicos numa ordem parecida. Só lamento que James Robinson não tenha conseguido nenhum voto. Ah, depois que fechei a enquete que lembrei de outros dois bons roteiristias: Jamie Delano (Hellblazer) e Garth Ennis (Justiceiro). Em todo caso, não cabia tanta gente assim e eles ficam para uma próxima enquete.

A próxima enquete será sobre os roteiristas da Era de Bronze.

Entrevista de Gian Danton a Milena Azevedo

2009-09-16T13:52:00.002-07:00

1) Em 2008, na sua coluna do Digestivo Cultural, você escreveu um texto, em tom de desabafo, sobre a situação dos roteiristas de HQs, no Brasil. Todos sabem que uma HQ é composta por signos verbais e não-verbais, e que para que esses signos façam sentido é necessário que o roteirista elabore a história e dê as coordenadas ao desenhista sobre a disposição dos quadros ao longo das páginas; mas, ainda assim, só o desenhista acaba ganhando projeção. Você acha que a saída para essa situação seria a criação de uma Associação Nacional de Roteiristas de HQs, a qual estabeleça pelo menos um piso por página de roteiro, e que o nome do roteirista seja devidamente creditado na história?

Não sei se a criação de uma associação seria a resposta, pelo menos a única resposta. Mas poderia ser uma forma de forçar editores e jornalista a darem crédito aos roteiristas. A situação do roteirista no Brasil é tão complicada que, durante muito tempo, nem mesmo o prêmio Angelo Agotini de roteirista, ia para um roteirista. O Laerte, por exemplo, ganhou o prêmio durante uns cinco anos. Acho o Laerte ótimo, mas é injusto dar a ele um prêmio que deveria ser para roteiristas. No meu texto, eu falo de vários outros exemplos de desrepeito aos roteiristas por parte dos editores, fãs e jornalistas. Nos EUA essa mudança de mentalidade se deu em meados da década de 1970. Na época, a DC Comics contratou Jack Kirby como estrelando achando que o sucesso da Marvel se devia ao Rei. Resultado: as revistas lançadas por Kirby foram um fracasso e a Marvel continuou sua escalada de sucesso. Ficou claro que, embora Kirby seja um desenhista espetacular e um grande criador de personagens e universos, ele não era um roteirista e, portanto, seus plots, não conseguiam conquistar a fidelidade dos leitores. Na Marvel, Kirby era perfeito porque trabalhava com um ótimo roteirista, Stan Lee. No Brasil, esse tipo de percepção ainda não existe.

Além de roteirista, você é professor universitário, escreve livros teóricos sobre a relação ciências e HQs, e colabora com diversos fanzines e revistas eletrônicas. Existe uma linha que separa o "Gian" do "Ivan"?

Engraçado isso. Em Macapá eu sou conhecido como Ivan Carlo e como professor das áreas de marketing, comunicação e metodologia científica. Quase ninguém sabe que produzo quadrinhos e que também uso o nome Gian Danton. Inclusive isso já deu origem a episódios engraçados, como de um grupo de alunos que plagiou um texto meu (que estava na net assinado por Gian Danton) e me entregou! Essa separação Ivan-Gian acabou aconcendo naturalmente, mas virou uma estratégia de marketing, de posicionamento, que tem funcionado bem. Quando comecei, havia um certo preconceito no meio universitário contra os quadrinhos. Eu, um garoto de 24 anos, iniciante no meio de um monte de professores veteranos, não podia chegar falando de quadrinhos, ou não seria levado a sério. Hoje isso não é mais grande problema, pois já sou professor há 10 anos. Muitos dos professores universitários de Macapá foram meus alunos, então não preciso mais provar minha seriedade. Por isso, já começo a fazer essa ponte, mas apenas para os leitores do meu blog.

É sabido que o meio acadêmico ainda é um tanto quanto "fechado" para pesquisas sobre a arte seqüencial. Você já sofreu algum tipo de preconceito dos colegas por trabalhar com essa mídia?

Nunca diretamente, mas sempre houve sim um certo preconceito. Isso é provocado, entre outras coisas, pelo fato de que existem pessoas nada sérias no meio quadrinistico. Também é um preconceito provocado pela idéia de que quadrinho é desenho, sem necessidade de roteiro. Mas com o tempo a gente vai driblando esse preconceito, ao mostrar seriedade. Agora consegui, por exemplo, apresentar meu curso de roteiro para quadrinhos na modalidade a distância para o SENAC Amapá (sou professor de pós-graduação a distância no SENAC há três anos). Tinha apresentado essa proposta há mais tempo, mas só consegui emplacar o curso quando o SENAC São Paulo apresentou o curso e, na matéria de divulgação, me entrevistou. E assim que a gente vai contornando o preconceito...

Como estamos falando sobre roteiristas, quais são seus mestres nos cenários internacional e nacional, e quem você destaca, atualmente, como o melhor roteirista brasileiro de HQs?

Meu grande mestre, sem sombra de dúvidas, é Alan Moore, mas também gosto muito de outros roteiristas, pouco conhecidos no Brasil, como o belga Charlier e o argentino Oestherheld. Tenho até um texto chamado ¨Queria ser Charlier¨. Um bom roteirista tem que ler de tudo, não pode se prender a uma única influência. Quanto ao melhor roteirista brasileiro, boa pergunta. Temos alguns ótimos roteiristas, todos sem reconhecimento. Alguém que eu destacaria é o Leo Santana, que se tornará um grande nome da próxima geração. Tem também o ótimo André Diniz, o Matheus Moura, que está se destacando... existem muitos bons roteiristas. Só falta espaço e reconhecimento.

No seu blog, você posta "dicas" de como criar bons personagens, enredos, ambientações. Alguém já lhe agradeceu por essas verdadeiras aulas gratuitas?

Sim, vários roteiristas entram em contato, elogiando meus textos sobre a arte de escrever quadrinhos. Tenho até um fã em Portugal, que se encarregou de publicar minhas histórias por lá. Infelizmente, esse reconhecimento vem apenas da parte de outros roteiristas, e não de editores e jornalistas.

O paradigma dos três atos nos quadrinhos

2009-09-14T07:22:00.000-07:00

Desde o momento em que o homem começou a narrar as primeiras histórias, percebeu-se que havia uma certa divisão que tornava a narrativa mais fluida e interessante. Eram os atos, que, bem utilizados, prendiam a atenção do receptor .
A teoria dos três atos, propostas pelo roteirista e estudioso norte-americano Syd Field é a mais usada. Segundo, ela, um roteiro deve ser dividido em três partes. A primeira parte ocuparia um quarto do texto. A segunda parte, teria metade do roteiro. A terceira, um quarto.
No primeiro ato, são apresentados os personagens e o ambiente em que se passa a história. Essa parte tem a importante função de situar o receptor e fazê-lo simpatizar com o protagonista. É nessa fase que acontece a transferência e o leitor passa a se ver como o herói da história. No final o primeiro ato, ocorre um gancho, que puxa a história. O conflito se estabelece.
O segundo ato engloba a ação e a tentativa do protagonista em resolver o conflito.
Finalmente, no terceiro ato, temos a resolução do conflito.
Na história A Piada Mortal, de Alan Moore e Brin Bolland, os três atos são bem claros. No primeiro ato, acompanhamos Batman, que entra no presídio e conversa com o Coringa. Ele descobre que se trata de um impostor e que o verdadeiro Coringa fugiu. Enquanto isso, vemos o Coringa comprando um velho e perigoso parque de diversões. Os personagens são apresentados, assim como a ambientação da história. Sabemos que a trama irá girar em torno de Batman e Coringa e sabemos que a tentativa do Homem Morcego de entender a relação entre os dois será o tema da história. Ao mesmo tempo, vemos os flash backs do Coringa, mostrando sua tentativa de se tornar um comediante e a morte de sua esposa grávida. Toda essa introdução é usada para criar um clima de interesse no leitor e trazer à baila o tema principal da história: a dualidade, nem sempre nítida, entre loucura (Coringa) e sanidade (Batman).
Então, vemos o Comissário Gordon em sua casa, conversando com sua filha. Ela abre a porta. É o coringa e ele atira em sua coluna. Nesse momento temos o gancho que puxará toda a história. O Coringa seqüestra o Comissário e o submete a um grande stress, obrigando-o a ver a foto de sua filha nua e baleada. Temos duas narrativas paralelas: a busca de Batman em encontrar o Coringa e a tentativa deste de provar que todos são loucos.
O segundo ato termina quando Batman chega ao parque de diversões. A partir desse momento, a história se desenvolve no sentido de sua resolução. Ao contrário do que acreditam os pouco avisados, a Piada Mortal não trata de um conflito físico, mas um conflito mental. A tentativa de resolução é no sentido dos dois personagens compreenderam sua relação. Alan Moore, que adora roteiros em espiral, marca esse gancho com uma frase: “Olá, eu vim conversar.”, a mesma frase que inicia a história. É uma dica de que o conflito se aproxima de sua resolução.
Em outra história do Batman, Cavaleiro das Trevas, temos essa estrutura de três atos a cada capítulo. No primeiro ato, descobrimos que Gothan se tornou uma cidade extremamente violenta e que Batman se aposentou. Agora, Bruce Wayne passa o tempo arriscando a vida em corridas de automóvel. Também descobrimos que o Duas Caras, aparentemente curado, é solto. Sabemos também que Bruce Wayne tem pesadelos com o dia em que caiu num buraco e se viu frente a frente com uma nuvem de morcegos. No mesmo ato, descobrimos que o Duas Caras voltou ao crime. O primeiro ato tem o seu gancho na lembrança da morte dos pais de Bruce Wayne e no morcego que entra pela janela.
A página seguinte, em que uma senhora é atacada por um ladrão, já faz parte do segundo ato. Batman começa ali sua saga para lidar com seus medos, seus demônios interiores. Enfrentar e vencer Harvey Dent é um passo simbólico nesse sentido.
O momento em que o Duas Caras ataca as torres gêmeas marca o início do terceiro ato.
O primeiro ato pode se tornar pouco interessante para o leitor, já que ele é usado para ambientar a história e apresentar os personagens. Há pouca ação. Para tornar a narrativa um pouco mais agitada, alguns autores adotam uma espécie de prelúdio para fisgar a atenção do leitor.
Exemplo disso é Starman, de James Robinson. Na primeira revista vemos Starman sobre um prédio, preparando-se para alçar vôo. O texto exalta o poder do herói e de seu bastão cósmico. Quando, na página 3, o herói começa a voar, um tiro transpassa seu peito. Na página 4, ele está morto no chão de um beco sujo. Esse fato é o gancho que puxa o segundo ato. Na ordem cronológica, ele deveria ser mostrado no final do primeiro ato, já que é a morte do irmão que fará Jack Knight assumir o bastão cósmico, mas isso é antecipado. Só depois desse prelúdio é que conhecemos o personagem principal e o mundo em que ele vive. Essa atencipação do gancho cria interesse no leitor, que continuará lendo para saber como a trama chegou até ali.

Os roteiristas brasileiros

2009-09-07T05:14:00.000-07:00

Um dos objetivos deste blog é resgatar e criar uma memória dos roteiristas brasileiros. Para isso, seria interessante criar uma relação dos roteiristas brasileiros, por geração. Coloco abaixo, alguns que me lembro. Se lembrarem de outros, por favor, avisem deixando um recado na caixa de comentários. Atenção: só valem roteiristas. Quem escreve e desenha entra em outra categoria. Outra coisa: só valem aqueles que tiveram uma produção regular.

Primeira geração (até o início da década e 1970)
Rubens Luchetti (várias histórias de terror)
Luis Meri (várias histórias, inclusive de guerra)
Francisco de Assis (escreveu roteiros para a Taika)
Carlos Magno (escreveu muito para a Edrel, e posteriormente, para a Grafipar)
Oscar Kern (roteirista da Disney)
Ivan Saidenberg (roteiristas de Terror da Outubro e, posteriormente, um dos mais importantes roteiristas Disney do Brasil)

Segunda geração (Grafipar, Vecchi)
Júlio Emílio Brás (escreveu roteiro para várias editoras, depois tornou-se autor de livros juvenis) Wilde Portela (fez muito sucesso com o personagem Chet, desenhado pelo irmão, Watson Portela)
Ataíde Braz
Luiz Antônio Aguiar
Ivan Jaff (escreveu roteiros para a Spektro. Depois tornou-se escritor de livros juvenis)
Nelson Padrella (escreveu roteiros para a Grafipar, conhecidos pela poesia e pelo jogo de palavras. Atualmente é um escritor e jornalista respeitado em Curitiba)
Jorge Fischer

Terceira geração (anos 1990)
Gian Danton
Marcelo Marat
Wander Antunes
Roberto Guedes
Dario Chaves
A. Moraes
Alex Mir

Quarta geração (anos 2000)
Leo Santana
Cadu Simões
Leonardo Melo
André Diniz
Matheus Moura
Wellingon Srbek (Solar, Histórias gerais)
Dark Marcos
Gonçalo Jr.
José Salles
Alexandre Lobão
Caetano Neto (Tianinha)
Daniel Esteves
Zé Wellington

O roteiro nas histórias em quadrinhos

2009-08-30T06:05:00.000-07:00

INTRODUÇÃO
Antes de começar a falar diretamente de roteiro e suas técnicas, seria interessante, creio, traçar uma imagem do panorama do assunto no Brasil.
Observa-se, antes de mais nada, uma total falta de tradição de escritores nessa mídia. As histórias em quadrinhos brasileiras têm se caracterizado pelo seu pendor cíclico. Tivemos uma era de ouro dos quadrinhos nacionais na década de 60. Várias editoras publicavam revistas de terror nacionais e algumas se aventuravam até por outros gêneros, como os super-heróis. Nessa época, os poucos roteiristas que atuavam não assinavam seus trabalhos e revelavam nítida inexperiência no ramo. Alguns revelaram que nunca haviam lido HQs e que não começaram a ler, mesmo depois de terem se tornado roteiristas. Desse período um único nome se destaca: Ruben Luchetti.
Depois tivemos um longo período em que as HQs nacionais sumiram das bancas, quase desaparecendo por culpa da invasão dos comics norte-americanos e, principalmente da censura imposta pelo regime militar.
Durante grande parte da década de 70 o panorama das Hqs foi dominado pelo underground, também chamado de undigrundi. A preocupação estética dessas publicações suplantava a preocupação com o roteiro e não vamos ver o surgimento de nenhum roteirista underground. A maior parte dos artistas escrevia e desenhava suas histórias.
O surgimento das editoras Vecchi e Grafipar, no final da década de 70 é que dará ensejo ao aparecimento de roteiristas, tais como Luiz Antônio Aguiar, Júlio Emílio Brás, Ataíde Brás e Nelson Padrella.
No entanto, com a crise financeira que tomou conta do país no início dos anos 80, as revistas fecharam suas portas e os roteiristas migraram para outras mídias. Júlio Emílio Brás e Luiz Antônio Aguiar tornaram-se escritores de livros infanto-juvenis de grande sucesso. Outros se dedicaram à publicidade e ao jornalismo.
O resultado disso é que cada nova geração de roteiristas que surge, em geral, não tem qualquer contato com as geração anteriores. Não há uma transmissão de experiências, ao contrário do que acontece nos EUA, em que os roteiristas novos são orientados pelos mais velhos.
No Brasil a maior parte dos roteiristas não sobrevive no ramo tempo o bastante para apurar o estilo. Por outro lado, aqueles que permanecem atuantes são obrigados a submeter a um tratamento desrespeitoso. Os editores publicam as histórias e omitem o nome dos escritores, ou cortam o texto. Em geral, considera-se o texto menos importante que o desenho e há um certo consenso de que os direitos autorais da HQ pertencem unicamente ao desenhista.
O resultado desse estado de coisas é um círculo vicioso: os roteiristas não têm tempo de se aprimorar e, no geral, abandonam os quadrinhos quando estão minimamente experientes. Os jornalistas e editores, na falta de bons roteiristas, desmerecem o trabalho do texto. A falta de reconhecimento faz com que os roteiristas permaneçam menos tempo no meio.
Este texto é uma tentativa de transmitir uma experiência pessoal, uma tentativa de quebrar o círculo vicioso em que os novos escritores são obrigados a “reinventar a roda” a cada geração.
Desde 1989 venho publicando histórias em quadrinhos em diversas editoras sob o pseudônimo de Gian Danton, algumas delas, inclusive, nos EUA, pela editora Phantagraphics.
O relato que se segue é o resultado de minha observações ao escrever quadrinhos, escrever sobre quadrinhos e ler quadrinhos. Boa parte dos exemplos citados serão provenientes da HQ americana ou européia, o que revela uma forte influência dessas escolas. Talvez no futuro surja uma geração influenciada por roteiristas nacionais. Será o primeiro passo na criação de uma linguagem de quadrinhos tupiniquim.

A LINGUAGEM DE QUADRINHOS
A primeira coisa se observar quando se fala em roteiros para de quadrinhos é que essa mídia tem uma linguagem própria. É certo que ela tanto influenciou quanto foi influenciada por outras mídias, como a literatura, o cinema e as artes plásticas. Mas com o tempo a arte sequencial adquiriu métodos próprios de contar histórias. Essa é a razão pela qual as adaptações de quadrinhos para o cinema e TV têm se mostrado desastrosas.
As Hqs não dispõem dos recursos de movimento e som do cinema. Imaginemos, por exemplo, um filme de terror. É possível transmitir ao espectador o clima tenso utilizando-se apenas de sons subliminares, trilha sonora e movimentos de câmera, sem que seja necessário recorrer ao texto. Nos quadrinhos a mesma cena ficaria, no melhor dos casos monótona e, no pior, incompreensível.
O principal recurso para se criar o clima da história nos quadrinhos é o texto. Ao contrário do que dizem alguns críticos, as Hqs não têm o defeito de darem a história pronta para o leitor. Na verdade, o leitor participa ativamente ao completar a ação entre um e outro quadro. (Ver McCloud, Scott. Desvendando os Quadrinhos). Assim, o melhor texto não é aquele que explica o desenho ao leitor, mas aquele que faz com que ele use ainda mais sua imaginação, completando aspectos que não estão sendo mostrados pelo desenho. Vamos encontrar ótimos exemplos disso no Monstro do Pântano, de Alan Moore. Na primeira história, Lição de Anatomia, observamos um velho correndo do Monstro, enquanto o texto diz:
"Estou pensando no velho. Estou pensando no ranger de suas articulações enquanto corre. Estou pensando no terror de seu coração carcomido e atrofiado. Este é o prédio dele, sabe? Esse é o lugar onde ele se sentia seguro! Agora, o vidro opaco e o metal indiferente zombam do ancião, refletindo sua imagem pequena e amedrontada... como um besouro numa caixa. Como um verme num labirinto".

O exemplo acima constitui aquilo que costumo chamar de texto de ambientação. Não há aqui qualquer preocupação narrativa. O objetivo é ambientar o leitor no clima da história, criando um efeito parecido com o da trilha sonora nos filmes. É uma utilização do texto aparentemente exclusiva dos quadrinhos. O cinema dificilmente usa o texto em off e a literatura, como não dispõem dos desenhos para contar a história, fica presa à função narrativa.
Durante um longo tempo os roteiristas se limitaram à função narrativa. A descoberta de que, ao contrário da literatura, uma HQ pode ser contada apenas com imagens, libertou o texto para exprimir sensações, cheiros, pensamentos e divagações do autor.
Não estou dizendo que narrativa quadrinística é superior à cinematográfica ou à literária, mas ela é diferente e isso deve ser lembrado por qualquer um que pretenda escrever quadrinhos.
Alan Moore ressalta a importância desse tipo de consciência:
"Ao invés de procurar semelhanças dos quadrinhos com o cinema e a literatura, por que não focamos nossa atenção onde os quadrinhos são especiais e únicos? Por que, ao invés de nos preocuparmos com as técnicas cinematográficas que não encontramos nos quadrinhos, não procuramos as técnicas quadrinísticas que os filmes não podem reproduzir?"

CONTEÚDO
Uma vez estabelecida a importância de se encarar os quadrinhos como uma linguagem própria, com seus recursos únicos, torna-se conveniente dividir o roteiro de uma HQ em dois aspectos: conteúdo e forma. O conteúdo é a história em si, a trama, o plot. A forma agrupa os recursos de texto usados para contar essa história.
O conteúdo caracteriza-se pela capacidade de ser condensado. É possível fazer um resumo, ou um sinopse do conteúdo, mas não da forma de uma história. Qualquer tentativa nesse sentido resultaria numa adulteração da forma.
Uma experiência curiosa foi feita pela extinta editora Warren. Eles juntaram uma equipe de desenhistas e roteiristas e apresentaram uma sinopse da história - uma variante do filme King Kong em que a mulher se torna gigante e carrega o macaco para o alto do Empire State. (Essa história foi publicada no Brasil na revista Kripta, 14. Ed. Rio de Janeiro, RGE, 1977) Embora o conteúdo básico fosse o mesmo, essa sinopse resultou em seis histórias completamente diferentes.
A trama pode ser simples e linear. Boa parte das Hqs clássica envolviam tramas simples e lineares: um grupo de bandidos resolve assaltar um banco. No momento do assalto aparece o Super-homem e os prende, provando, assim, que o crime não compensa.
A história linear caracteriza-se por ter um início, um meio e um fim bem delineados e dispensar qualquer complicação no desenvolvimento da trama. As histórias lineares são uma herança da época em que se achava que os quadrinhos fossem uma leitura exclusivamente infantil. Os editores achavam que os leitores seriam incapazes de compreender qualquer tipo de complexidade.
Com o tempo descobriu-se que a faixa etária dos leitores de Hqs era muito mais adulta do que se pensava. Além disso, os recursos gráficos permitiam uma maior liberdade na trama.
A primeira tentativa nesse sentido foi explorar os personagens secundários em tramas paralelas. O Spirit, de Will Eisner, já revelava esse recurso.
Temos, a seguir, o uso do flash back, que subvertia a ordem cronológica da história, tornando-a não linear. O flash back levou um longo tempo para se desenvolver nos quadrinhos. No começo era inevitavelmente acompanhado de uma indicação textual de que os fatos narrados não pertenciam à sequência normal dos acontecimentos, como podemos observar no exemplo abaixo, retirado de uma história do Homem Aranha da década de 70:
"Afetado pela drogas presentes nas garras do Chacal, ele se lembra com dificuldade dos eventos dos últimos dias... de quando foi jogado de cima da ponto do Brooklym pelo Chacal e seu aliando temporário, o Tarântula". (CONWAY, Gerry. Mesmo Vivendo, Eu Morro. Origens dos Super-Heróis Marvel, 6. São Paulo, Abril, agosto de 1997, p. 88)
Os recursos gráficos dos quadrinhos, entretanto, permitiam que essa mudança de tempo pudesse ser feita sem a ajuda do texto. Alan Moore, certamente, apresentou uma inestimável contribuição nesse sentido, tanto em Batman: A Piada Mortal quanto em Watchmen. Aqui a passagem de tempo era indicada por imagens semelhantes. Numa cena de flash back em A Piada Mortal, vemos o Coringa estendendo a mão para a esposa, que ri. No outro quadro, já no presente, ele estende a mão na direção de um boneco de palhaço.
O sucesso de A Piada Mortal demonstrou que o público de quadrinhos estava perfeitamente preparado para compreender uma narrativa não-linear e abriu caminho para experimentações, levadas a cabo, em geral, por artistas ingleses.
Uma das mais interessantes é Skreemer, de Peter Milligan. A história é narrada pelo neto de um personagem secundário, Finnegan, o segurança do mafioso Veto Skreemer. Todos os personagens principais têm direito a flash backs. Além disso, o narrador conta uma trama paralela, a da família Finnegan. O resultados poderia se tornar incompreensível, não fosse a utilização das cores. O colorista Tom Ziuko alterna tons contrastante (para indicar as ações do tempo presente) e suaves (para indicar as lembranças).
Em uma das histórias do Monstro do Pântano (publicada no Brasil em Superamigos, 35), vemos um recurso curioso: a trama é contada do ponto de vista de vários personagens, nenhum deles, entretanto, tem noção do conjunto. Assim, o leitor é obrigado a montar a história mentalmente, como se encaixasse peças de um quebra-cabeça.
Sabe-se que o leitor participa da narrativa quadrinística, completando o vácuo entre um quadro e outro. Entretanto, tais narrativas não lineares reforçam essa participação, sendo, portanto, mais interativas.
Um outro aspecto a se explorar no âmbito do conteúdo é o do gancho. O gancho é algo que puxa a história.
Nesses últimos anos o ganchos assumiu muitas formas. A primeira e mais elementar delas é aquela usada nas tiras de aventura, como as de Flash Gordon. O roteirista deveria em cada tira recordar o gancho da tira anterior, resolvê-lo e criar um gancho para a tira seguinte. Um trabalho difícil que não deixava muito espaço para a profundidade da trama ou dos personagens.
Com o surgimento dos gibis em série, em especial os da Marvel da década de 60 o gancho foi jogado para início e o fim das revistas. No final de cada gibi, Thor estava envolvido com um perigo do qual parecia impossível escapar. Na edição seguinte o herói, evidentemente, desvencilhava-se da ameaça.
Um ponto a ser elucidado sobre o gancho é que ele, à primeira vista, parece associado a situações de suspense, o que é falso. Embora o gancho possa ser usado, com ótimos resultados, para o suspense, essa não é a sua principal aplicação. Como foi dito anteriormente, o gancho puxa a história, ou acontecimentos da história. Uma boa HQ deve ter ganchos que indiquem como será o seu final.
Provavelmente, o gênero em que o gancho é mais facilmente indentificável é o policial. O gancho, nesse tipo de narrativa, é o assassinato de alguém e as indicações de quem é o assassino. Em geral as pistas são jogadas disfarçadamente na história, fazendo com que o leitor não preste atenção nelas e foque sua atenção nas pistas falsas. Não apresentar pistas é um pecado grave nas narrações detetivesca e o mesmo acontece nas histórias em quadrinhos de qualquer gênero.
Ainda no campo do conteúdo, temos um último aspecto importante. Aquilo que Moore chama de idéia da história:
A IDÉIA é aquilo sobre o que trata a história. Não a trama, ou o desenvolvimento da história, mas aquilo sobre o que é a história essencialmente. Como exemplo posso citar a história A Maldição, publicada na revista Monstro do Pântano, 3, editora Abril. Essa história é sobre as dificuldades encontradas por uma mulher em uma sociedade machista, usando o tabu da menstruação como motivo central. Essa não é a trama da história - a trama fala de uma mulher em uma nova casa construída sobre uma tribo indígena e sendo possuída por um espírito que a torna um lobisomem. (MOORE, Alan. Escrevendo Quadrinhos, p. 18)
Dificilmente um roteiro pode ser bom sem ter um tema. Há casos em que a idéia, ou tema da história pode ser facilmente percebida. É o caso da HQ Guerra de Idéias, de Flávio Calazans, que trata da luta entre idéias autoritárias e libertárias. V de Vingança, de Alan Moore, trata do mesmo assunto, mas o tema está tão envolto na trama que não é tão facilmente discernível. Parece óbvio que qualquer um que escreva quadrinhos deveria ter mente o tema de sua história, o que auxiliaria, inclusive, no desenvolvimento da trama.

FORMA
Chegamos, então, ao reino da forma. Esse é um dos aspectos mais difíceis de serem compreendidos e há pouquíssimos estudos a esse respeito. A forma compreende o texto e o diálogo.
Já nos referimos anteriormente, ao texto de ambientação. Vamos encontrar um exemplo desse tipo de texto no álbum Os Companheiros do Crepúsculo, de Bourgeon:
Esta durou, diz-se, cem anos... Nada a distinguiu verdadeiramente daquelas que a perceberam, nem das que lhe seguiram... como o raio e a peste, a guerra abate-se sobre os campos quando menos se espera. De preferência quando os celeiros estão cheios e as jovens são belas... (BOURGEON, François. Os Companheiros do Crepúsculo, 2 : Os Olhos de Estanho da Cidade Glauca. Lisboa, Meribérica, 1989, p. 3)
Novamente, aqui temos um texto sem teor narrativo. Observe-se a linguagem empolada e literária, que distingue a legenda de Bourgeon. O objetivo do autor era adequar seu texto à narrativa historica (a HQ se passa na Idade Média Européia).
Além do texto de ambientação, há outros tipos. Há, claro, o narrativo, como o abaixo, retirado de uma HQ de Sandman, de Neil Gaiman:
E Madoc levou Calliope para sua casa, e trancou-a no quarto mais alto, que havia preparado para ela. Seu primeiro ato foi violentá-la, na velha e mofada cama de armar. Ela nem mesmo é humana, ele disse a si mesmo. Ela tem milhares de anos. Mas sua carne era quente, e seu hálito doce, e ela segurava as lágrimas como uma criança enquanto ele a feria. (GAIMAN, Neil et alii. Sandman, 17. São Paulo, Globo, 1991, p. 8)
Esse tipo de texto, embora de teor narrativo, não é uma simples explicação da ilustração. Ele condensa fatos que levariam várias páginas para serem contados na narrativa quadrinística normal. Esse é, em geral, o tipo de texto narrativo mais facilmente encontrado nos quadrinhos atuais.
A seguir temos os textos que expressam reflexões do personagem. O objetivo aqui é chamar atenção para aspectos que o leitor seria incapaz de perceber apenas pelo desenho. No exemplo abaixo, retirado de Starman, de James Robinson, o autor refere-se a aspectos olfativos:
Hm. eu nunca me canso do cheiro. É sempre assim quando abro a loja... toda vez que inalo, de novo, o ar deste lugar. Respiro fundo. Encho os pulmões. E nunca me canso. Do cheiro de coisas velhas. (ROBINSON, James& HARRIS, Tony. Starman, 1. São Paulo, Magnum, 1997, p. 8)
Dentro do gênero reflexivo, há um tipo provavelmente só encontrado nas Hqs. O roteirista conversa com o personagem, ao mesmo tempo em que narra a história. É caso de Shambala, de J.M.De Matteis:
Mestre das Artes Místicas. Desde que assumiu esse majestoso título, parece ter eliminado a malícia e a mesquinhez de seu coração. Pena que ainda não aprendeu a sorrir. Você caminha, uma criança brincando com as sombras da memória: a imagem do desgraçado que foi se reflete na neve ofuscante. (DE MATTEIS, J.M. & GREEN, Dan. Dr. Estranho em Shamballa. Série Graphic Novel, 17. São Paulo, Abril, novembro de 1989, p. 6-7)
Quanto ao diálogo, a primeira questão que se apresenta é se eles devem ser realistas ou não. No campo dos diálogos realistas um grande avanço foi dado por Frank Miller, em Cavaleiro das Trevas, como podemos observar no diálogo abaixo, entre o Comissário Gordon, um advogado e um policial:
Gordon: Seu cliente entra e sai da cadeia desde que aprendeu a andar! Seu cliente fugiu da cena do crime e baleou um policial com uma arma ilegal! Onde eu pus os charutos, Merkel?
Policial: Na gaveta!
Advogado: Não houve roubo, comissário! Ele não foi identificado como o homem que baleou o policial! Quanto à arma...
Policial: Devia parar de fumar...
Advogado: ... Batman a deixou ali durante sua investida que resultou em dois homens em estado de choque... Outro bem ferido... e meu cliente com um fêmur fraturado! Seus traumas físicos e emocionais...
Gordon: Fósforos, Merkel!
Policial: No colete! (MILLER, Frank. Batman: O Cavaleiro das Trevas, 1. São Paulo, Abril, 1987, p. 37)
O trecho acima exemplifica a técnica de conversa paralela, um dos recursos mais bem sucedidos para tornar um diálogo realista. Gordon faz perguntas ao policial enquanto conversa, demonstrando claramente seu desinteresse pela fala do advogado. A conversa paralela pode ser considerada como uma variante da técnica de corte, muito usada nas histórias em quadrinhos. Nela, o diálogo é subitamente cortado, passando os personagens a falar de outro assunto. Alan Moore usa o recurso na história da Super-Homem Para o Homem Que Tem Tudo:
Lyla: Kal? Por que ainda está olhando pela janela? Todo mundo já foi para casa!
Kal-EL: Por nada! É só que... Bom... eu queria que meu pai tivesse vindo!
Lyla: Bom, ele foi convidado... mas quando eu disse que Allura e Kara estariam aqui, seu pai falou que estava ocupado! Sei que ele brigou com o irmão, mas Zor-EL morreu há três anos...
Kal-EL: E meu pai ainda não fala com Allura e Kara. Totalmente sem sentido!
Lyla: Exato! Por que não visita Jor-EL amanhã, depois do trabalho? Não quero que se preocupe com ele esta noite! Hoje é seu primeiro-dia! Os robôs mordomos vão limpar tudo. Vamos pra cama!
Kal-EL: Lyla, por que você trocou o teatro por isto?
Lyla: Sei lá, Kal! Importa? (MOORE, Alan & GIBBONS, Dave. Para o Homem Que Tem Tudo. Superpowers, 21. São Paulo, Abril, 1991)
Como se vê, o diálogo, que vinha tomando um certo rumo, muda subitamente, dando uma impressão realista, já que na vida real isso acontece na maioria da conversas.
Mas um diálogo não precisa, necessariamente, ser realista. São comuns histórias que exigem diálogos não realistas. É o caso do álbum Os Companheiros do Crepúsculo. No instante em que os habitante de um feudo preparam-se para matar Marionette, pensando-a comparsa de um grupo de soldados que havia saqueado o local, chega o Senhor, que trava com eles o seguinte diálogo:
Senhor: Que raio! Quem ousou fazê-lo? Os franceses ou os ingleses?
Mulher: Franceses, ingleses? Vá-se lá saber... Nenhum desses cavalheiros fala como nós, mas todos se põem de acordo para nos rapinar, violar e deitar-nos fogo também!
Homem: Esta galdéia acompanhava-os! ... e como parece que gosta deles tesos e quentes, vamos grelhar-lhe a pássara. (BOURGEON, François. Companheiros do Crepúsculo, p. 5)
Observe-se que o diálogo segue um caminho linear. Não há mudanças bruscas de assunto. Além disso as impressões são antiquadas. Com isso o autor, Bourgeon, busca reproduzir o falar de uma Idade Média romanscesca, diferenciando-a culturalmente de nossos dias.

BILIOGRAFIA

BOURGEON, François. Os Companheiros do Crepúsculo, 2 : Os Olhos de Estanho da Cidade Glauca. Lisboa, Meribérica, 1989, p. 3
COMPARATO, Doc. Roteiro: arte e técnica de escrever para cinema e televisão. Rio de Janeiro, Nórdica, 1983.
CONWAY, Gerry. Mesmo Vivendo, Eu Morro. Origens dos Super-Heróis Marvel, 6. São Paulo, Abril, agosto de 1997
DE MATTEIS, J.M. & GREEN, Dan. Dr. Estranho em Shamballa. Série Graphic Novel, 17. São Paulo, Abril, novembro de 1989
GAIMAN, Neil et alii. Sandman, 17. São Paulo, Globo, 1991
Kripta, 14. Ed. Rio de Janeiro, RGE, 1977
LYPSZYK, Enrique. História em quadrinhos e seu argumento. in MOYA, Álvaro. Shazan! São Paulo, Perspectiva, 1977.
MCCLOUD, Scott. Desvendando os Quadrinhos. São Paulo, Markron Books, 1995
MILLER, Frank. Batman: O Cavaleiro das Trevas, 1. São Paulo, Abril, 1987
MILLIGAN, Peter & EWINS, Brett. Skreemer. São Paulo, Abril, 1990.
MOORE, Alan, BISSETE, Stephen & TOTLEBEN, John. Lição de Anatomia. Obras Primas Vertigo: Monstro do Pântano., São Paulo, Metal Pesado 1997
MOORE, Alan. Escrevendo Quadrinhos - tradução condensada de Gian Danton. Sequência, 3. Curitiba, set. 1993
ROBINSON, James& HARRIS, Tony. Starman, 1. São Paulo, Magnum, 1997

Mulher Diaba - roteiro de Ataíde Braz

2009-08-26T04:40:00.000-07:00

Mulher Diaba no rastro de Lampião
Autor: Ataíde Braz
Desenhos: Flávio Colin

Página um.
Quadro um.
Cena:
Na caatinga. Um coiteiro puxando uma mula carregada ao lado de um cangaceiro. O coiteiro olha para o horizonte onde nota um vulto que se aproxima. Urubus no céu. O coiteiro é um jovem bonito. O cangaceiro é homem feito e de feições marcadas pelo sofrimento e maldade. O cangaceiro usa cabelos compridos.

Texto:
Nota (antes de qualquer texto):
Esta história é uma ficção, não retrata com fidelidade a vida ou ações de Virgulino Ferreira, Lampião, e seus cabras.

Legenda:
Prólogo:
“Muitos perseguiram Lampião, mas poucos sabem sobre a mulher-diaba, que viveu pelas caatingas, farejando o rastro do temível Capitão!”

Coiteiro: Padim, quem vem lá? Cumpanheiro ou macaco?

Quadro dois.
Cena:
O cangaceiro coloca a mão sobre os olhos para se proteger do sol e enxergar melhor. Ar sombrio.

Texto:
Cangaceiro: Num sei não... Eita! Como é bonito o emborná que ele carrega! Até brilha!

Quadro três.
Cena:
A mulher diaba, com todos os apetrechos de cangaceiro, destacando-se o seu embornal e uma bonita espingarda. Vem se aproximando.

Texto:
Legenda:
“No embornal, o seu segredo, quando no desespero, o peito ardendo de ódio, chamou pelo Vadio: - se é valente como diz, lhe dou o êxtase da carne, em troca quero tudo que desejo!”

Quadro quatro.
Cena:
Ela se aproximou do cangaceiro, este com a mão no punhal e a outra segurando a espingarda. Não se olham diretamente. A mulher olha para o jovem coiteiro que sorri.

Texto:
Mulher Diaba: A mula está carregada. A viagem vai ser longa?

Cangaceiro: Istou indo a casa de tua mãe, prá modê fazê filhos machos, Cabras valentes que faz falta na sua famia!

Quadro cinco:
Cena:
A mulher acende um pito (cigarro de palha). Sorri. Agora se nota que é mulher.

Texto:
Legenda: “O demo atendeu o apelo, chegou e viu a bela morena, deitada na caatinga, nua em pêlo, atiçando o Coisa ruim para gostosa empreitada”.

Quadro seis:
Cena:
A mulher fala, o cangaceiro (Cafuné) cutuca o coiteiro sorrindo. Ela sombria.

Texto:
Mulher diaba: Moço, cabra valente num falta no sertão. O que precisa é de um bode prá colocar calma no cercado.

Página dois.
Quadro um:
Cena:
O cangaceiro vai rodando em volta da mulher cangaceira, que não se amedronta. Pita o seu cigarro, sem soltar a espingarda ou rifle.

Texto:
Cangaceiro: A quenga é cabra com cabelos nas ventas! Onde foi o teu bode, limpar a bunda para melhor me servir?

Coiteiro: Há! Há! Há!

Quadro dois.
Cena:
O cangaceiro levanta a saia da mulher com a ponta da espingarda, mostrando a calcinha dela.

Texto:
Legenda:
“O Tinhoso foi logo pensando: - hoje é sexta-feira santa, vou me regalar na tentação. Meto minha colher nesta carne opulenta que nem parece do sertão!
Engabelo a quenga, como do bom e do melhor, sem nenhuma chateação!”

Quadro três.
Cena:
O cangaceiro foi para frente. Fala com ar de tesão.
Texto:
Cangaceiro: Acabou-se tuas andanças sozinha! Vai me acompanhar pela caatinga e me servir! E se ouvir um resmungo sangro de imediato!

Quadro quatro:
Cena:
A cangaceira sorri, com ar sombrio. Espingarda na mão e o cangaceiro também com a sua.

Texto:
Cangaceiro: Se afasta, José.

Mulher diaba: Homi, a proposta é uma tentação. Eu ia aceitar para modê chegá no Capitão! Mas vosmicê já ta si alembrando de mim!

Quadro cinco:
Cena:
O cangaceiro fala. Andando em circulo, pronto para a luta, meio abaixado com o rifle na mão, em alerta. A cangaceira também.

Texto:
Cangaceiro: Sim, tu fugiu nua de um folguedo em Pernambuco! Tá diferente, não tem jeito de dama!

Mulher diaba: Salvou-se uma volanti quando farejei seu rastro! Sua gordura é muito especiá para mim!

Quadro seis.
Cena:
O cangaceiro pergunta, sempre alerta.

Texto:
Cangaceiro: Gordura?

Mulher diaba: Sim, gordura de animá ruim, que mata e num come. Serve para o meu candieiro acender!

Quadro sete.
Cena:
Chegam mais dois cangaceiros. A mulher abre o embornal.

Texto:
Um deles fala: Adisculpe a demora, Cafuné, mas tem volante por perto.

O outro: Precisa de Ajuda?

O cangaceiro (Cafuné): Se tem volante rondando, sim! Prá modê acabá rápido com a valentia da diaba!

Entrevista com Ataíde Braz

2009-08-24T05:12:00.000-07:00

Ataíde Braz foi um dos mais importantes roteiristas da segunda geração de quadrinistas brasileiros. Além de roteirista, ele exerceu a função de editor. Conheça, nesta entrevista um pouco da carreira desse importante escritor:

Onde e quando nasceu?
R: Nasci em 26/08/1955 em Mirandiba, uma vila no sertão de Pernambuco. Pertencia a Comarca de Arco Verde e atualmente é um município..
Como foi a sua infância? Lia muito gibi?
R: Passei a minha infância em Serra Talhada, PE. Foi boa, apesar das limitações, pois a minha família era muito pobre. Como não havia televisão despertando a minha cobiça para coisas que eu não podia ter, vivia feliz com o que tinha. Minha memória sempre foi emocional, por isso minhas lembranças são fragmentadas. Lembro de quando subia a serra, de quando ia ao açude pescar, essas coisas.
Nesta época eu não conhecia os quadrinhos ainda. O único quadrinho que tinha visto foi um gibi do Roy Rogers. Não me despertou muita curiosidade. Mas lembro-me de dois fatos que são responsáveis pelo nascimento do narrador, do contador de histórias. O primeiro destes fatos foi tornar-me aprendiz do responsável pelas projeções de um dos cinemas da cidade. Fazia cortes nos filmes. Eram retiradas cenas de beijos. O curioso é que filmes de ação com muitas mortes violentas eram exibidos sem cortes, exceto para reduzir o tempo de projeção. Minha função era olhar a fita e marcar as cenas que deveriam ser cortadas. Eu tinha uns 8 ou 9 anos. Com esse trabalho informal eu conseguia assistir filmes de graça e ainda ganhava os fotogramas cortados. Infelizmente esse responsável tinha mania de dar tapas e cascudos quando o aprendiz cometia um erro. Como, por exemplo, não marcar uma seqüência onde a mocinha oferecia os lábios para o mocinho. Mas aprendi que tinha que prestar atenção na ação anterior. Por causa dos cascudos os aprendizes não ficavam muito tempo “aprendendo” a profissão.
O segundo fato era o prazer em ouvir uma preta velha contar história de “trancoso” (“causos” de terror) para a molecada, todos sentados na linha do trem. Aprendi com essa senhora a contar histórias. Ela foi a minha primeira professora na arte de contar histórias. Infelizmente não lembro o nome dela.
Quando conheci o aprendiz anterior, tivemos a idéia de juntar nossos fotogramas e assim fazer um “filme” e cobrar ingressos! Eu montei os fotogramas em uma ordem coerente, e narrei a “história” enquanto era projetada. O meu amigo fez o projetor com uma caixa de sapato. Eu não tinha noção da complexidade do que tínhamos feito. Mesmo não sendo uma “obra prima”, foi um sucesso. Esse “amigo” achou que não precisava de mim. E me tirou do negócio, afinal o projetor, a sala da casa e a maioria dos fotogramas, eram dele. Não demorou muito a perceber que o trabalho de colar os fotogramas não era só passar a cola e juntar. E a narração da história também perdeu muito da sua criatividade. Esse “cinema” acabou no segundo filme. E eu descobri que não precisava levar cascudos para assistir filmes de graça. Podia pular o muro como os outros garotos. De todos os aprendizes, creio que fui o que menos levou cascudo.
Quando veio a conhecer os quadrinhos e se interessar por eles?
R: Em 1966 meu pai trouxe toda a família para São Paulo. Foi nesta época que conheci os quadrinhos. Tio Patinhas, Donald, a linha Disney da época. E fiquei maravilhado. Eu não sabia ler, mas a partir das imagens, construía histórias!
Meu irmão mais velho lia os quadrinhos, quando estava de bom humor. Depois ele se recusou a ler, creio que para me fazer ler de verdade. Lembro que o primeiro gibi que li, soletrando em voz alta, sem inventar a história, foi uma edição com a primeira história do Superpateta publicada no Brasil. (“Superpateta e Barzan”, algo assim). Desta história por diante, comecei a conhecer outros tipos de quadrinhos.
Na sua infância realizou alguma história em quadrinhos? Como foi essa experiência?
R: Não. Desenhava os personagens, copiando as cenas, isoladamente, sem ordem coerente. De certo modo isso foi determinante para a minha decisão, anos mais tarde, de ser desenhista de quadrinhos.
Quais eram os quadrinistas e os heróis de sua preferência?
R: Eu não tinha autor preferido ainda. Nem sabia quem era quem. Gostava do “Cavaleiro Fantasma”, “Águia Negra”, “Flecha Ligeira”. Depois veio o Hulk, Homem de Ferro, Namor, Thor e o Demolidor nas edições da Shell e depois pela Ebal. Devorava tudo que encontrava nas bancas de revistas usadas. Foi paixão a primeira vista. E paixão proibida, tolerada apenas enquanto serviam como interesse para eu aprender a ler. O pensamento corrente na época era que quadrinhos faziam mal a saúde mental da juventude. Meu pai me proibiu de ler. Assim eu tinha que contrabandear os gibis para dentro de casa enfiados na calça e cobertos pela camisa. Escondia os gibis embaixo do colchão. Periodicamente eles “sumiam”. E eu tinha que ouvir um sermão para parar de ler “aquelas” porcarias. Não culpo o meu pai, ele fazia apenas o que os “doutores” da época recomendavam que os pais fizessem.
Qual foi o primeiro desenhista de quadrinhos que chamou sua atenção?
R: Nos primeiros quadrinhos que li não prestava a atenção nos nomes dos autores. O primeiro que chamou a minha atenção foi o Fernando Ikoma. Se visse o nome dele na revista eu fazia de tudo para comprar. Gostava de Satan, a alma penada e de Fikom. Os outros autores nacionais eu acompanhava mais pelos personagens, tais como: “Lobisomem”, do Gedeone Malagola e Nico Rosso e quase todas as revistas da extinta Taika e da Edrel.
Até os meus catorze anos eu era um leitor crítico. Analisava as histórias. Intuitivamente. Creio que foi em uma revista do Batman que peguei o hábito de dissecar a história até chegar no “esqueleto”. Por causa disso parei de ler Super homem, superboy, Batman, etc. Percebi que as histórias eram sempre as mesmas com algumas variações.
Dos 14 anos até 17/18 anos estive mais interessado em dançar apertado com as garotas. Só pensei em ser desenhista de quadrinhos quando comecei a me preocupar com o futuro. Queria se médico, psicólogo algo neste sentido. Mas a faculdade de medicina era algo muito distante.
Antes de ser roteirista de quadrinhos, teve alguma profissão?
R: Não. Trabalhei em uma metalúrgica e também em uma construtora. Mas não me adaptei ao trabalho e fiquei pouco tempo trabalhando. Cheguei a pensar em ser enxadrista profissional, pois era um jogador razoável. De tudo que pensei em fazer para ganhar a vida, ser desenhista era o que me parecia mais concreto.
Quando foi que teve a idéia de tornar-se um roteirista de quadrinhos?
R: Em 1976 fui fazer um curso de desenho comercial no Senac. E neste curso eu conheci o Silvestre Mendonça (o professor), meu primeiro Guru. Neste curso também conheci o Kussumoto e o Seabra (que era amigo do Silvestre e apareceu lá para visitá-lo). Foi à primeira vez que conheci pessoas que também pretendiam ser quadrinistas.
No final do curso os alunos tinham que fazer uma revista, uma campanha publicitária, etc, para uma exposição no SENAC. Eu escrevi uma história de 12 páginas para o Kussumoto desenhar, pois seu traço era melhor que o meu. O personagem chamava-se “Manco Capac”. Foi a primeira história que escrevi. Antes eu apenas desenhava, sem construir qualquer história. O Kussumoto comentou que se a gente fizesse uma dupla, tínhamos chances de entrar no mercado mais cedo. E eu pensei que iniciando como roteirista abriria caminho para me tornar desenhista mais tarde. Reescrevi a mesma história em 32 páginas e em 1977 começamos a visitar as editoras.
Qual foi a primeira editora que publicou uma história em quadrinhos sua?
R: Foi a Editora Vecchi, na edição número quatro da Spectro, em janeiro de 1978. A história chamava-se “O Bode”, uma história de lobisomem.
Como foi o seu ingresso no mercado editorial? Foi fácil ou teve alguma dificuldade?
R: Não foi difícil. Tivemos poucas decepções antes de conseguir publicar a primeira história. “Manco Capac” se mostrou inviável, por ser muito longa. Escrevi três histórias depois; “Caçada Mortal” e “Lúcia” com as quais pretendíamos publicar na Kripta ou, segunda opção, na Vampirella da Editora Noblet. Não tivemos sucesso em nossa pretensão. Com estes trabalhos visitamos a Abril e a Noblet. Fomos muito bem recebidos na editora Abril pelo Primaggio e o Rui Perotti. Não havia como utilizar o nosso trabalho nesta editora, mas nos estimularam muito a continuar. Na Noblet conhecemos o Paulo Hamasaki. Ele nos esclareceu que na Vampirela só podiam publicar material da Warren.
Mesmo assim, com uma carta do Primaggio nos apresentando a um amigo da Rio Gráfica e Editora, fomos para o Rio. Não posso dizer que tenham nos maltratados na editora, mas fomos tratados com um profissionalismo distante. Gentilmente nos fez entender que não deveríamos mais encher o saco.
A decepção foi tanta que, mesmo estando hospedados em um hotel quase vizinho da Vecchi, não ficamos estimulados em visitá-la, com medo de ter outra frustração. A nossa visita à Abril e a Noblet tinha sido muito diferente. Saímos destas editoras estimulados e convidados a retornar quando quiséssemos para mostrar outros trabalhos.
De volta a São Paulo, o Kussumoto viu na Spektro o anúncio de dois especiais. Um de vampiros e outro de lobisomens. Resolvemos tentar publicar algo nestes especiais. Escrevi a história “Semente do mal” e “Noite da vingança”, uma história de 20 páginas dividida em duas partes. Antes de terminar de desenhar o Kussumoto achou que não terminaria a tempo. Escrevi outra, de 12 páginas, visando o especial de lobisomem. Então fomos para o Rio novamente, levando na bagagem a história “O Bode”, “Caçada Mortal” e “Lúcia” (Desenho do Seabra com arte final do Kussumoto). Fomos recebidos pelo Ota (Otacílio D`Assunção) como VIPS! Nos hospedou em sua casa e a noite nos levou a residência do Shimamoto! Escolheu a história “O Bode” para publicar na Spektro 4. Retirou uma história importada para abrir espaço para o nosso trabalho.
Como foi que começou a trabalhar na Grafipar?
R: O Seabra nos avisou sobre a Eros, uma revista de história em quadrinhos eróticos. O dono de uma banca de revistas, amigo do Franco de Rosa e do Seabra, conhecia o Faruk, o editor da Grafipar. Escrevi uma história de quatro páginas (Uma ilha, um naufrago...) e, junto com o trabalho do Seabra e do Franco, deixamos com o jornaleiro. E esperamos. Como não veio resposta, fui para Curitiba, fazer um contato direto. A recepção foi muito boa. Fiquei hospedado na casa do Seto. Voltei para São Paulo entusiasmado, com um monte de idéias. Algum tempo depois, Seto veio a São Paulo e me levou a casa de um desenhista novato. Era o Rodval Matias. E assim se formou o primeiro núcleo de quadrinistas paulista da Grafipar. Eu, Noriyuki e o Franco como roteiristas, Kussumoto, Seabra e Rodval como desenhistas.
E o que o você fazia na Grafipar?
R: Eu não tinha um serviço especifico no Grupo de Quadrinhos. Minha função era fazer o que fosse necessário para ajudar o Seto a fechar as revistas. Eu lia roteiros e os remetia para os desenhistas. Respondia cartas dos leitores e dos colaboradores. E, interceptava as HQs importadas que eram enviadas para apreciação do Faruk. O destino deste material era a gaveta.
Você trabalhou na Grafipar durante quanto tempo?
R: Internamente trabalhei uns sete meses. Como roteirista trabalhei na Grafipar durante todo o tempo em que esteve ativa. Afastei-me definitivamente quando ela estava próxima de fechar as portas.
Chegou a se mudar para Curitiba? Como era a vila dos quadrinistas?
R: Sim. Fui o primeiro quadrinista a se mudar para Curitiba. Depois vieram o Itamar Gonçalves, O Franco de Rosa, Gustavo Machado, Fernando Bonini, etc. Eles eram vizinhos, muro a muro, no bairro Três Marias.
Como eram feitas as seleções das histórias a serem publicadas nas revistas?
R: No dia do fechamento eram escolhidas as histórias que havia chegado na redação. Havia um pré-fechamento, pois sabíamos, mais ou menos, o que os desenhistas estavam desenhando e quando enviariam o trabalho para a editora. Eu auxiliava o Seto na escolha, mas a decisão final era dele. Não me lembro dele ter, por qualquer motivo, vetado o trabalho de ninguém. Toda a produção de cada profissional era utilizada. Até aquelas que eram recusadas por outras editoras. Isso transformou a Grafipar na preferida pelos desenhistas. Com o crescente aumento dos títulos, quase tudo que eles desenhavam em um mês eram programados e pagos no mês seguinte. O esquema só não era bom para os roteiristas. Eles não eram vistos como um profissional independente (E, até hoje é assim.). Não importavam quantas páginas o roteirista escrevesse no mês. Só receberiam pelas histórias que fossem desenhadas e programadas em alguma revista.
Os desenhistas tinham que desenhar os roteiros enviados pela Grafipar?
R: Não. Se o desenhista optasse por desenhar suas próprias histórias, tudo bem. Tanto fazia se a história fosse boa ou ruim. Alguns desenhistas, como o Shimamoto, preferiam pegar os roteiros enviados pela Grafipar. Assim ganhava tempo para desenhar. Creio que foi ele quem mais desenhou para a Grafipar. O Itamar Gonçalves era outro que pegava os roteiros. O Eros fazia seus próprios roteiros, mas também pegava muitos roteiros dos roteiristas.
No período de crescimento da Grafipar, a situação do roteirista mudou?
R: Não. O roteirista não tinha qualquer status na Grafipar. Eram tidos como um auxiliar dos desenhistas, para eles não perderem tempo escrevendo histórias e poderem desenhar mais. Claro que isso nunca foi verbalizado, mas a atitude da editora em relação aos roteiristas era essa.
Quais eram os roteiristas que mais produziam?

Carlos Magno e o Padrella competiam entre si para ver qual produzia mais durante o mês. Deste modo garantiam que a maioria das histórias, programadas e publicadas, tinham as assinaturas deles.
E você?
R: Eu perdia feio nesta competição, nunca fui um profissional de grande produção. Gostava, e gosto, de elaborar as histórias. Além disso, como tinha meu salário na Grafipar, por isso só escrevia roteiros para o Kussumoto e para alguma edição específica ou quando entrava na competição criativa que havia entre os roteiristas.
Que competição era essa?
R: Quando um escrevia uma história boa, os outros procuravam superar no mês seguinte. O prêmio desta competição, também não declarada, era receber o elogio dos outros. Creio que esta competição, aliado, é claro, ao senso profissional, foi responsável pelo bom nível de boa parte das histórias publicadas na Grafipar, pois da editora os roteiristas nunca receberam qualquer estimulo para produzir boas histórias.
Quais eram os roteiristas envolvidos nesta competição?
R: Eu, o Padrella, o Carlo Magno e o Fischer. Era uma competição sadia, pois reconhecíamos o talento do colega e queríamos superar um trabalho que julgava bom.
Para quais editoras você trabalhou?
R: Trabalhei para a Editora Vecchi, Grafipar, Ebal, Abril, Rio Gráfica e Editora (Estas duas através de estúdio, uma história do Bionicão, na RGE e uma história do Zillion, na Abril), D-Arte, Nova Sampa, Noblet, Press Editorial, Editora Toni Fernandes, Escala, Opera Graphica e algumas editoras da Europa.
Qual foi o seu melhor trabalho como quadrinista?
R: É difícil escolher. A história “Quinto Grau”, por exemplo. Eu havia cismado de escrever uma história em quadrinhos sem desenho. Chegar à essência da linguagem. Mas todas as minhas tentativas resultavam em roteiro. Quando desisti, passei o roteiro para o Kussumoto. Então, gosto muito desta história, é o resultado desta minha procura pela essência, a linguagem dos quadrinhos. (Anos depois percebi que a literatura de cordel é quadrinho puro, na essência, sem desenhos). E gosto de “Mulher Diaba no rastro de Lampião”, por ter sido desenhada pelo mestre Colin. No erótico gosto muito de “Made in Japan” e “Tatuagem”. Mas, se tenho que escolher uma, escolho “Drácula, a sombra da noite”.
Com quais desenhistas você trabalhou? Destacaria o trabalho de algum?
R: Trabalhei com o Roberto Kussumoto, Neide Harue, Flávio Colin, Franco de Rosa, Seabra, Itamar Gonçalves, João Pacheco, Silvio Spotti, Paulo Yokota, Roberto Fukue, Paulo Hamazaki, Sérgio Lima, Álvaro Rios e Luri Maeda. Cada um deu o melhor de si no trabalho.

Em breve: o roteiro de Mulher Diaba

2009-08-22T05:43:00.000-07:00

Como sou autor de um livro sobre roteiro de quadrinhos do Brasil, tornou-se muito comum receber e-mails de pessoas querendo enveredar pelos caminhos do roteiro perguntando onde encontrar exemplos de roteiro. Este blog surgiu com esse objetivo: mostrar, além de textos sobre a arte de escrever quadrinhos, exemplos de bons roteiristas. Já tivemos colaborações de alguns dos grandes roteiristas da nova geração, mas faltavam os caras da velha guarda. Faltava. Em breve teremos o roteiro de Mulher Diaba no Rastro de Lampião, de Ataíde Brás, uma das melhores obras da HQB. Se alguém tiver o contato de outros bons roteiristas dos anos 1970-1980, entre em contato para que possamos ter exemplos também dessas feras.

Além de ser um exemplo para as novas gerações, é também uma forma de homenagear essas pessoas que se dedicaram a escrever quadrinhos no Brasil.

Fuga - roteiro de Alexandre Lobão

2009-08-20T06:00:00.000-07:00

Fuga
Roteiro de Alexandre Lobão, desenhos de E. C. Nickel

Personagens:
Protagonista (Júlio): Jovem forte, sem excesso, normalmente orgulhoso e convencido, porém na história está permanentemente apavorado, olhos arregalados e mãos crispadas.
Vampiros: Ficam sempre no escuro, podendo ser apresentados como sombras individuais ou uma massa de membros, dentes e olhos brilhantes.

A idéia básica da HQ é a seguinte: Um jovem realizou uma aposta com alguns amigos e entrou em uma catacumba em um cemitério, atrás de um crânio. Descobriu um monte de vampiros, que o perseguiram, o alcançaram e sugaram seu sangue, transformando-o em um vampiro. A história começa, mesmo, quando o jovem acorda, no dia seguinte, tendo se transformado em um vampiro, mas sem consciência disto. Assustado por acordar dentro de um caixão e cercado por vampiros, ele mal se lembra da noite anterior, e foge desesperado da catacumba. Os vampiros correm atrás dele, tentando evitar que ele chegue à luz do dia (que o matará, pois agora é um vampiro), porém ele consegue fugir e, só no último momento, ele lembra que foi capturado no dia anterior, e toma consciência de que agora é um vampiro. Tarde demais, pois já chegou à luz, e morre.
A história se passa quase que inteiramente dentro de uma catacumba, em um cemitério, devendo ser, portanto, bastante escura. A narração é realizada através dos pensamentos do personagem principal.

Página 1
O personagem principal está acordando, dentro de um caixão, sem saber onde está nem lembrando de como chegou ali. A sensação de claustrofobia é grande, e deverá ser passada ao leitor pelos textos e imagens (ou falta delas) nos primeiros quadros.
Quadro 1: Todo preto.
Júlio: A consciência vem devagar, acompanhada de um gosto ruim na boca

Quadro 2: Todo preto.
Júlio: Abro os olhos, mas continua escuro. O medo sobe frio pela minha espinha quando percebo que estou preso em algum lugar apertado.

Quadro 3: A partir do ponto de vista de Júlio, vemos o caixão sendo aberto. Boa parte do quadro é escura, enquanto a faixa de luz que entra pelo canto ilumina a mão que empurra a tampa para cima.
Júlio: O ar viciado me sufoca, porém é o pavor que trava minha garganta quando as lembranças começam a voltar, e começo a lembrar onde estou...

Quadro 4: Quadro grande, tomando o resto da página. De um ponto de vista elevado, vemos diversos caixões, de um dos quais está saindo o personagem principal. Júlio está sentado no caixão, apavorado, cabelos bagunçados, roupas sujas e um pouco rasgadas. Outros caixões estão começando a abrir, deixando entrever mãos com unhas compridas, olhos brilhando no escuro e talvez o reflexo de um ou outro sorriso vampiresco.
Júlio: Eu estou ferrado!
Texto: “Fuga”

Página 2
O tom da página é de fuga, velocidade, medo. Júlio corre pela catacumba, enquanto sombras o perseguem. Ao mesmo tempo, ele se lembra da mesma fuga que ele realizou, em circunstâncias semelhantes, no dia anterior. As cenas em flash back devem aparecer em preto-e-branco, com cores esmaecidas ou desenhos diferenciados, para deixar claro ao leitor que são lembranças do passado.

Quadro 1: Júlio pula do caixão e corre apavorado na direção da porta de saída da sala onde se encontra. Os demais caixões começam a se abrir e sombras com grandes dentes começam a sair de seu interior.
Júlio: Eu sabia que esta história não ia dar certo! Quem mandou bancar o macho?

Quadro 2: (Flash back) Júlio, assustado, está de pé à porta, entrando na sala e iluminando os caixões com uma grande lanterna. Os caixões estão se abrindo, alguns já estão abertos e sombras o espreitam a partir da escuridão.
Júlio: Era só entrar aqui e roubar um crânio velho qualquer! Grana fácil!

Quadro 3: Júlio alcança a porta, disparando com os braços esticados à frente e medo no rosto. No chão do corredor está a lanterna que ele segurava no dia anterior. Sugestão: Colocar o ponto de vista próximo ao chão, a partir do corredor em direção à sala (de onde vem Júlio), mostrando em primeiro plano a lanterna, com o vidro quebrado.
Júlio: Como eu poderia imaginar?

Quadro 4: (Flash back) Júlio, assustado, deixa cair a lanterna, enquanto à sua frente as sombras começam a avançar.
Júlio: Quem poderia acreditar?

Quadro 5: Júlio correndo apavorado pelo corredor. As sombras o perseguem, entrando no corredor a partir da sala onde estavam, correndo pelo chão, paredes e teto. Elas correm mais como felinos (em vez de eretas), para aumentar o tom de ameaça e a impressão de velocidade. Pouco se vê das sombras, exceto os dentes e olhos brilhantes.
Júlio: Mas como fui parar naquele caixão??

Quadro 6: (Flash back) Semelhante ao quadro anterior, porém Júlio está mais limpo e seu cabelo e roupas menos bagunçados.
Júlio: Lembro das pernas pesadas como chumbo, enquanto eu tentava fugir. Cada passo, um sofrimento congelando o sangue nas veias!

Artigo: O que o mercado de HQs dos EUA tem contra os roteiristas brasileiros?

2009-08-18T05:14:00.000-07:00

Editor-chefe da Marvel explica por que prefere compatriotas. Escritores então dão sua opinião
01/05/2009 Érico Assis

O mercado de quadrinhos dos EUA é hoje movido, em grande parte, por desenhistas nascidos e trabalhando fora do país. Desde os anos 90, o Brasil é um dos maiores exportadores de desenhistas, que trabalham nas pequenas, médias e grandes editoras estadunidenses. Nomes como Mike Deodato, Ed Benes, Ivan Reis, Gabriel Bá, Fábio Moon e vários outros fazem sucesso atualmente lá fora.
E quanto aos roteiristas de quadrinhos estrangeiros? Fora britânicos ou canadenses, aparentemente a entrada de novos escritores no mercado de HQ dos EUA é bastante reduzida. E, segundo uma declaração do editor-chefe da Marvel, Joe Quesada, talvez não seja por falta de tentativa.
Em sua coluna no MySpace, ele diz: "Vemos, quase sempre, que não importa o quanto um escritor seja bom nos quadrinhos em outro país, não existe correspondência aqui. Eles podem chegar do ponto A ao B em uma história tranqüilamente, mas há uma certa cadência, e certos coloquialismos e estruturas de fala, que se perdem. A estrutura da história pode ser diferente também. O que é considerada uma estrutura clássica nos EUA pode não ser visto assim no Japão, ou em qualquer outro lugar. É muito, muito difícil para escritores ir de uma cultura a outra. E, claro, é uma estrada de duas mãos. Penso que vários bons escritores estadunidenses teriam um problemão escrevendo para o mercado estrangeiro. Tenho certeza que eu não conseguiria".
Quesada revela que a única exceção que conhece é o escritor Akira Yoshida, japonês que trabalhou na Marvel com séries como Thor: Filho de Asgard e Elektra: O Tentáculo. O Omelete foi então atrás da opinião de alguns escritores e artistas brasileiros, para saber o que eles pensam da visão de Quesada - que afinal é o representante da maior editora de quadrinhos dos EUA.
Leia mais no Omelete

Quatro perguntas sobre roteiro

2009-08-15T12:55:00.000-07:00

A entrevista abaixo foi publicada no blog Papo de Quadrinhos, do Jota Silvestre. Reproduzo aqui por tratar justamente da construção do roteiro: O professor universitário Gian Danton(pseudônimo de Ivan Carlo Andrade de Oliveira) já recebeu diversos prêmios por seus roteiros, entre eles o HQ Mix de 1999 e 2000, o Ângelo Agostini e o prêmio da Associação Brasileira de arte Fantástica.Ele é autor de vários artigos e livros, especialmente sobre o assunto que mais domina: roteiros. O mais recente deles,Roteiro para Histórias em Quadrinhos, acaba de ser lançado pela Editora Popmídia.Gian Danton responde 4 Perguntas do Papo de Quadrinho:

1) O que caracteriza um bom roteiro para quadrinhos?
Acho que não há uma única resposta para isso, já que existem muitos estilos e muitas formas de fazer quadrinhos. Mas algumas coisas fazem com que um roteiro seja bom. O primeiro, creio, é que o texto toque a pessoa, começando pelo próprio escritor. Alan Moore diz que um roteiro de terror deve dar medo em quem escreve. Também é importante uma boa caracterização de personagens e ambientação. O personagem deve ter uma história de vida, que orienta suas ações no presente. Daí a importância dos flashbacks em Lost, por exemplo. E a escolha do ambiente influencia diretamente nos rumos da história, como em Aldebaran, do brasileiro Leo, em que pessoas vivendo num mundo aquático têm comportamento diferente de pessoas que vivem num mundo árido. A pesquisa também é importante para a construção de um bom roteiro. Se vou escrever uma história sobre o Egito, devo fazer uma boa pesquisa sobre aquele país.

2) Tenho notado que os jovens que ambicionam profissionalizar-se como quadrinhistas são muito mais preocupados com o desenho que com o roteiro. A que você atribui isso?
Infelizmente, o desenho é o que mais salta aos olhos. A maioria começa a comprar quadrinhos por causa dos desenhos. Só que o que faz a pessoa continuar comprando é o roteiro, mas poucos quadrinhistas percebem isso. Veja a Image, que era uma editora de revistas-pôster... Parece que o fracasso da Image não ensinou muito aos novos quadrinhistas que pretendem entrar no mercado. Se bem que essa é uma visão compartilhada até por pessoas de outras mídias. Os desenhistas costumam ser mais valorizados pela mídia do que os roteiristas. Um exemplo: quando foi lançada a revista Mulher Diaba no rastro de Lampião, um jornalista perguntou para o Flávio Colin se ele tinha pesquisado literatura de cordel para fazer a história. O jornalista não percebeu que o roteirista era o Ataíde Bras (este sim, pesquisou muito literatura de cordel para escrever o roteiro).

3) Indique uma HQ que ilustra o que é um roteiro bem construído. Por favor, justifique a escolha.
Nossa, agora você me pegou! Tem tantas... Só de cabeça, eu poderia citar muitas, mas vou me limitar a uma que está em voga: Watchmen. Essa HQ é um dos exemplos mais bem acabados de um bom roteiro. Para começar, Alan Moore usou um estilo de narrativa para cada núcleo ou personagem. Os textos de Rorschach são diferentes dos Contos do Cargueiro Negro, que são diferentes de outros personagens, como o Dr. Manhattan. Só um roteirista absolutamente genial conseguiria dominar tantos estilos ao mesmo tempo.

4) Na outra ponta, cite alguma boa história que foi desperdiçada por um roteiro ruim...
Eu costumo dizer que Alan Moore tem a capacidade de transformar m... em ouro, como fez com o Miracleman. Da mesma forma, tem roteirista que acaba transformando ouro em m... O exemplo mais famoso é A morte do Super-Homem. Poderia ter sido uma grande HQ, mas entrou para a história como um dos roteiros mais sofríveis de todos os tempos. As coisas acontecem sem muita lógica, os personagens parece não ter motivação... sem falar da enrolação que foi aquilo. Deus nos defenda!

Adaptações

2009-08-06T07:38:00.000-07:00

Vamos falar de adaptações.
Bem, a primeira coisa que vocês devem fazer é ler com atenção a obra que vai ser adaptada. Essa leitura deve ser feita de forma a tirar do texto aquilo que Alan Moore chama de idéia e eu chamo de tema.
Sobre o que é a história? Vocês podem mudar tudo, podem mudar a ambientação, os personagens, mas o essencial que é o tema deve se manter.
O ideal é que também o tipo de narrativa se mantenha, se você quiser se manter fiel ao autor (e não estiver fazendo uma adaptação apenas para ridicularizá-lo, como faziam os músico da banda Mutantes com as músicas antigas).
Se você for adaptar Viagens de Gulliver, deve se lembrar a todo instante que a história é uma alegoria política. Ao invés de ser uma navegante, o Gulliver de sua história poderia ser uma astronauta, mas, mesmo assim, as situações em que ele se envolvesse deveriam ser alegorias políticas.
Gostaria de me reportar a um caso específico: o livro Coração das Trevas, de Joseph Conrad. Esse livro teve uma ótima adaptação para o cinema, nas mãos do Copolla, o filme Apocalipse Now. E eu também me arrisquei a adaptá-lo.
O livro é sobre como situações limites podem mexer com a cabeça das pessoas. É também uma crítica ao colonialismo.
No livro, um homem chamado Marlow está em um navio com outros homens e ele começa a contar a história de quando trabalhava como mercador de marfim nos países que eram colônia da Inglaterra.
O filme de Copola se passa durante a guerra do Vietnã. Minha história é uma ficção científica e se passa em um planeta distante.
Como vocês podem ver, tanto eu quanto o Copolla mudamos a ambientação. Mas a essência se manteve.
Eu defino a essência da história logo na primeira página, quando o personagem narrador diz: Vou contar uma história, senhores. Ela é sobre um homem. A trama e os detalhes talvez não importem. Apenas o homem importa.
No livro de Conrad não acontece quase nada. O mais importante, para Conrad é a descrição psicológica dos personagens e a análise de como eles se comportam em situações limites. Isso foi mantido tanto na minha adaptação quanto na do Copolla.
De resto, há várias diferença e semelhanças entre minha adaptação e a do Copolla. Eu mantive a idéia de uma pessoa contando história para outras. Copolla eliminou isso, mas manteve a narrativa densa, pesada, característica do Conrad.
Também acho importante ser fiel à forma do autor. Na minha adaptação, fiz questão de usar frases que não são características de minha prosa, mas que você encontra muito no livro de conrad. Exemplo: "Mesmo sem o terem visto, vocês se lembrarão dele pelo resto da vida. Para quem o conheceu, talvez a lembrança de seu rosto possa ser levada até para depois da morte".
O livro de Conrad também é sobre a crueldade do imperialismo. No caso dele, o imperialismo britânico. No caso de Copolla, o imperialismo norte-americano. Eu transportei a situação para o futuro para dar à história um caráter mais universal. A empresa de minha história pode ser qualquer grande império.
Ah, como homenagem ao filme Apocalipse Now, eu pedi ao desenhista Jean Okada que fizesse os cenários como se fosse uma espécie de Vietnã alienígena.

Manticore: análise do processo de criação de uma graphic novel

2009-07-28T14:40:00.000-07:00

Introdução

A bibliografia nacional a respeito do processo de criação do roteiro de uma história em quadrinhos é praticamente inexistente e o pouco que há escrito e publicado é, na sua maior parte, de autoria de estrangeiros. Talvez isso se deva ao fato de que o roteiro sempre foi um aspecto menos valorizado nas pesquisas a respeito da arte sequencial. Poucos pesquisadores se interessaram em entender a dinâmica e o funcionamento de um roteiro de quadrinhos.
Essa carência de estudos tem se refletido na atividade produtiva, pois a acumulação de experiências e sua transmissão a novos talentos têm sido a base das principais escolas de quadrinhos, seja a americana, a argentina, a européia ou a japonesa. No Brasil, ao contrário, cada geração é obrigada a “reinventar a roda”. Assim, o que me proponho aqui é fazer uma análise do processo de construção de um roteiro de HQ. O objetivo é o mesmo que levou Edgar Allan Poe a escrever o texto Filosofia da Composição, análise do seu poema O Corvo:
“Muitas vezes pensei o quão interessante podia ser escrita uma revista por um autor que quisesse - isto é, pudesse - pormenorizar, passo a passo, os processos pelos quais qualquer uma de suas composições atingia seu ponto de acabamento.”
A escolha do objeto recaiu sobre a história Chupacabra, graphic novel em duas partes publicada como Manticore Especial, pela editora Monalisa, de Curitiba. A história é de minha autoria (com pseudônimo de Gian Danton) em conjunto com o desenhista Antonio Eder Semião. Se por um lado tal escolha peca por falta de distanciamento, já que o roteirista é também o analista, ganha-se em detalhes do processo de construção da obra, o que por si só justifica a escolha.
Como não é possível, num espaço tão curto, fazer uma análise abrangente da HQ, será dada prioridade a alguns aspectos, tais como criação de personagem, gancho, trama, suspense e forma.
PERSONAGENS

A história Chupacabra surgiu da iniciativa de um editor de Curitiba, que pretendia lançar uma revista em quadrinhos aproveitando a popularidade do personagem. Ele chegou a produzir um esboço no qual uma nave espacial caía na Terra e dela saía um extraterrestre. A sequência mostrava o ET pensando se deveria ou não sugar o sangue de uma ovelha.
Nossas considerações partiram desse esboço. Primeiramente decidimos que, se a história deveria seguir uma linha de suspense e ficção científica, não convinha mostrar o ET pensando. Isso por duas razões. A primeira delas referia-se ao fato de que seria impossível, ou muito difícil, reproduzir a lógica do pensamento de um extraterrestre. Uma tentativa nesse sentido corria o risco de cair no ridículo, o que não era nosso objetivo. A segunda razão é que queríamos deixar em suspense a origem da criatura, incitando a imaginação do leitor e criando um gancho para o segundo capítulo da história. Tudo isso nos levou a uma opção por um discurso indireto para a criatura, como pode ser percebido no texto inicial, que, aliás, destaca justamente a dificuldade em se reproduzir o discurso de um ser não humano:
“ Este não é o seu mundo. Ele não entenderia nosso raciocínio e sua lógica seria tão estranha para nós quanto um quebra-cabeça caótico. Ele não é deste mundo. Mas se falasse nossa língua, suas preocupações poderiam ser resumidas em uma única palavra... fome.”
Entretanto, precisávamos de um personagem que fosse o fio condutor da história. Alguém com quem o leitor pudesse se identificar e compartilhar de suas dúvidas. Optamos, então, pela criação de um detetive, Milton Flamel, que seria contratado para descobrir o animal. Embora não seja nosso objetivo fazer uma análise da história do ponto de vista da teoria da literatura, podemos recorrer à classificação de Norman Friedman para a caracterização da narração a partir do ponto de vista do detetive. Nosso personagem se encaixaria, assim, no modo narrador-testemunha.
A personalidade do detetive é apresentada na primeira fala, quando ele se diz céptico. Isso servia a nosso propósitos, uma vez que pretendíamos incutir a dúvida na cabeça do leitor, fazendo-o perguntar: “Quem, ou o que é o Chupacabra?” e, finalmente “Ele realmente existe, ou é uma fraude?”.
Mas, como pretendíamos realizar uma graphic novel e uma das características desse tipo de obra é a profundidade no tratamento dos personagens, convinha que o personagem não fosse bidimensional. Assim, ele também tem seus momentos de crença. Quase sempre, quando pensa no Chupacabra, ele o faz em referência a algum personagem mítico típico das histórias infantis:
“Quando criança, eu nunca acreditei em Papai Noel ou no Coelhinho da Páscoa. Eu ria de quem me falava em Bicho-Papão. Eu sabia que não havia nada embaixo da cama... nada dentro do armário. Nenhum segredo... Nenhum mistério. Eu sempre acreditei em meus olhos. Mas agora... mal consigo acreditar... em meus olhos. “
Embora identifique a criatura que está perseguindo com um pesadelo infantil (ele inclusive sonha com o Chupacabra), ele teme que seus sonhos se tornem realidade.
Há uma certa regra não formulada de que os personagens principais devem aparecer nas primeiras páginas da história. Assim, depois do Chupacabra e do detetive, providenciamos a aparição do fazendeiro (O Coronel) e do velho (Nicolau Batzin).
Devo admitir, quando criamos esses dois personagens, não tínhamos a menor idéia da importância que eles teriam na trama, em especial na segunda parte da história. Eles surgiram por uma pura questão de conveniência. O fazendeiro era o motivo para que o detetive saísse à caça da criatura. Precisávamos de alguém que contratasse o detetive e, no processo de elaboração do esboço, à medida que discutíamos os personagens, percebemos que o fazendeiro seria um ponto chave na trama e decidimos colocar um gancho ali, em sua primeira aparição, para de certa forma avisar o leitor disso.

O velho surgiu porque precisávamos de alguém para contracenar com o Chupacabra. Alguém humano e cujas reações fossem previsíveis para nós. A sua própria presença nos permitiria trabalhar a criatura mais próxima de algo humano. Além disso, o velho nos permitiria deslocar o Chupacabra para Curitiba, um cenário que conhecíamos melhor.

GANCHOS
A aparição desses dois personagens dá origem aos primeiros ganchos da história. Numa HQ os ganchos são aqueles fatos aparentemente irrelevantes, mas que acabam “puxando” acontecimentos importantes. Eles funcionam como uma espécie de aviso ao leitor. No caso de uma história policial, por exemplo, o gancho pode ser aquele momento, aquele acontecimento que deverá ser usado pelo detetive, mais tarde para desvendar o mistério. Seria desonesto o detetive descobrir quem é o criminoso graças a fatos que o leitor desconhece. Numa história de aventuras, por exemplo, o herói está preso no meio do inimigo, prestes a ser sacrificado. Então aparecem seus amigos e o salvam. Seria desonesto para com o leitor se esses amigos do herói aparecessem apenas nesse momento. O bom roteirista os introduziria anteriormente na trama e os faria sair da história, com a recomendação de que voltariam a qualquer momento. Assim, quando eles aparecessem para salvar o herói, o leitor não se sentiria lesado.
Na primeira aparição do fazendeiro, temos o primeiro gancho da HQ. O detetive percebe que o fazendeiro é, na verdade, um militar e esse fato tem importância significativa na história. Estrategicamente, essa cena foi colocada nas primeiras páginas, antes de uma cena de ação, para que o leitor se esquecesse dela.
O segundo gancho é aparição do velho Nicolau. Ele conduz a criatura para sua casa e lhe mostra um livro no qual há um desenho de uma espécie de dragão. A cena conota que há uma explicação mítica para a criatura.
Esses dois ganchos dão conta de dois aspectos importantes da trama: 1) qual a origem do Chupacabra; 2) porque e por quem ele está sendo perseguido.
Outros ganchos são acrescentados a seguir. Na página 8 aparece um helicóptero não identificado. Na página 10 alguém liga para Nicolau e diz: “Soube que você está vindo para Curitiba e está trazendo companhia. Talvez a coisa seja maior do que imaginávamos”.
Claro, todos esses ganchos não trazem informações suficientes para que o leitor decifre toda a trama. Na verdade, eles servem mais para incitar a curiosidade do mesmo. Mas eles permitem também algumas conclusões. Permitem, por exemplo, que se deduza a existência de dois grupos interessados na criatura, um formado por místicos, outro por militares, ou para-militares. Permitem que se perceba a existência de outros Chupacabras e nos conduzem a uma possível explicação mítica para a existência da criatura.
O objetivo é que, ao se deparar com uma situação importante e, de certa forma, inusitada, o leitor volte ao momento do gancho e diga algo como “Oh, sim. Claro. Como não percebi isso antes?”. As melhores histórias, as tramas mais trabalhadas têm essa característica de adiantar ao leitor o seu próprio encaminhamento.

SUSPENSE
Um outro aspecto que se torna importante na história é a questão do suspense, já que essa era a principal sensação que queríamos incutir ao leitor. Embora tenhamos procurado trabalhar situações de suspense em toda a trama, a maior carga de suspense, no primeiro capítulo, pode ser encontrada no final, quando o detetive finalmente confronta-se com o Chupacabra. Nessa situação nós brincamos com os nervos do leitor, fazendo-o ficar, primeiramente tenso e depois relaxado, para só depois desencadear a ação.
Quando o detetive está dentro do carro e ouve o barulho lá fora, o leitor sabe, ou imagina saber, que algo vai acontecer. Entretanto, como a sondagem se revela infrutífera, o leitor se deixa convencer pelo texto, passando a acreditar que não existe mais perigo.
Surpreender o leitor é uma das regras das histórias de suspense e isso ocorre quando o Chupacabra aparece refletido no espelho do carro.

Nós, então, enganamos novamente o leitor, fazendo-o acreditar que a criatura foi morta. Para isso, usamos um artifício maroto: nós simplesmente não mostramos os eventos que estão sendo narrados. A narrativa visual foca-se no detetive e o leitor é obrigado a acreditar na sua versão dos fatos. Com isso exploramos ao máximo as possibilidades tanto do texto, quanto do desenho, fazendo com que esses não sejam redundantes.
Dessa forma, criamos o efeito de suspense. Para Isaac Asimov, “o que é necessário para que haja suspense é uma ‘insuficiência de informações’”. Assim, o leitor se sente aflito não porque o personagem vai ser morto, mas porque não sabe se ele irá morrer ou se salvar. É essa falta de informação que cria o suspense da cena e o fato de não se mostrar o Chupacabra amplia ainda mais o efeito.
Asimov, entretanto, lembra que “tanto a falta de conhecimento quanto o conhecimento total acabam com o suspense”. Em outras palavras, se o leitor não soubesse que o personagem corre perigo, não haveria suspense. O leitor precisa, portanto, ser avisado de que a situação é perigosa. No cinema isso é feito através da trilha sonora, que providencia um clima de tensão para a cena. Na HQ, como não há trilha sonora, esse efeito é conseguido através do texto.
No outro extremo estaria o leitor que tivesse certeza a respeito da morte do detetive. Esse também não experimentaria qualquer suspense. Embora a maior parte das pessoas tenha gostado do final, um amigo meu criticou-o duramente. Para ele o final era previsível.
A razão disso é simples. Ele já havia lido muitas de minhas histórias e sabia de minha compulsão por matar os protagonistas de minhas histórias. Assim, ele já esperava a morte do personagem, sendo o final redundante para ele, enquanto o mesmo final é informativo para a maioria dos leitores...

O TEXTO
Depois de analisar os aspectos mais relacionados ao conteúdo, nos deteremos aqui sobre os aspectos da forma, aqui entendida como a maneira como se constrói o texto e os diálogos.
Uma simpática jornalista belenense, resenhando a publicação, escreveu: “ ‘Chupacabras’ traz sequências bem construídas e diálogos cuidadosamente encadeados”.
Como disse, muito simpática, pois me atribuiu um talento que não tenho, ou seja, de construir bons diálogos. Esse defeito fez com que a história tivesse predominância de textos. É natural que um escritor trabalhe suas limitações, transformando-as em qualidades. Alexandre Dumas recebia por linha e, por isso escrevia monumentais e inesquecíveis romances. Borges, sendo cego, precisava construir mentalmente seus contos e decorá-los para depois ditá-los à secretária. Isso o transformou no mestre da literatura sintética.
Da mesma forma, a dificuldade com os diálogos fez com que eu trabalhasse mais as legendas. Assim, há vários tipos de legendas na HQ, numa visível predominância destas sobre os diálogos.
O narrador principal do primeiro capítulo é o detetive e ele o faz em primeira pessoa, no tempo presente. Essa escolha não foi de modo algum aleatória, pois um narrador no presente é muito pouco onisciente, e tínhamos interesse que fosse assim para preservar o suspense sobre algumas questões. Mas há outra razão. Queríamos, também, com esse tipo de texto, forçar uma associação com os romances policiais noir, que em geral eram narrados dessa maneira.
O nosso detetive é, portanto, um detetive noir. Ele não senta em sua poltrona e procura decifrar o enigma através de seu raciocínio lógico, como certamente faria Sherlock Holmes. Ele se envolve nos acontecimentos e, embora seja bastante perspicaz (como demonstra a cena em que ele descobre que o fazendeiro é na verdade um militar), sua capacidade de raciocínio não parece extraordinária.
A narrativa é caótica: os fatos são mostrados de várias maneiras, formando o chamado caos semiótico. As sequências do Chupacabra são acompanhadas de um texto em terceira pessoa, há as sequências do documentário de TV (essas, escritas pelo desenhista Antonio Eder), há a lenda inca, que conta a origem do Chupacabra e há um momento (página 5 do primeiro capítulo) em que o texto representa o pensamento de Nicolau.
Há uma única sequência do primeiro capítulo que é narrada apenas com diálogos. Trata-se da operação militar na caverna de Minas Gerais. A escolha pelos diálogos se deveu a dois motivos: 1) Provocar uma quebra na história, mostrando que se tratava de uma cena independente; 2) Evitar que o leitor se identificasse com qualquer um dos personagens militares.
Esse segundo item deve-se ao fato de que o texto, a legenda, implica em alguma cumplicidade do leitor e do autor com o personagem. No caso do detetive, por exemplo, o leitor comunga de seus pensamentos, e passa a se identificar com ele. Como consequência, sua morte no final do capítulo será sentida com grande intensidade, enquanto que a morte dos soldados é vista apenas como uma notícia de jornal. Há um distanciamento.
Essa não identificação com determinados personagens é, inclusive, aconselhada por Platão: “O homem ponderado, segundo me parece, quando tiver de se referir, numa narração, uma frase, ou uma ação de um homem bom, procurará exprimir-se como se fosse esse homem (...) E quando tiver de falar de um homem indigno dele, não se permitirá imitá-lo a sério”.
Da mesma forma, quando, no segundo capítulo, me referi ao novato que espera por Nicolau em sua casa, dei a palavra a ele. Ele demonstra sua aflição diante da ausência de Nicolau e do Chupacabra, preocupação essa que é compartilhada pelo leitor, que não os vê desde o final do primeiro capítulo e não sabe o que aconteceu com eles.
Mais tarde, no final do segundo capítulo, ele é escolhido para narrar os acontecimentos posteriores ao contato com os extraterrestre. O texto poético e as informações a respeito de uma visão otimista de futuro levam a uma identificação com o leitor: “O céu é um campo de girassóis dominado pela luz prateada de nossas naves. Quarenta minutos. Esse é o tempo que nos separa do planeta rodeado por quatro luas” .
Por outro lado, quando precisei me referir ao Coronel, também no segundo capítulo, para contar sua história, eu o fiz em terceira pessoa, forçando um distanciamento. Queríamos que ele fosse uma espécie de figura mítica, um arquétipo da teoria da conspiração, influindo diretamente nos principais acontecimentos da história brasileira nos últimos 50 anos. Sua caracterização é feita já nas primeiras frases:
“Ele se recosta calmamente no banco, acariciando a maleta de armas. O Coronel é um homem convencional. Ele acredita na permanência, não na mudança. Tudo deve continuar como está. Cada coisa em seu lugar. Nada de mudanças”.
Notem a insistência na frase “nada de mudanças”, que se repete por todo o texto. Isso faz com que o leitor tenha uma predisposição negativa com relação ao personagem, já que na cena anterior o velho já havia convencido esse mesmo leitor da necessidade de se mudar um modelo de sociedade baseado na destruição da natureza, na desigualdade social e no consumismo: “Este é um mundo moribundo. Não temos muito tempo até que chegue o fim”.
O texto constantemente é a caracterização do estilo de um autor. Como já disse Borges, o estilo é formado pela redundância de certos temas, certas predileções. Quando fazia o 'letreiramento' da segunda parte da história, o letrista comentou, acertadamente, que tenho uma certa empolgação pelas cenas de delírio, ou sonhos.
De fato, minhas cenas prediletas, em termos de texto, são o sonho do detetive no primeiro capítulo e o delírio de Roberto antes de ser morto, no segundo capítulo. Esse é o tipo de cena que não precisa ser real, permitindo ao roteirista soltar sua imaginação. Eis o texto do sonho:
“Eu tive um sonho. Sonhei que estava num ônibus e havia um extraterrestre entre nós. Era uma figura estranha. Um vulto que se esgueirava entre os cantos. O motorista abria a porta e a criatura fugia... a multidão corria atrás dela, tentando pegá-la. Eu corria junto com eles, gritando por sangue alienígena. Então, em um momento, eu me tornava o alienígena e me sentia como ele se sentiria, sendo perseguido por uma multidão enfurecida”.
O texto, como se vê, narra acontecimentos de forma condensada, sumariando em quatro quadro o que poderia ser mostrado em quatro páginas. Baseados na distinção de Lubbock, poderíamos batizar essa categoria de texto de sumário.
Observe-se que, embora narre a história, o sumário não é redundante em relação ao desenho. Não é uma daquelas situações em que o desenho mostra Flash Gordon socando Ming e o texto diz: “Flash dá um soco em Ming”.
Enquanto o texto se refere ao pesadelo, o desenho mostra a cidade com o sol nascendo e, depois, o detetive se levantando da cama. Essa não redundância aumenta em muito a quantidade de informação da página. (Como ensina a cibernética, quanto menor for a probabilidade de uma mensagem ocorrer, maior será a sua carga de informação. Ou seja, quanto mais inusitada a mensagem, mais informação ela terá. No caso da cena analisada, o texto óbvio e menos informativo seria algo como: “O sol se levanta sobre a cidade. O detetive acorda. Ele está preocupado com o Chupacabra”. Tal texto acrescentaria muito pouco ao desenho, sendo redundante com relação a este).

BIBLIOGRAFIA

ASIMOV, Isaac. Suspense II in Isaac Asimov Magazine 23. Rio de Janeiro, Record
COMPARATO, Doc. Roteiro: Arte e Técnica de Escrever Para Cinema e Televisão. Rio de Janeiro, Nórdica, 1983.
DANTON, Gian et alii. Manticore Especial parte um. Curitiba, Monalisa, 1998
------------------. Sequência Especial, 2: A Difícil Arte de Escrever Quadrinhos. Curitiba, autoral, 1997.
EPSTEIN, Isaac. Teoria da Informação. São Paulo, Ática, 1986
TALENTO do Pará em revista. O Liberal, Cartaz, 03.02.99, p. 6
LEITE, Lígia Chiappini Moraes. O Foco Narrativo. São Paulo, Ática, 1994
LYPSZYK, Enrique. História em Quadrinhos e Seu Argumento in MOYA, Álvaro. Shazan!. São Paulo, Perspectiva, 1977.
MOORE, Alan. On Writing for Comics - Parte one in The Comics Journal, 119. Janeiro de 1988, p. 91-95.
MOORE, Alan. On Writing for Comics - Parte two in The Comics Journal, 120. Março de 1988, p. 99-102.
MOORE, Alan. On Writing for Comics - Parte three in The Comics Journal, 121. Abril de 1988, p. 133-137.
POE, Edgar Allan. Ficção Completa, Poesia & Ensaios. Rio de Janeiro, Aguilar, 1965

O que é um roteiro e para que serve

2009-07-26T16:35:00.001-07:00

Durante algum tempo da história dos quadrinhos, desenhista e roteirista eram a mesma pessoa. Em outras palavras, havia um só artista, que bolava a história, escrevia, desenhava e, em alguns casos, até fazia o letreiramento.
Mas com o tempo foi possível perceber que nem todo bom desenhista é também um bom roteirista. Para ser bastante sincero, logo ficou claro que alguns desenhistas eram quase analfabetos.
Foi quando surgiu a figura do roteirista. Creio que o primeiro grande roteirista foi Lee Falk, autor de Mandrake e Fantasma. Falk criou verdadeiras lendas e tinha total controle sobre elas. Mas como ele podia fazer isso? Afinal, ele era apenas o escritor... Como ele poderia fazer com que o desenhista ilustrasse a história exatamente como estava em sua cabeça?
Se você respondeu “através do roteiro”, ganhou um doce.
O roteiro é uma invenção genial. Ele permitiu que uma pessoa incapaz de desenhar um círculo fizesse quadrinhos. Ele permitiu que artistas que não se conhecem, e nem mesmo moram no mesmo país, possam trabalhar juntos. E, finalmente, o roteiro abriu a possibilidade dos quadrinhos alcançarem uma qualidade literária e gráfica inimaginável.
Portanto, o roteiro é um veículo através do qual o escritor consegue orientar o desenhista, levando-o a ilustrar a história exatamente como ele imaginara.

Os roteiristas de novelas

2009-07-16T18:01:00.000-07:00

Hoje eu estava conversando com o Jefferson, conhecido como Kaverna, sobre roteiristas, e a gente falava dos roteiristas de novelas. A gente falava das qualidades e defeitos de cada um. Um dos problemas é a repetição dos temas:
Benedito Rui Barbosa sempre faz o Rei Lear;
Agnaldo Silva sempre faz Romeu e Julieta;
Walcyr Carrasco sempre faz A Megera Domada.
Borges dizia que o cara começa a ter estilo quando começa a se repetir, mas sei não... O Dias Gomes era mais eclético, embora fosse muito influenciado pelo realismo fantástico.
E, quando o assunto é diálogos, Benedito Rui Barbosa é sempre um mestre. Parece que estamos vendo duas pessoas reais falando...